Ese era su récord. Ann Miller era la más rápida bailando, capaz de realizar 500 taconeos de claqué por minuto. Quizá haya sido, junto a Eleanor Powell y Cyd Charisse, una de las mejores bailarinas del cine musical clásico, razón más que suficiente para que la incluyamos en nuestro “libro gordo de la música de cine”. Pocas veces en su carrera fue la protagonista principal de una película pero sus números musicales aparecen siempre en las antologías de lo mejor del género.

Ann Miller nació en Houston, Texas, en 1923. Era hija de un famoso abogado, el hombre que defendió a Bonnie y Clyde o el gánster “Cara de niño Nelson”. Empezó a bailar desde muy pequeña para fortalecer las piernas ya que padecía raquitismo y así se convirtió en una niña prodigio de la danza. Gracias al cómico Benny Rubin comenzó a trabajar en la RKO.

Intervino en títulos como “Damas del teatro”, “El Hotel de los líos” junto a los Hermanos Marx o “Vive como quieras” de Frank Capra.  Además Ann Miller pudo demostrar lo bien que bailaba en numerosos musicales de serie B que rodó para la Columbia en la primera mitad de los años 40. Películas como “La cantinera del batallón” o “La canción del amanecer”. Su mejor época llegaría a partir de 1946 cuando fue fichada por la Metro, el estudio por excelencia de los musicales. Su primer gran éxito fue “Desfile de Pascua” donde pudo bailar al lado de Fred Astaire. Después vendría “Un día en Nueva York” en donde interpretaba a una de las tres chicas que seducían a los marineros en su día de permiso en la ciudad. Ella era esa antropóloga que trabajaba en el museo de Ciencias Naturales y que cantaba uno de los temas más conocidos del film: Prehistoric Man.

Su etapa en la Metro le proporcionaría otros muchos éxitos como “El amor nació en Paris” o “Luces de Broadway” pero su película favorita era, sin duda, “Bésame Kate” en la que cantaba y bailaba canciones de Cole Porter. Con el declive del cine musical clásico su carrera se vio muy afectada. Podía haber intentado otro tipo de papeles cómicos o dramáticos ya que era una excelente actriz, pero ella siempre se vio vinculada al cine musical y decidió abandonar el cine. Siguió trabajando regularmente tanto en televisión como en el teatro musical. Su carrera sobre los escenarios fue larga. En 1979 por ejemplo, con 56 años de edad, obtuvo un gran éxito con el musical “Sugar Babies” al lado de Mickey Rooney.

En el año 2001, después de más de 40 años apartada del cine, aceptó la oferta de David Lynch para interpretar un papel en la película “Mullholland Drive”. Daba vida a la casera del piso donde vive Naomi Watts. Tres años después Ann Miller fallecía de un cáncer de pulmón. Desaparecía una actriz muy querida por el público y que se sentía orgullosa de haber formado parte del Hollywood dorado. Sus zapatos de baile, a los que ella llamaba cariñosamente Moe y Joe, se pueden ver dentro de una vitrina de honor en el Museo de la Fundación Smithsonian de Washington.

Esta semana hemos invitado a hablar de música de cine a la directora Gracia Querejeta. Hace una semana se estrenó “15 años y un día”, su última película que está protagonizada por Maribel Verdú y Tito Valverde. La música de este film está compuesta por el malagueño Pablo Salinas que por este trabajo ganó el premio a la mejor banda sonora en el pasado Festival de Málaga.

Hemos aprovechado esta charla para hablar de la música que ha acompañado a otras de sus películas como “Cuando vuelvas a mi lado” o “El último viaje de Robert Rylands” compuestas por Angel Illarramendi.

Dentro de unas semanas llegará a nuestras carteleras “Star Trek, en la oscuridad”, la nueva película de la famosa saga galáctica que J.J. Abrahams reinició hace unos años. Nosotros como pequeño anticipo de este esperado film os vamos a hablar y a poner algunos temas de la banda sonora que ha sido compuesta por Michael Giacchino.

“Star Trek, en la oscuridad”  es una banda sonora de corte clásico en la que se mezcla la música de aventuras, intensa y energética, con temas más oscuros y emotivos en consonancia con la historia, en la que el balance entre el drama y la acción está muy equilibrado. Michael Giacchino ha resuelto de manera sobresaliente el compromiso de ambientar la nueva aventura de Star Trek. Y si ya estaba bien situado para ser el compositor de las nuevas entregas de “La Guerra de las Galaxias”, que también dirigirá Abrahams, con esta “Star Trek, en la oscuridad” aumentan aún más sus posibilidades.

La película musical de esta semana es “Magnolia” (Show Boat), la versión que en 1951 dirigió George Sidney basándose en la obra de Jerome Kern y Oscar Hammerstein II y que cuenta la historia de los miembros de un teatro flotante que surca el río Mississippi a lo largo de los años.  Está protagonizada por Howard Keel, Kathryn Grayson y Ava Gadner. Ava se preparó a fondo para el papel dando clases de canto ya que tenía que interpretar un par de números musicales. Llegó a grabar las canciones pero, al final, sin que ella lo supiera, fue doblada por la cantante Anne Warren, algo que la actriz nunca perdonó al director George Sidney. La canción más recordada del musical es el famoso “Old Man River” que interpreta el barítono William Warfield.

