Elio Castro Archivos - Notas de cine blog

Elio Castro

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19 abr 2013

Shirley en su mejor reencarnación

En el programa de esta semana recordamos a uno de los mitos vivientes del cine americano que también ha hecho sus aportaciones al cine musical. Shirley Maclaine apareció en el cine de los años 50 como un soplo de aire fresco que rompía estereotipos. Pelo corto, rojizo, gesto picarón y un aire de chica natural que nada tenía que ver con las bellezas de la época, aunque no por ello dejara de resultar atractiva. Shirley asegura que gracias a eso ha podido llevar una carrera larga porque el paso del tiempo no se ceba tanto en las actrices que no están catalogadas como sex symbols.

Sus padres eran artistas. Papá director de orquesta y mamá bailarina. No es extraño pues que tanto ella como su hermano Warren Beatty acabaran también en el mundo del espectáculo. El fuerte de Shirley era el baile y con apenas 15 años debutó en Broadway. Pronto se hizo notar en los repartos de musicales como “Oklahoma” o “Bésame Kate”. Su gran oportunidad le llegó cuando tuvo que sustituir de urgencia a la protagonista del musical “Juego de pijamas”, Carol Hayne, que se había fracturado un tobillo. En las pocas semanas que estuvo de sustituta el productor Hall Wallis se fijó en ella y la fichó para el cine.

Debutó con dos películas casi rodadas simultáneamente: “¿Pero quién mató a Harry?” de Alfred Hitchcock y “Artistas y modelos” junto a Jerry Lewis y Dean Martin. En esta última tenía un divertido número de baile junto a Lewis y cantaba la canción “Innamorata”. Su consagración definitiva como estrella llegaría con “Como un torrente” de Vincente Minnelli primero, y con “El apartamento” de Billy Wilder después.

En “Como un torrente” coincidió con Frank Sinatra y Dean Martin, actores con los que repetiría de compañera en otras películas como “La cuadrilla de los once”, “Los ambiciosos” o “Todo en una noche”. Se hicieron muy amigos y Shirley pasó a formar parte del llamado Rat Pack, compartiendo juergas con ellos dos, Sammy Davis Jr. y Peter Lawford.

Con Sinatra rodó también uno de los musicales más famosos de su carrera: “Can-Can”. En otras películas como “Un yankee en el harén”, “Mi dulce Geisha” o “Ella y sus maridos” tuvo ocasión de cantar y bailar aunque no se tratan de musicales propiamente dichos.

Pero su mejor papel dentro del género se lo regaló el director y coreógrafo Bob Fosse al hacerle protagonista de “Noches en la ciudad” uno de los grandes musicales de la historia del cine.

En los años 70 Shirley se apartó bastante del cine y montó varios espectáculos de variedades con los que recorrió el mundo entero con gran éxito. A pesar de que ya superaba los 40 años seguía siendo una bailarina incansable.

Estos espectáculos grabados para la televisión le reportaron un par de Emmys. El Oscar cinematográfico llegaría tras cinco nominaciones en 1983 por su papel de madre posesiva y entrañable en “La fuerza del cariño”.

En las últimas décadas hemos seguido admirando a Shirley MacLaine en películas como “Magnolias de acero”, “Postales desde el filo” o “Embrujada” pero en el reportaje de “Notas de cine” hemos querido recordar otras facetas suyas al margen del mundo del espectáculo de las que merece la pena hablar. Por ejemplo, su activismo político a favor de los derechos de las mujeres. Es también una viajera incansable. Incluso en los años 70 tuvo su propio programa de viajes en televisión, “El mundo de Shirley” en el que cada semana visitaba un país diferente.

Y no podemos olvidarnos de esa parte espiritual y esotérica a la que ha dedicado la mayor parte de sus esfuerzos en las últimas décadas. Shirley MacLaine ha escrito varios libros y se ha prodigado en conferencias sobre la reencarnación, creencia de la que es una de las mas activas propagandistas a nivel mundial. Es una mujer que vive su espiritualidad de forma pública. Hace unos años vino a España a hacer el camino de Santiago y reflejó sus experiencias en otro libro.

Dentro de unos días, el 24 de abril, Shirley MacLaine cumplirá 79 años. El año pasado recibió el premio del American Film Institute a toda una carrera. En su agradecimiento recordó que todavía no piensa jubilarse y que tiene proyectos para rodar nuevas películas. Porque como decía en la canción “I’m still here” que cantaba en “Postales desde el filo”, puede que sea una leyenda del cine, pero aún sigue estando aquí.