El pasado viernes, 14 de junio, se cumplieron 85 años del nacimiento del “Che” Guevara y el canal TCM Autor ha querido recordar este aniversario emitiendo la tarde del domingo las dos partes del “biopic” que el director Steven Soderbergh realizó en 2008, “Che: el argentino” y “Che: guerrilla”, protagonizadas por Benicio del Toro. La primera parte de esta biografía filmada se centra en el encuentro del “Che” en México con los hermanos Castro y su lucha en Cuba. La segunda cuenta la última etapa de su vida, su estancia en Bolivia y su muerte.

Siete años tardó el director Steven Soderbergh en desarrollar todo el proyecto al que puso música el compositor Alberto Iglesias. Por su este papel Benicio del Toro ganó el Goya al mejor actor y el premio de interpretación en el Festival de Cannes.

Esto solo es un resumen de los contenidos. El programa, como siempre, lo podéis escuchar en la madrugada del domingo, a partir de las cinco, y desde el lunes lo tenéis colgado en las páginas web cadenaser.com y canaltcm.com

Un saludo y hasta la semana que viene

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Esta semana se nos ha ido Esther Williams y aunque hace tiempo ya le dedicamos un capítulo especial en nuestro programa, hemos querido volver a recordar su figura y trayectoria a modo de homenaje. Esther Williams fue la única estrella de la historia que por si misma creó un estilo cinematográfico: el musical acuático. Un subgénero del cine musical del que fue protagonista exclusiva y que, de hecho, desapareció el día en que ella abandonó las pantallas. Su escenario natural era la piscina donde Esther era el centro de fastuosas coreografías acuáticas de las cuales emergía siempre espléndida, como una diosa de las aguas.

Desde muy pequeña se sintió atraída por el agua. Como su familia era muy modesta y no podía inscribirla en un club de natación, su padre le buscó un trabajo en el servicio de toallas de una piscina. A cambio de trabajar podía entrenar allí y en poco tiempo se convirtió en una auténtica campeona. Antes de cumplir los dieciséis ya había ganado tres campeonatos nacionales y batido varios récords. Fue seleccionada como parte del equipo estadounidense que debía acudir a los Juegos Olímpicos de Helsinki de 1940 pero, al estallar la Segunda Guerra Mundial, la cita olímpica fue cancelada y su sueño de ser una gran nadadora quedó frustrado.

O a lo mejor es que el destino le tenía reservado otro papel estelar en la vida. Ese año se celebraba en San Francisco la Feria Mundial Acuática y Esther Williams fue contratada para participar en un espectáculo. En él coincidió con el también nadador olímpico Johnny Weissmuller, muy famoso por entonces gracias a su personaje de Tarzán en las pantallas. Y fue entonces cuando un ejecutivo de la Metro, que había ido a saludarle, se fijó en la chica y propuso al estudio su fichaje.

Antes de ponerla frente a las cámaras la Metro empezó a prepararla con clases de interpretación, baile y canto y la lanzó como pin-up. Su imagen en bañador se hizo célebre en calendarios, anuncios y revistas. En 1942, por fin, la hicieron debutar en el cine en una de las películas de la saga de “Andrés Harvey” que protagonizaba Mickey Rooney. Era un papel minúsculo pero resultaba difícil pasar por alto a aquella belleza en bañador que se lanzaba a la piscina y besaba bajo el agua a Mickey, en la que habría de ser la primera de muchas escenas submarinas de la actriz.

Con su tercera película los ejecutivos decidieron que había llegado el momento de lanzarla como gran estrella. “Escuela de sirenas” fue el primer musical rodado en tecnicolor, una comedia romántica en la que ella interpretaba a una profesora y el cómico Red Skelton a un compositor de canciones. La película fue un éxito apoteósico colocándose como el segundo film más taquillero de la historia de la Metro hasta entonces, tras “Lo que el viento se llevó”. El público se volvió loco con la nueva estrella y fue su compañero de estudio Clark Gable quien la bautizó con su apodo: La sirena de América, así sería conocida a partir de entonces Esther Williams.

En los años siguientes la actriz protagonizaría más de 20 películas, la mayoría de ellas comedias musicales con escenas acuáticas: “La hija de Neptuno”, “La primera sirena”, “Fiesta brava”, “En una isla contigo”… eran películas de evasión que hoy en día resultan bastante bobaliconas, casi siempre en torno a un conflicto amoroso con el galán de turno y en escenarios coloristas.

También participó en algunas películas sin agua como “Llévame al partido” junto a Gene Kelly. Pero lo suyo de verdad era la piscina. Espectaculares ballets acuáticos llenaban sus films. Escenas submarinas, saltos de trampolín o esquí acuático entre fuegos artificiales, luces de colores y cascadas. La Metro no escatimaba presupuesto en crear los escenarios más sugerentes y las coreografías más deslumbrantes. Si Gene Kelly había bailado con Tom y Jerry en “Levando anclas”, Esther nadaría con ellos bajo el agua en “Peligrosa cuando se moja”.