Esta semana conversamos con el director Santiago Zannou que acaba de estrenar la película “Alacrán enamorado” protagonizada por Carlos y Javier Bardem, Alex González y Miguel Angel Silvestre y que cuenta la historia de un joven neonazi que se introduce en el mundo del boxeo. Santiago Zannou es un director que cuida mucho las bandas sonoras de sus películas, trabajo que realiza junto a su hermano, el músico Woulfrank Zannou. En “El truco del manco”, por ejemplo, mezclaban hip hop con música clásica y en “La puerta de no retorno” música africana y europea. Para esta nueva película buscaban un sonido más actual y energético. Todos los temas de la banda sonora son originales, compuestos por Woulfrank y grabados junto al grupo Reptilians.

Ya lo cantaban hace años Alaska y Dinarama y ahora lo podemos ver en el cine en la película “Memorias de un zombie adolescente”, una historia de amor entre una viva y un muerto viviente. La banda sonora es cosa de Marco Beltrami, un compositor que a lo largo de su carrera ha creado numerosos scores de terror y ciencia-ficción pero que aquí nos presenta una partitura más divertida y desenfadada que terrorífica. La firma junto a Buck Sanders, su ayudante habitual. Sanders es un programador de sintetizadores y autor de música adicional que lleva trabajando con el compositor desde casi los comienzos de su carrera. Dado que Beltrami no es muy amante de la música electrónica y de los sintetizadores, suele delegar esas partes en Buck Sanders y en esta banda sonora están muy presentes, de ahí que firmen la banda conjuntamente.

En cuanto a las películas en las que nos detenemos esta semana en el programa tenemos dos clásicos inolvidables. Por un lado, “Ocho y medio”, la película que destacamos de la programación de los canales TCM. De la filmografía de Federico Fellini probablemente sea su película más aclamada y discutida. Una obra maestra en donde se puede apreciar toda la imaginación y el mundo creativo del director italiano. Aunque Fellini lo negaba o lo afirmaba según le convenía lo cierto es que “Ocho y medio” es una película autobiográfica que aborda muchas de las obsesiones que le acompañaron a lo largo de su vida: el peso de la religión, la carga que conlleva la fama, la dificultad del proceso creativo para un artista… Todo ello adornado con melodías de clásicos como Wagner, Rossini o Tchaikovski y la nostálgica banda sonora que compuso Nino Rota.

Y dentro de nuestra sección dedicada a los musicales clásicos hoy recuperamos “Luces de Candilejas” dirigida en 1954 por Walter Lang.

La película cuenta la historia de una familia dedicada al vodebil y al espectáculo musical y aunque el principal reclamo del reparto es una exuberante Marilyn Monroe, en realidad ejerce de secundaria. Lo que ocurrió es que cuando Marilyn firmó el contrato para rodar “La tentación vive arriba” le obligaron también a aparecer en este film para intentar que tuviera mayor rendimiento en taquilla. De hecho su personaje está escrito a última hora especialmente para ella y algunas de las canciones que canta estaban reservadas para otros actores. Independientemente de todo ello se trata de un musical muy entretenido adornado con un buen puñado de canciones clásicas compuestas por el gran Irving Berlin.

Como os decimos siempre, si queréis ponerle música a todas estas imágenes y a todas estas historias, solo tenéis que sintonizar “Notas de cine”, la madrugada del sábado al domingo de 5 a 6, en la SER.
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10 nov 2012

Basil Poledouris, el gusto por la épica

El capítulo de esta semana de nuestro “Libro gordo de la música de cine” lo protagoniza un compositor que resulta un caso un poco curioso. Un músico alabado por los críticos y por los aficionados a las bandas sonoras pero olvidado por el gran público y por la industria cinematográfica que pocas veces contó con él para grandes proyectos. A pesar de todo Basil Poledouris es uno de los grandes músicos de cine de los años 80 y 90.

En realidad él quería ser director y por eso de joven se matriculó en la Escuela de cine del Sur de California. Dado que llevaba tocando el piano desde los siete años y que era el alumno con más dotes para la música, todos sus compañeros le encargaban las bandas sonoras de sus cortometrajes y trabajos de clase y así, poco a poco, se fue perfilando su vocación. Uno de estos compañeros precisamente, el director John Millius, le hizo debutar en el cine en 1978 con la banda sonora de “El gran miércoles”, una película de surfistas, deporte al que por cierto era muy aficionado Poledouris. Su salto a la fama como músico llegaría unos años después, primero con “El lago azul” en 1980 pero sobre todo en 1982 con “Conan el bárbaro”, de nuevo a las órdenes de Millius.