La propia Esther Williams diseñaba muchos de sus ballets. Era un trabajo duro que le obligaba a pasar muchas horas del día ensayando. El público nada sabía de los percances que a veces sufría la estrella. Tímpanos dañados, lesiones, accidentes… o aquella vez que incluso estuvo a punto de morir ahogada durante el rodaje de una escena submarina.

Además, la actriz se esforzaba mucho para ofrecer algo más que sus habilidades acuáticas. Bailaba razonablemente bien y también cantaba. Con su segundo marido, el cantante Ben Gage, grabó incluso algún disco. Pero la parte musical de sus películas solía recaer en sus compañeros de reparto. Van Johnson y Ricardo Montalbán fueron sus parejas más habituales. Una canción que cantaba con este último, Baby it’s cold outside, de la película “La hija de Neptuno”, ganó el Oscar en 1949.

A mediados de los años 50 la actriz se sentía cansada del musical acuático. Abandonó la Metro e intentó, como actriz independiente, hacer otro tipo de películas lejos del agua. Rodó varios títulos pero ninguno tuvo éxito y a comienzos de los 60 decidió abandonar el cine. En esa decisión tuvo mucho que ver el cantante y actor argentino Fernando Lamas con el que se había casado. Según contaba la actriz en su autobiografía fue él quien le convenció para que dejara las pantallas porque en su opinión (bastante machista, por cierto) “con una estrella de cine en la familia era suficiente”. Pero Esther Williams no se resignó a ser un ama de casa sino que se convirtió en una mujer de negocios. Abrió las “Piscinas Esther Williams”, varios restaurantes y creó una empresa de bañadores en la que ella misma diseñaba los modelos.

Dirigió también cursos para enseñar a nadar a los niños por todo Estados Unidos y se convirtió en una de las mayores promotoras de la natación sincronizada. Probablemente este deporte nunca habría llegado a ser tan conocido hoy en día de no ser por Esther Williams y, en reconocimiento a su trabajo, fue la estrella invitada del estadio de natación de Los Ángeles durante los Juegos Olímpicos de 1984, en el estreno de la natación sincronizada como disciplina olímpica.

El jueves pasado nos llegó la noticia del fallecimiento de la actriz. Según explicaron las personas de su entorno murió mientras dormía sin llegar a despertarse. Aunque su salud se había deteriorado bastante en los últimos tiempos, según contaba hace un par de años su último marido, el actor Edward Bell, Esther nadaba un rato todos los días en la piscina de su casa. Y es que el agua siempre fue su elemento natural, el olor a cloro y a sal marina. Por eso para los amantes del cine siempre será recordada como La Sirena de América, una de las estrellas más rutilantes del musical de los años 40 y 50.

En el programa de esta semana charlamos de música y cine con el actor Secun de la Rosa, al que podemos ver ahora mismo en las pantallas en su última película, “La mula”. Secun entró en el cine de forma muy musical ya que en su primer papel destacado le pusieron a cantar. Era la película “El otro lado de la cama”. Y él feliz porque a Secun le encanta la música y admira sobre todo cuando las canciones se meten con gusto e intención en una película.

Vamos a darle una escucha a la banda sonora de “La mejor oferta” la última película del italiano Giuseppe Tornatore, director de “Cinema Paradiso” o “Malena”, que llegará a nuestras pantallas dentro de unas semanas. La película ha sido un gran éxito de público y crítica en Italia y en ella el director cambia radicalmente de estilo ya que se trata de un thriller de suspense rodado en inglés y con un reparto internacional, con actores como Geoffrey Rush o Donald Sutherland. La historia está ambientada en el mundo de los marchantes de arte y las subastas. Como es habitual en la obra de Tornatore la música corre a cargo del gran Ennio Morricone que a sus 84 años es, junto a John Williams, el mayor mito viviente con el que cuenta la música de cine. Morricone ha vuelto a regalarle a su amigo un trabajo excelente, probablemente el mejor que ha firmado en los últimos años el compositor. Una partitura muy dramática que parece penetrar en la psicología atormentada de los personajes con gran presencia de cuerdas y un uso magistral de las voces.

El musical clásico que recordamos esta semana es “Bodas reales”, dirigido  en 1951 por Stanley Donen y protagonizado por Fred Astaire y Jane Powell. La acción transcurre durante los esponsales de la hoy reina de Inglaterra, Isabel II, con Felipe de Edimburgo y Fred Astaire da vida a un artista norteamericano contratado para actuar en uno de los espectáculos que se organizan como motivo de esa ceremonia. La película contiene algunos números verdaderamente antológicos. El baile de los protagonistas en el barco que les lleva hacia Inglaterra, en medio de una tormenta que hace balancearse de un lado al otro el salón. El baile también de Fred Astaire con un perchero en el gimnasio o quizá la escena más conocida de todas, aquella en la que el protagonista baila por las paredes y el techo de una habitación.