“Conan el bárbaro” está considerada una de las mejores partituras de los años 80 y es sin duda su obra maestra. Una grabación en la que Polidouris experimentó con instrumentos antiguos y en la que dejaba patente las líneas maestras de su estilo particular: su riqueza melódica, la preferencia por los coros, vientos y percusiones, y ese toque épico tan personal. El director holandés Paul Verhoeven, con el que Poledouris trabajó en varias películas, le considera el sucesor de Miklos Rozsa, el compositor épico por excelencia, autor de bandas sonoras como “Ben-Hur” o “Quo Vadis”.

Los años 80 fueron una buena época para Basil Poledouris. Firmó notables bandas sonoras como “La caza del Octubre Rojo”, “Robocop”, “Adios al rey” o “Amanecer rojo”, estas dos últimas al lado de su amigo John Millius que siempre fue su director más querido y con el que llegó a colaborar hasta en nueve ocasiones. En los años 90 el músico deja un tanto de lado el cine de aventuras y fantasía que había sido su especialidad y prueba en otros géneros. Sorprendentemente se convierte en un habitual del cine familiar con bandas sonoras como “La fuerza del viento”, “El regreso de Lassie” o “Liberad a Willy”. También prueba en la comedia componiendo para la saga “Hot Shots” o para el director John Waters o realiza trabajos de un gran clasicismo como “Los Miserables” en la versión de Billie August. Un cáncer con el que lucharía durante años marca su declive como compositor a comienzos de este siglo.

Como decíamos al principio Basil Poledouris fue un compositor que, si bien siempre ha estado entre los favoritos de los aficionados a la música de cine, fue un tanto olvidado por la industria de Hollywood. De ahí que nunca fuera premiado con un Oscar, por ejemplo. Uno de los homenajes más bonitos que se le tributó fue precisamente en España, en el Festival Internacional de Música de Cine Ciudad de Úbeda, en el verano de 2006, donde dirigió en directo la partitura de “Conan el bárbaro”. Para entonces ya estaba muy enfermo pero ofreció al público un concierto memorable. Unos meses después, el 8 de noviembre de 2006, fallecía en Los Angeles a los 61 años de edad.

Hemos sentado en el sillón de nuestras “Conversaciones en clave de sol” a la actriz Manuela Vellés protagonista de películas como “Caótica Ana” de Julio Medem o “Camino” de Javier Fesser. Esta semana ha estrenado un nuevo film, “Buscando a Eimish”, opera prima de la realizadora Ana Rodriguez Rosell. De esta película ya os hablamos hace unas semanas cuando entrevistamos a la cantante Alondra Bentley y a Nacho Ruiz, del grupo Nine Stories, que son los autores de la banda sonora. La propia Manuela interpreta en la película uno de los temas con gran desparpajo. Y es que la actriz es una gran aficionada a la música, le gusta cantar y está preparando un disco con temas propios.

Dedicamos unos minutos a escuchar la banda sonora de la película “Ruby Sparks” otro de los estrenos recientes. Se trata del nuevo trabajo de los directores de “Pequeña Miss Sunshine” y está compuesta por Nick Urata, líder del grupo norteamericano de folk-rock Devotchka, que ya firmaba varias canciones en aquella banda sonora. Nick Urata ha creado una partitura alegre y romántica, algo minimalista, dominada sobre todo por los violines y con algunas melodías juguetonas donde los vientos llevan la voz cantante.

El clásico del musical que vamos a recordar esta semana es “El multimillonario” dirigido por George Cukor en 1960 y protagonizado por Marilyn Monroe y el francés Ives Montand. Fue la penúltima película que rodó completa la rubia antes de morir y pocas veces ha estado tan encantadora en la pantalla como cuando canta el clásico “My heart belongs to daddy”. Una de las curiosidades de la película es la presencia de estrellas de la televisión y el cine que se interpretan a si mismas como Gene Kelly, Bing Crosby o el cómico televisivo Milton Berle.

En nuestro repaso a la programación de los canales TCM nos fijamos hoy en “2001, una odisea en el espacio” pero nos vamos a centrar más en las opiniones y reacciones que despertó la película tras su estreno, más que en su argumento o en su rodaje. Por ejemplo, hubo quien no entendió nada como Rock Hudson o Michelangelo Antonioni y otros como Charles Chaplin que lloraron de emoción al verla. Neil Armstron, el primer hombre que pisó la luna, dijo después de verla que era una excepcional y acertada descripción de las condiciones de vuelo espacial, mientras que al otro lado del telón de acero, Alexei Leonor, el primer hombre que realizó una caminata espacial explicó que, después de verla, se sentía como si hubiera estado en el espacio dos veces.

La cita con “Notas de cine” es, ya lo sabéis, en las madrugadas del sábado al domingo en el dial de la SER y a partir del lunes os podéis descargar el audio en las webs de cadenaser.com o canaltcm.com.

Y como le hemos prometido a Enrique, uno de nuestros oyentes, aquí están los enlaces de los dos programas que nos pedía.

Notas de cine programa 6 – 1ª hora – 8-10-2010:

http://www.sendspace.com/file/qmoomy

Notas de cine programa 6 – 2ª hora – 8-10-2010:

http://www.sendspace.com/file/687egg

Notas de cine programa 7 – 1ª hora – 15-10-2010:

http://www.sendspace.com/file/2qodv7

Notas de cine programa 7 – 2ª hora – 15-10-2010:

http://www.sendspace.com/file/5r274j
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27 oct 2012

Korngold, maestro de maestros

Este hombre rechoncho al que el servicio de correos de Estados Unidos dedicó un sello es Erich W. Korngold uno de los pioneros de la música de cine, esos músicos que en la década de los años 30 del siglo XX definieron la banda sonora como género musical independiente. Otros “padres fundadores” de la música de cine como Max Steiner o Alfred Newman son mucho más conocidos por el público pero en opinión de algunos especialistas Korngold es probablemente el compositor más prestigioso y de mayor talla musical con la que ha contado la música de cine. Y eso que sus partituras para la gran pantalla no son muchas, apenas una veintena, pero han ejercido una gran influencia sobre compositores posteriores como Miklos Rozsa o John Williams.

Erich Wolfgang Kornogold nació en 1897 en un pueblo austriaco que hoy forma parte de la República Checa y el nombre de Wolfgang no era lo único que compartía con Mozart. Como él con cuatro años ya tocaba el piano y con ocho ya componía sus primeras obras. Richard Strauss y Mahler le apadrinaron y con once años el niño estrenó en el Teatro Imperial de Viena su primer concierto. Antes de cumplir los treinta Korngold era ya uno de los músicos más reputados de Europa gracias a su obra de concierto y a sus óperas, algunas de las cuales como “La ciudad muerta” se siguen representando hoy en día por todo el mundo.

Su primer contacto con Hollywood llegó en 1934 cuando fue llamado para que adaptara la música de Mendelsson en una versión cinematográfica de “El sueño de una noche de verano” de Shakespeare. A partir de entonces firmó un contrato con la Warner en el que su prestigio le permitió imponer condiciones muy inusuales en la época. Tenía libertad total para elegir las películas en las que trabajaba o para realizar como quisiera sus composiciones. Debutó con la música de “El capitán Blood”, la primera de las varias películas en las que colaboró con el director Michael Curtiz y el actor Erroll Flynn. Con ella estableció el estilo que habría de ser habitual en sus partituras y que sería seguido por la mayoría de los músicos de cine de la época. Un estilo basado en la espectacularidad orquestal y en su habilidad sinfónica, llena de variaciones de increíble riqueza melódica.

Su primer oscar lo ganó en 1936 con la música de “El caballero Adverse”, el segundo en 1938 con la que muchos consideran su gran obra maestra: “Las aventuras de Robin Hood”.

Por cierto que este trabajo se puede decir que le salvó la vida. Al principio Korngold no quiso instalarse en Hollywood. Viajaba a Estados Unidos para realizar sus trabajos para el cine pero en cuanto terminaba regresaba a Viena para seguir componiendo sus otras obras de concierto y ópera. Como era habitual fue a Los Ángeles para escribir y grabar la música de Robin Hood y en ese ínterin Hitler se anexionó Austria. Dado que Korngold era judío sus bienes fueron confiscados y algunos familiares suyos llevados a campos de concentración. Esa bien pudiera haber sido su suerte de haber estado en Viena en esos momentos así que el músico se quedó a vivir en los Estados Unidos. En los años siguientes compondría otras grandes obras como “La vida privada de Elizabeth y Essex”, “El Halcón del mar”, “La ninfa constante”, “Entre dos mundos” o “Engaño”.