Y en nuestro repaso a la programación de TCM nos detenemos en “Primera plana” de Billy Wilder, tercera versión cinematográfica que se hizo de la obra teatral que escribieron Charles MacArthur y Ben Hetch “The Front Page”, y que Howard Hawks llevó también al cine en “Luna Nueva”. Para esta versión Wilder recurrió a dos de sus actores fetiche, Jack Lemmon y Walter Matthau que dan vida, respectivamente, a ese periodista que quiere abandonar la profesión para casarse y a su manipulador director del periódico.

Como os decimos siempre, si queréis ponerle sonido a todas estas imágenes e historias la cita con “Notas de cine” es en la madrugada del sábado al domingo de 5 a 6 y, a partir del lunes, encontraréis el audio del programa en las webs de cadenaser.com y canaltcm.com

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La relación entre el mundo del rock y el de la música de cine ha sido siempre muy estrecha. Canciones compuestas especialmente para una  película, así como otras ya existentes, forman parte de cientos de bandas sonoras pero esta semana en el “Libro gordo” hemos querido recordar a algunas estrellas del rock que han hecho sus pinitos en el campo de la música cinematográfica componiendo scores.

Aunque algunos como Brian Jones de los Rolling Stones ya habían trabajado para el cine en los años 60, nuestra lista comienza en 1973. Ese año Bob Dylan aceptó la oferta de Sam Peckinpah para componer el score de la película “Pat Garrett y Billy the Kid”. Dylan, que además tenía también un pequeño papel en la película, abrió la veda y otras muchas estrellas del rock seguirían sus pasos. Sobre todo en la década de los 80.

David Byrne, cantante de los Talking Heads y Ryuichi Sakamoto, ex componente del grupo techno Yellow Magic Orchestra unieron sus talentos para crear la banda sonora de “El último emperador” por la que ganaron el Oscar a la mejor banda sonora. Peter Gabriel puso la música a “La última tentación de Cristo”, Mike Oldfield a “Los Gritos del Silencio” y David Bowie a “Dentro del laberinto” o “El buda de los suburbios”. John Cale, Joe Strummer, Dave Stewart y otros muchos, también visitarían el mundo de la música de cine.

Ry Cooder, desde que en 1980 debutó a las órdenes del director Walter Hill en “Forajidos de leyenda”, se ha vuelto un habitual de las bandas sonoras trabajando en películas como “Cruce de caminos”, “Bahía del Odio” o su composición más conocida: “Paris-Texas”. También ha compuesto un buen puñado de bandas sonoras Mark Knopfler, el que fuera guitarrista de los Dire Straits, como “La princesa prometida”, “Última salida a Brookling” o “Un tipo genial” con la que precisamente debutó en este mundillo en el año 1983.

En la actualidad cantantes como Nick Cave tienen una segunda carrera como músicos de cine. En su caso está ligada a la de su amigo, el director John Hillcoat, para el que ha compuesto las bandas sonoras de varias de sus películas como “La carretera” o la reciente “Sin ley”. Otras estrellas del rock como Eddie Vedder o Jonsi, de Sigur Ros, también han trabajado en el cine en los últimos años. Y no podemos olvidarnos de Trent Reznor líder del grupo Nine Inch Nails con sus bandas sonoras de electrónica ambiental para “Los hombres que no amaban a las mujeres” de David Fincher o “La red social” por la que ganó el Oscar hace un par de años. Entre las nuevas generaciones de músicos de cine también hay varios que provienen del rock. Clint Mansell era el guitarrista del grupo británico Pop Will Eat Itself y Cliff Martinez, el compositor de “Drive” o “Contagio”, tocaba la batería con los Red Hot Chili Peppers.

En España también encontramos casos. El más notorio es probablemente el del recientemente desaparecido Bernardo Bonezzi que después de hacer de Groenlandia con su grupo Zombies una de las canciones clásicas del pop español de los 80 se convirtió en compositor de las películas de Almodóvar primero y de otros muchos directores después, llegando a ganar un Goya con “Nadie hablará de nosotras cuando hayamos muerto”. Otros artistas como Mendo y Fuster, del grupo Suburbano, han compuesto numerosas bandas sonoras para cine y televisión y últimamente ha empezado a destacar Julio de la Rosa, al que vemos en la foto, antiguo miembro del grupo El hombre burbuja, que ha compuesto varias bandas sonoras como por ejemplo, la de la película “Grupo 7”.

El caso es que cada vez vemos a más rockeros componiendo para el cine. Algunas veces lo hacen para aceptar nuevos retos creativos al margen de su estilo habitual. En otras ocasiones quizá solo sea cuestión de ego o para añadir un buen puñado de dólares a su cuenta corriente. Sea como fuere la lista se hace cada más y más amplia.

Este fin de semana se estrena “Hijo de Caín”, un thriller protagonizado por José Coronado que trata sobre las complicadas relaciones que hay entre un padre y un hijo. Es la primera película que ha dirigido el realizador catalán Jesús Monllaó Plana y de la banda sonora se ha encargado el británico Ethan Lewis Maltby. Hemos pedido al director que nos hable de este músico y de la banda sonora del film. Nos ha contado que conoce al compositor desde que estudió cine en Gran Bretaña y que, con anterioridad, ha trabajado con él en todos sus cortos. Para “Hijo de Caín” Monllaó quería un score que al principio de la película sonora oscuro y frío, con mucho sonido ambiental y electrónico. Luego, a medida que avanza el metraje, se van incorporando vientos y cuerdas para dar una sensación más humana y cercana.