Sin embargo había algo que entristecía profundamente a Korngold. Su padre era un famoso crítico musical y nunca había aceptado que su hijo se dedicara a componer bandas sonoras, ya que lo consideraba un trabajo menor dentro de la música. En su lecho de muerte volvió a pedirle que regresara a Viena y abandonara su trabajo en Hollywood y esta vez Korngold le hizo caso. En 1947 tomó la decisión de retirarse de la composición cinematográfica, interrumpiendo así bruscamente una de las carreras más notables de su tiempo dentro de la música de cine. Murió diez años después debido a una trombosis cerebral. En el programa de esta semana os contamos su historia y escuchamos algunas de sus obras más destacadas.

El actor Gorka Otxoa, conocido por películas como “Lobos de Arga”, “El pagafantas” o el programa de la ETB “Vaya semanita”, ocupa esta semana el sillón de nuestras “Conversaciones en clave de sol”. Acaba de estrenar la película “Bypass” y hemos aprovechado la ocasión para charlar con él de música. Aunque su hermano Igor Otxoa es un maestro de la txalaparta, ese instrumento musical tradicional vasco, él se considera un negado para la música y solo ha sabido destacar como dantzari¸ dentro de un grupo que interpreta aurreskus y otras danzas vascas.

Vamos a darle una escucha a la banda sonora de “Frankenweenie”, la última película de Tim Burton en la que vuelve a contar una vez más con su inseparable Danny Elfman. Con esta son ya 15 colaboraciones en una asociación director-compositor que ya dura 26 años y que probablemente seguirá mucho tiempo más ya que Burton considera la música de Elfman como una parte esencial de su cine. Esta vez el músico americano se ha inspirado en las viejas películas de terror de los años 40 y 50, a las que homenajea el film pero, por lo general, nos encontramos con el estilo característico de Danny Elfman con su fuerza orquestal, la presencia de coros, las melodías juguetonas y ese tono melancólico que tiene siempre su obra. El lanzamiento musical de la película se completa con un segundo disco titulado “Frankenweenie Unleashed” (Frankenweenie sin correa) que recoge canciones inspiradas en la película a cargo de grupos y solistas como los Flaming Lips, Robert Smith o Passion Pit.

El musical que revisamos esta semana es “Can-Can”, una película dirigida por Walter Lang en 1960 y que contaba con un reparto estelar encabezado por Frank Sinatra, Shirley MacLaine, Maurice Chevalier y Louis Jordan. Está ambientada en el París de finales del siglo XIX en una época en la que el famoso baile de las faldas alzadas que inmortalizaron Offenbach en sus óperas y Toulouse-Lautrec en sus cuadros estaba prohibido en los cabarets.

Y el cine que comentamos cada semana de la programación de los canales TCM nos trae este domingo una auténtica joya cinematográfica. Se trata de “Metrópolis” la obra cumbre del expresionismo alemán dirigida en 1926 por Fritz Lang pero en una versión como el espectador actual nunca ha visto en las pantallas.

La película de Lang se estrenó en enero de 1927 en Alemania pero tres meses después fue retirada de los cines. El largometraje fue entonces cortado y remontado y volvió a proyectarse en las salas en una nueva versión. Después, durante la guerra, todo ese material adicional se perdió. Sin embargo una copia completa del film había sido comprada por un exhibidor argentino llamado Adolfo Wilson y así se programó en ese país sudamericano. Con los años la cinta quedó olvidada en los estantes de la cinemateca bonaerense hasta que en 2008 el historiador Fernando Martín Peña dio con ella. Toda esta historia se cuenta en el documental “Metrópolis refundada” que acompaña a la película que esta noche podrán ver los espectadores de TCM.

Buen fin de semana a todos y recordad, la cita con “Notas de cine” es en las madrugadas del sábado al domingo de 5 a 6 en el dial de la SER, o si lo preferís en los podcast de cadenaser.com a partir del lunes. También podéis visitarnos en la página web de canaltcm.com,
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6 oct 2012

50 años con ellos

El viernes de esta semana se han cumplido 50 años de la aparición del primer disco de los Beatles, el single “Love me do”, que marcaba el pistoletazo de salida para la gloriosa carrera del que sin duda sigue siendo el grupo más influyente de la música popular de todos los tiempos. Aquel “Love me do” solo llegó al puesto número 17 de las listas de éxito. Paul McCartney había compuesto la canción en 1958 con apenas 16 años y John Lennon hizo algunos añadidos que justificaban la autoría compartida. En la grabación Ringo Starr tocaba la pandereta porque el productor George Martin había decidido sustituirle a última hora a la batería por un percusionista de estudio llamado Andy White y George Harrison tocaba con el ojo morado porque horas antes de registrar la canción había tenido una pelea con Pete Best, el anterior batería de los Beatles que había sido despedido de mala manera poco tiempo antes para sustituirle por Ringo. Pero en el programa de hoy no nos vamos a centrar en esa canción y en sus anécdotas sino que su aniversario nos sirve para dar un repaso a la contribución cinematográfica de los Beatles.