La semana que viene se estrenará “Trance”, la nueva película de Danny Boyle. Tras los paréntesis de “Slumdog Millionaire” y “127 horas” el director vuelve a los ambientes turbios con esta película que gira en torno al robo de un cuadro en una casa de subastas. La banda sonora ha sido compuesta por Rick Smith, el 50 por ciento del dúo Underworld. La música de “Trance” se convierte en parte del juego que propone la película con melodías hipnóticas, dulces y relajadas que, a veces, se transforman en inquietantes y claustrofóbicas. Como es habitual Danny Boyle ha escogido algunas canciones conocidas que suenan en escenas muy concretas de la película. Temas de Moby, Unkle o Art & Dotty Todd. La más destacada, compuesta por Rick Smith para la película, corre a cargo de Emelí Sandé, una de las nuevas estrellas de la música británica a la que el cantante y el director conocieron durante el montaje musical de la ceremonia de apertura de los pasados Juegos Olímpicos de Londres. El tema se titula Here it comes.

El próximo 28 de junio se celebrará un año más el Día del Orgullo Gay y el canal TCM quiere participar en esta jornada emitiendo “El celuloide oculto”, un documental dirigido por Rob Epstein y Jeffrey Friedman que analiza cómo el cine de Hollywood ha presentado a gais y lesbianas a lo largo de toda la historia, sobre todo a partir de 1934 cuando entraron en vigor las normas de autocensura. Además, ese día y también durante todo el mes, se van a poder ver en el canal diversas películas que abordan directa o indirectamente la temática homosexual. Títulos como “Juego de lágrimas”, “La gata sobre el tejado de zinc”, “Rebelde sin causa” o “De repente, el último verano”. Nosotros, en nuestro programa, también hemos querido hablaros de cómo el cine ha tratado el tema de la homosexualidad, sobre todo en aquéllos años en los que estaba prohibido hacer cualquier alusión directa sobre el tema.

Y la película que esta semana destacamos de la programación de TCM es “El hombre que nunca estuvo allí” de los hermanos Coen, protagonizada por Billy Bob Thornton. Una nueva aproximación al cine negro norteamericano que Joel y Ethan Coen estrenaron en 2001 con los habituales elementos característicos de su cine: historias enrevesadas, llenas de giros sorprendentes, diálogos surrealistas y con un regusto especial por el humor negro.

El programa, como siempre, lo podéis oír en directo en la madrugada del domingo de 5 a 6 y a partir del lunes os lo podéis bajar en el podcast de cadenaser.com y canaltcm.com. Esperamos que os guste. Hasta la semana que viene.

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Ya desde la primera película sonora, “El cantor de jazz” en la que Al Jolson interpreta algunas canciones, se hizo evidente que el nuevo invento del cine parlante era ideal para hacer películas musicales. Los grandes estudios se lanzaron a rodar numerosos films de este género pero en estas primeras películas musicales los artistas cantaban y esbozaban algunos pequeños números de baile delante de una cámara estática, tal y como se podría haber visto en un teatro. Debido a ello tres años después de la llegada del sonoro este tipo de cine estaba totalmente agotado y el público le daba la espalda. Es probable que incluso hubiera acabado desapareciendo de no ser por la irrupción de un señor llamado Busby Berkeley y su nueva concepción del espectáculo musical en el cine.

El trabajo de Berkeley durante los años 30, ya fuera como coreógrafo o director de películas, definió la forma en que la gente vería las películas musicales a partir de entonces y se puede decir incluso que hizo posible la existencia del propio género musical. Busby Berkeley creía que la cámara debía tener movimiento y comenzó a filmar desde ángulos absolutamente inusuales para la época: Travellings muy imaginativos, uso de grúas, colocación de la cámara en los lugares más inverosímiles… Años antes de que Orson Welles aprovechara todas las posibilidades de la angulación de cámara, Busby Berkeley ya daba lecciones sobre el tema con sus películas.

Sus conocimientos como coreógrafo no eran gran cosa. Jamás había recibido una lección de baile y lo poco que sabía sobre técnicas de danza lo aprendió observando a los bailarines. Su experiencia nacía más bien del tiempo en que ejerció como teniente de infantería durante la Primera Guerra Mundial. Busby manejaba a sus bailarines como soldados en un desfile haciéndoles ejecutar figuras escénicas y espectaculares movimientos de grupos.

Su especialidad eran los números corales e utilizaba una gran cantidad de bailarines en ellos con los que imitaba un efecto de caleidoscopio. Ayudado por espejos y escenografías colosales Berkeley creaba con el movimiento de los bailarines formas geométricas en movimiento que a menudo filmaba desde arriba para que pudieran apreciarse mejor.