Cinco películas rodaron los Fab Four a lo largo de su carrera. Un par de cintas de un humor surrealista y alocado como “Qué noche la de aquel día” (que fue un gran éxito) o “Help” (que lo fue mucho menos); una película para televisión, “Magical Mistery Tour”, que nadie entendió y fue vapuleada por la crítica entonces pero que gente como Spielberg la reivindica y estos días se exhibe por primera vez en pantalla grande en Inglaterra con motivo de este 50 aniversario de los Beatles. También rodaron el documental “Let it be” sobre la grabación del que acabaría siendo su último álbum editado e incluye el famoso concierto que dieron en la azotea de los estudios Apple, con la policía irrumpiendo en él e intentando acabar con el show. Pero a la postre su proyecto más original y trascendente fue “Yellow Submarine” una película de dibujos animados enmarcada en la época de la psicodelia que es todo un canto a la imaginación y abrió nuevos cauces al cine de dibujos animados. En la película aparecen los Beatles como personajes animados, pero conservando sus personalidades. Eso es algo que diferencia su cine del de otras estrellas de la música. En todas sus películas nunca interpretaron personajes sino que se representaban a ellos mismo tal y como eran.

También hablamos de películas en las que participaron individualmente los cuatro de Liverpool como actores y otras que cuentan diferentes historias relacionadas con los Beatles como “Locos por ellos” de Robert Zemeckis, sobre la primera gira americana del cuarteto; “Backbeat” sobre la prehistoria del grupo en su etapa de Hamburgo y la muerte de Stu Sutcliffe, el hombre que estaba destinado a ser el quinto Beatle; o la más reciente “Nowhere boy” sobre la adolescencia de John Lennon y su encuentro con Paul McCartney y George Harrison. Y desde luego, como no podía ser menos, en el programa escucharemos un buen puñado de sus canciones.

Hoy en nuestras “Conversaciones en clave de sol” hablamos con dos representantes del indie nacional: La cantante Alondra Bentley y Nacho Ruiz, miembro del grupo Nine Stories. Los dos han compuesto las canciones de la película “Buscando a Eimish”, un film protagonizado por Manuela Vellés y Oscar Jaenada y dirigido por Ana Rodriguez Rosell que se estrenará dentro de pocas semanas. Alondra Bentley tiene una de las voces más bonitas de la música española. Forma junto a Russian Red y Annie B. Sweet ese trío de cantantes de folk-pop que ahora mismo son toda una tendencia dentro de nuestra música y está feliz de haber participado en esta banda sonora ya que asegura que ella “mira siempre la vida desde un prisma cinematográfico”. Por su parte Nine Stories es un grupo que está empezando a dar mucho que hablar gracias a sus conciertos. Acaban de grabar su segundo álbum que saldrá al mercado dentro de poco. Sus canciones en la película “Buscando a Eimish”, junto a las de Alondra son una auténtica delicia que nosotros os adelantamos en el programa.

Vamos a escuchar la banda sonora de la película “Resident Evil Venganza”, que se estrena esta semana, la quinta entrega de esta exitosa saga que nació en los videojuegos y que se ha convertido en una de las más taquilleras de la última década. Musicalmente la saga Resident Evil comenzó apoyándose en la música industrial de Marilyn Manson. Las dos siguientes películas contaron con partituras orquestales más convencionales a cargo de Jeff Danna y Elia Cmiral. Pero en la cuarta el director apostó por algo diferente. Encargó al dúo Tomandandy que creara una banda sonora electrónica que no buscaba desarrollos melódicos sino que a base de ruido, sonidos prefabricados y repeticiones creaba la ambientación atmosférica del mundo futurista que propone la película. En esta quinta parte los Tomandandy vuelven a firmar la partitura pero esta vez se hacen acompañar de una orquesta sinfónica con la que mezclan su música electrónica, consiguiendo unos resultados muy interesantes.