Su imaginación no tenía límites, diseñaba sus fantasías sobre el papel y las realizaba sin trucajes de ningún tipo, rodándolas en el plató tal y como las veía el espectador.

Tras servir en el ejército Busby Berkeley empezó a trabajar en el teatro a principios de los años 20. Comenzó como director de danza pero pronto pasó a dirigir sus propias revistas en Broadway. Su salto al cine llegó de la mano del famoso empresario teatral Florenz Ziegfeld que se había asociado con la Warner para lanzar en la pantalla la carrera de la estrella de variedades Eddie Cantor. Ziegfeld encargó a Berkeley que diseñara los bailes de sus primeras películas y la Warner le firmó un contrato como coreógrafo. En 1933 logró el primer gran éxito del cine musical con la película “La calle 42”. Aunque el director que firmaba el film era Lloyd Bacon, nadie duda que Berkeley, autor de los números musicales, fue el auténtico responsable del éxito de la película.

A partir de 1935 Berkeley deja de ser responsable de coreografías y se convierte en director. Títulos como “Vampiresas 1935”, “Música y mujeres”, “El altar de la moda” o “Desfile de candilejas” tuvieron un gran éxito gracias a su talento como realizador. En aquellos años de depresión económica sus películas permitían a la gente soñar con el glamour y con el lujo que siempre estaban envolvían en sus fantasías musicales

Pero a finales de la década de los 30 la Warner decidió recortar los presupuestos de todas sus películas y eso afecto especialmente al cine de Berkeley, ya que sus films exigían elevados costes de producción. El director decidió cambiar entonces de estudio y se fue a la Metro, la compañía por excelencia del género musical. Allí le asignaron a las películas de sus dos estrellas juveniles, Judy Gardland y Mickey Roonie, con los que rodó películas de mucho éxito como “Armonías de juventud”, “Hijos de la farándula” o “Chicos de Broadway”.

La relación con la pareja se rompió en 1943 cuando Busby entró en conflicto con Judy Gardland durante el rodaje de la película “Girl Crazy” de la que fue sustituido como director. Berkeley volvió a cambiar de estudio y se fue a la Fox para trabajar con la estrella exótica Carmen Miranda. En “Toda la banda está aquí” la brasileña protagonizó uno de los números más famosos de la historia del musical, “The lady in the tutti-frutti hat”, con el famoso sombrero hecho a base de frutas.

A mediados de los años 40, sin embargo, el estilo cinematográfico de Berkeley había entrado en decadencia. Se imponían otros musicales con los números más engarzados en la trama como los que hacían Minnelli o Donen y Berkeley dejó la dirección para volver al trabajo específico de coreógrafo. Le contrataban para montar algunos números en películas que podían incluir alguna secuencia a su estilo, normalmente vinculadas a sueños o fantasías. Por si fuera poco el director tenía serios problemas con el alcohol. Incluso fue llevado a los tribunales por un accidente de circulación en el que fallecieron varias personas y en el que presuntamente él conducía borracho, aunque finalmente en el juicio salió absuelto en una decisión bastante turbia. Comenzada la década de los 50 ya eran pocos los que le confiaban en él. La gran estrella del cine acuático Esther Williams fue una de las pocas que le dieron trabajo en esa época. Diseñó sus números musicales en dos películas, “La primera sirena” y “Fácil de amar”.

Poco después Busby Berkeley se retiró del cine y aunque en los años 60 regresó esporádicamente para trabajar en alguna película sus días de gloria habían pasado. El cine de Berkeley solo fue posible en un tiempo concreto, la década de los años 30 y principios de los 40, un espacio de tiempo breve pero suficiente para que su trabajo permitiera la existencia de un cine musical que quizá sin él nunca se habría desarrollado. Busby Berkeley murió en 1976 a la edad de 80 años.

En este programa conversamos con la actriz Ingrid Rubio que junto a Carmen Machi es la protagonista de uno de los estrenos de la semana: “La Estrella”. La película cuenta con canciones compuestas por Los Barrankillas y por Jairo Perera, el líder del grupo Muchachito Bombo Inferno, y la propia Ingrid tiene que lanzarse a cantar y bailar un poquito, algo que confiesa no se le da nada bien y que pocas veces ha intentado a lo largo de su carrera. De música, de cine y de bandas sonoras charlamos con la simpática actriz.

Otro de los estrenos de la semana es “Dead man down, la venganza del hombre muerto”, un thriller dirigido por el sueco Niels Arden Oplev autor de las tres películas que adaptan la popular saga literaria “Millenium”. En “Dead man down” Colin Farrell interpreta a un mafioso neoyorquino perseguido por un asesino que está acabando con todos los miembros de su banda. Le acompaña en la película Noomi Rapace la actriz que daba vida a Lisbeth Salander en la trilogía sueca. Nosotros en el programa vamos a escuchar su banda sonora compuesta también por el autor de la música de Millenium, Jacob Groth.

En nuestra sección de Los Musicales revisamos uno de los mejores títulos que ha dado el género a lo largo de su historia: “Melodías de Broadway 1955”, dirigido por Vincente Minnelli y protagonizado por Fred Astaire y Cyd Charisse.