Y tendremos también nuestra ración de cine clásico en la figura del director George Cukor al que todos los sábados del mes de octubre el canal TCM le dedica un ciclo. Cukor fue el director que supo, mejor que ningún otro, trasladar a las pantallas los sentimientos femeninos. Desde siempre le acompañó la reputación de “director de mujeres”. Y no es que no supiera dirigir a los hombres, todo lo contrario, pero arrancarle una actuación memorable a una actriz era su especialidad. Con él brillaron de forma especial mujeres como Greta Garbo, Ingrid Bergman, Judy Gardland o la que sin duda fue su actriz fetiche: Katherine Hepburn. Cukor la hizo debutar en el cine y a lo largo de su vida trabajaron juntos en diez películas con títulos como “Historias de Filadelfia”, “La Costilla de Adán” o “Doble Sacrificio”.

George Cukor comenzó trabajando en los escenarios de Broadway. Esos orígenes teatrales marcaron decisivamente su cine. Los aspectos técnicos no le interesaban demasiado. Jamás miraba por el visor de la cámara. El guión lo consideraba sagrado y tenía auténtica dependencia de él. Para él lo fundamental era el trabajo de los actores. Su especialidad eran las comedias pero el único oscar que ganó en su carrera lo consiguió gracias a un musical: “My fair lady”.

Y la película que destacamos de la programación de TCM es esta semana un titulo del llamado “cine de autor”: “Caché, escondido” de Michael Haneke. El director austriaco es responsable de películas inquietantes y morbosas como “Funny Games” o “La Pianista”. Con “Caché, escondido” Haneke dio en 2005 una nueva vuelta de tuerca a su estilo de cine y presentó un film que causaba en el espectador desasosiego, malestar e incomodidad. Una de esas películas que siguen zumbando en nuestra cabeza una vez que abandonamos la sala de cine. Esta protagonizada por Daniel Auteil y Juliette Binoche que interpretan a un matrimonio que recibe extrañas cintas de video en las que se puede ver que les están espiando.

“Caché” trata varios temas. En primer lugar la culpa de una sociedad, la francesa y por extensión la europea, de una serie de hechos que ocurrieron en el pasado y que se han querido borrar de la memoria, como si nunca hubieran existido. Un pasado que termina por manifestarse en el presente. El segundo tema que trata la película, y que también aparece abundantemente en el cine de Haneke, es el de la familia. Una familia acosada por enemigos externos y que ante semejante acorralamiento corre el peligro de desintegrarse o descomponerse.

Pero no nos quedemos con un sabor de boca tan inquietante, el programa de esta semana está lleno de música divertida y optimista. Las canciones de los Beatles, las de Alondra Bentley y Nine Stories o las elegantes melodías de las películas de George Cukor. Si queréis escucharlas y descubrir todas las historias que hay en torno a ellas la cita la tenéis en la SER este domingo, muy temprano, de 5 a 6 de la madrugada. Y a partir del lunes os podéis descargar el audio del programa en la pestaña de podcast de cadenaser.com y también en canaltcm.com

¡ Os esperamos!

Antonio Martínez y Elio Castro
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22 sep 2012

Digna astilla de venerables palos

Le pusieron de nombre Liza por “Liza all the clouds’ll roll away”, la canción de Gershwin que cantaba su madre, la gran Judy Garland. Su padre, el director Vincente Minnelli fue otro de los pesos pesados del cine musical clásico. Era obvio que con esos genes la niña tenía que acabar siendo artista y así fue. Sus comienzos fueron fulgurantes. Con 17 años tuvo su presentación oficial como cantante en un mítico concierto en el Palladium de Londres junto a su madre y poco después grababa su primer disco, el comienzo de una discografía que en la actualidad ronda los 30 álbumes.

Como actriz también comenzó pronto y con fuerza. Con tan solo 19 años ganó un premio Tony por la obra “La amenaza roja”, siendo hasta entonces la actriz más joven que lo conseguía. Y con su segunda película, “El cuco estéril” de Alan J. Pakula, logró su primera nominación al Oscar. Sin embargo el salto a la fama definitivo llegó en 1973 el día en que se metió en la piel de una cabaretera del Berlín de los años 30.

“Cabaret” es uno de los grandes musicales de la historia del cine y las canciones que Liza Minnelli y Joel Grey cantaban forman parte destacada de la antología del género. Ella misma, con ayuda de su padre Vincente Minnelli, diseñó su imagen. El corte de pelo, los pantaloncitos cortos, el maquillaje… una imagen que acabaría convirtiéndose en uno de los iconos de la década de los 70.

Gracias a “Cabaret” Liza ganó el Oscar a la mejor actriz pero a partir de entonces su carrera daría grandes bandazos. Rodó buenas películas como “New York, New York” a las órdenes de Scorsese, taquillazos como “Arthur el soltero de oro” pero también títulos mediocres y fracasos estrepitosos. Los problemas con el alcohol se cebaron en ella durante la década de los 80 pero Liza siempre conseguía superarlos. En las últimas décadas se ha alejado cada vez más del cine para dedicarse sobre todo al teatro y a cantar en directo. Prácticamente lleva 12 años en una gira continua presentando diversos espectáculos. A sus 66 años Liza Minnelli puede estar orgullosa de haber mantenido el prestigio familiar porque sigue siendo una de las grandes del espectáculo americano en todas sus vertientes. Como decíamos de Marvin Hamlisch hace unos días, ella también es una de las once personas que han ganado los cuatro grandes premios del show business: El Oscar cinematográfico, el Grammy musical, el Emmy televisivo y el Tony teatral. En el programa de hoy le rendimos homenaje dedicándole el capítulo semanal de nuestro “Libro gordo de la música de cine”, donde además escucharemos algunos de sus mejores temas.

Hoy sentamos en nuestra silla de las “Conversaciones en clave de sol” a Julián López, el protagonista de “Muchachada nui” o “La hora chanante” y al que hemos visto también en películas como “El pagafantas”, “Que se mueran los feos” o “No controles”. Resulta que además de cómico Julián López es músico. Estudió magisterio musical y el instrumento en el que se especializó en el conservatorio es la trompa. De hecho forma parte de un grupo llamado Mancha Brass con el que desarrolla una segunda actividad artística al margen de la comedia.

Vamos a darle una escucha a la banda sonora de “Total recall” el remake de “Desafío total” que llegó a nuestras carteleras hace una semana. Su autor, Harry Gregson Williams, lo tenía complicado. La comparación con la banda sonora de la película original se hacía inevitable y ahí llevaba todas las de perder, ya que la música que compuso el maestro Jerry Goldsmith para “Desafío total” se encuentra entre las mejores partituras del género fantástico de la década de los 90. Una música, por cierto, bastante conocida en nuestro país ya que Canal Plus la lleva utilizando muchos años en sus programas deportivos. Gregson Williams ha intentado huir de comparaciones creando algo completamente diferente. Una banda sonora electrónica con inclusiones orquestales, contundente y ambiental en la que abunda la música de acción y las piezas tensas que describen el mundo angustioso y claustrofóbico que rodea a los protagonistas.

En nuestra sección dedicada a los musicales hablamos hoy de “Un beso para Birdie” un film protagonizado por Ann Margret, Dick Van Dyke y Janet Leight que dirigió George Sydney en 1963. Se trata de uno de los primeros musicales rock de la historia y está basada en un hecho real, la conmoción que supuso para sus fans el reclutamiento de Elvis Presley en 1958. Parece ser que el propio rey el rock and roll estaba dispuesto a auto parodiarse en la película pero su manager, el coronel Parker, le prohibió actuar en el film ya que consideraba que su papel era demasiado pequeño. Le sustituyó el cantante y actor Jessie Pearson pero la verdadera estrella de la función es Ann Margret en el papel de una jovencita elegida en un concurso de televisión para darle el último beso de despedida al ídolo musical Conrad Birdie antes de marcharse al ejército.

Y como postre al banquete tenemos la película que destacamos de la programación de los canales TCM y que no es otra que “Toro Salvaje” una de las mejores películas de boxeo que se hayan rodado jamás, con un inmenso Robert de Niro en uno de los mejores trabajos de toda su carrera. El actor tuvo primero que adelgazar y luego engordar 27 kilos para poder ponerse en la piel del boxeador a lo largo de las distintas etapas de su vida.

Destaca también poderosamente la forma en la que se rodaron las escenas de los combates. Martin Scorsese metió la cámara dentro del ring, prácticamente pegada a la cara y al cuerpo de los dos púgiles, consiguiendo una serie de ángulos novedosos y una autenticidad nunca antes conseguida en los filmes de boxeo.

“Notas de cine” se emite en la cadena SER las madrugadas del sábado al domingo de 5 a 6 y a partir del lunes podéis bajaros el audio del programa en las webs de cadenaser.com y canaltcm.com
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