A diferencia de otros musicales como “Cantando bajo la lluvia” en donde casi todo es alegría y optimismo, Melodías de Broadway 1955 tiene un tono un poco más triste y melancólico. Habla de la fugacidad del éxito y se centra en las vicisitudes que ha de pasar una producción teatral antes de llegar al día del estreno. La película está llena de números musicales realmente antológicos como por ejemplo el de los bebés trillizos que vemos en la foto.

Y en el repaso que hacemos de la programación de los canales TCM esta semana destacamos especialmente “Gandhi”, una superproducción de los años 80 dirigida por Richard Attemborough sobre la vida del famoso dirigente indio, el llamado “apostol de la no violencia”. La película ganó siete premios Oscar en 1982, entre ellos uno para su protagonista el actor Ben Kingsley.

La cita con “Notas de cine” es en la madrugada del sábado al domingo de 5 a 6 y a partir del lunes (esta vez el director de la web de la SER ha prometido que no van a fallar más) podréis encontrar el audio del programa en los podcast de cadenaser.com.

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Aquí está el enlace para descargarse el audio del programa:

http://www.sendspace.com/file/ewa4kw

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Aquí tenéis un enlance para descargaros el audio del programa:

http://www.sendspace.com/file/mc9psr

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Hoy en nuestro ya mítico “Libro gordo de la música de cine” os vamos a hablar de un genero del musical cinematográfico netamente español, el que ha creado con su obra el director Carlos Saura. Si de algo presume este realizador aragonés es de tener un buen oído para la música. Su madre era pianista profesional y él siempre ha elegido personalmente las canciones que han aparecido en sus películas de ficción. En “Peppermint Frappé” sonaba el soul psicodélico de Los Canarios. El “Ay que dolor” de Los Chunguitos acompañaba en sus correrías a los chavales de “Deprisa, Deprisa” y Ana Torrent escuchaba y bailaba el famosísimo “¿Por qué te vas?” de Jeanette en Cría Cuervos.

A comienzos de la década de los ochenta inició su colaboración con el bailarín Antonio Gades, un trabajo conjunto que dio como fruto tres películas: “Bodas de sangre”, “Carmen” y “El Amor Brujo”, tres títulos que sirvieron para difundir el baile flamenco por todo el mundo y que, de alguna manera, desarrollaron un nuevo género: El musical flamenco.

“Sevillanas” surgió en 1992 para promocionar la ciudad en el año en el que la capital andaluza celebraba su Exposición Universal. Saura rodó la película en un estudio cerrado, jugando con la luz y los movimientos de cámara para ofrecer un verdadero catálogo de los distintos tipos de ese baile. Una idea que perfeccionó dos años más tarde con “Flamenco” en la que mostraba los diferentes palos de ese arte.

En 1997 Saura cruzó el Atlántico para rodar “Tango” otro musical filmado con la misma estética que las películas anteriores pero dedicado al baile y a las canciones argentinas. El repertorio estaba formado por clásicos del género y por algunos nuevos temas que compuso Lalo Schifrin.

A comienzos del siglo XXI volvió al flamenco con “Salomé”. El proyecto nació en principio como una obra de teatro. La bailarina Aída Gómez propuso al realizador que dirigiera una obra basada en esta historia bíblica. Luego, animado por la propia Aida Gómez y sobre todo por su hijo y productor Antonio Saura, decidió hacer una película. La música original del film fue compuesta por Roque Baños y el tema “Sevillana para Carlos” ganó un Goya como mejor canción original.

“Iberia”, basada en la obra de Isaac Albéniz, fue su siguiente incursión en el género. Pero en este film había algo que lo hacía diferente a otras obras anteriores. La mayoría de los números eran nuevamente de flamenco con artistas de la talla de Antonio Canales o Enrique Morente pero también encontramos jotas aragonesas y zorzikos. Hay también piezas que son una mezcla de flamenco y hip hop, un camino de fusión que siempre ha querido ir indagando el siempre inquieto director aragonés. Los arreglos y las adaptaciones fueron obra nuevamente de Roque Baños.

Con “Fado” se adentró en la música portuguesa, dotando además a las canciones de una peculiar coreografía, y en “Yo Don Giovanni” en la ópera de Mozart. En todas estas películas el director desarrolla toda su capacidad de experimentación con la luz, la escenografía o los movimientos de cámara, algo que no puede hacer en el cine de ficción. Se considera un espectador privilegiado y reconoce que, en muchas ocasiones, ha hecho repetir alguna toma solo por el placer de volver a ver bailar o cantar a uno de los intérpretes.

En 2009 con “Flamenco, Flamenco” Saura reunió a viejos y jóvenes cantaores y bailarines que iban desfilando ante su  cámara mostrando todas y cada una de las corrientes del flamenco de hoy: las que conservan las esencias más puras y las nuevas tendencias más vanguardistas y discutidas. Y es que como dice el guitarrista y compositor Manolo Sanlucar: “La documentación maravillosa que ha dejado en estas películas sobre el mundo del flamenco Carlos Saura es impresionante. No tiene precio. Es algo absolutamente excepcional que solo la historia sabrá valorarlo en toda su dimensión”.

Hoy conversamos con Carlos Bardem, uno de los protagonistas y el autor de la novela en la que se basa la película “Alacrán enamorado” que desde hace unos días podéis encontrar en las carteleras españolas. En la película interpreta a Carlomonte, un viejo boxeador fracasado que tiene que encargarse de la preparación de un jovenpúgil, miembro de un grupo neonazi. Carlos Bardem nos ha confesado que asocia a este personaje a la música de jazz, por ejemplo a la de Charlie Parker, y que una de las canciones que quizá mejor podrían resumir su estado vital sería el “My way” cantado por Frank Sinatra. Carlos Bardem nos ha contado también que le encantan los musicales clásicos porque muchos de ellos los vio de pequeño al lado de su madre y que, como muchos espectadores, se enamoró de las largas piernas de Cyd Charise. Entre la música que le gusta escuchar está la brasileña y siente una especial debilidad por Radio Furtura, grupo que seguía en la época de la “movida”.

La banda sonora que os presentamos esta semana pertenece a “Los últimos días” de los hermanos Alex y David Pastor compuesta por Fernando Velázquez. En la música del film abundan los momentos intensos y dramáticos que están presentes a lo largo de casi todo el metraje.  Al comienzo de la película suenan temas más fríos y electrónicos y paulatinamente van entrando ritmos más tribales y étnicos en donde predomina la percusión. La orquestación más tradicional está reservada para el desenlace del film.

El musical que recordamos hoy es una curiosa adaptación de la ópera Carmen de Bizet. Se trata de Carmen Jones, la película que dirigió Otto Preminger en  1954. De la historia de Carmen, escrita por el novelista Prospero Merimée,  se han hecho multitud de versiones. En 1943 Oscar Hammerstein II adaptó la ópera de Bizet a un musical de Broadway protagonizado únicamente por actores negros y ambientada en esos años, los de la Segunda Guerra Mundial. La fábrica sevillana de tabaco se convirtió en otra donde se preparaban paracaídas para la guerra y el militar que pierde la cabeza por esa mujer es un inocente soldado que sueña con convertirse en piloto.

Doce años después del estreno de ese musical, Otto Preminger se empeñó en producir y dirigir él mismo la adaptación cinematográfica. Para el papel del soldado  eligió a Harry Belafonte, que en esos años estaba triunfado en Estados Unidos con la llamada música Calypso. Para hacer de Carmen el director escogió a una cantante y actriz que había actuado en el mítico Cotton Club y en el Teatro Apolo de Nueva York y que además poseía la belleza y el sex appeal necesarios para el personaje. Fue la malograda Dorothy Dandridge que con este film se convirtió en la primera mujer afroamericana que conseguía una nominación al Oscar en la categoría de mejor actriz protagonista.

Y hoy destacamos de la programación de TCM “Mi nombre es Harvey Milk” de Gus Van Sant. Lla vida del concejal de San Francisco, el primer político que se declaró homosexual y que fue elegido para un cargo público. Está protagonizada por Sean Penn, que por este papel consiguió su segundo Oscar como mejor actor.

Os recordamos que el programa lo podéis escuchar de 5 a 6 en directo y que a partir del lunes podéis encontrarlos también en las páginas web de cadenaser.com y canaltcm.com. Un saludo y hasta la semana que viene

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En el programa de esta semana recordamos a uno de los mitos vivientes del cine americano que también ha hecho sus aportaciones al cine musical. Shirley Maclaine apareció en el cine de los años 50 como un soplo de aire fresco que rompía estereotipos. Pelo corto, rojizo, gesto picarón y un aire de chica natural que nada tenía que ver con las bellezas de la época, aunque no por ello dejara de resultar atractiva. Shirley asegura que gracias a eso ha podido llevar una carrera larga porque el paso del tiempo no se ceba tanto en las actrices que no están catalogadas como sex symbols.

Sus padres eran artistas. Papá director de orquesta y mamá bailarina. No es extraño pues que tanto ella como su hermano Warren Beatty acabaran también en el mundo del espectáculo. El fuerte de Shirley era el baile y con apenas 15 años debutó en Broadway. Pronto se hizo notar en los repartos de musicales como “Oklahoma” o “Bésame Kate”. Su gran oportunidad le llegó cuando tuvo que sustituir de urgencia a la protagonista del musical “Juego de pijamas”, Carol Hayne, que se había fracturado un tobillo. En las pocas semanas que estuvo de sustituta el productor Hall Wallis se fijó en ella y la fichó para el cine.

Debutó con dos películas casi rodadas simultáneamente: “¿Pero quién mató a Harry?” de Alfred Hitchcock y “Artistas y modelos” junto a Jerry Lewis y Dean Martin. En esta última tenía un divertido número de baile junto a Lewis y cantaba la canción “Innamorata”. Su consagración definitiva como estrella llegaría con “Como un torrente” de Vincente Minnelli primero, y con “El apartamento” de Billy Wilder después.

En “Como un torrente” coincidió con Frank Sinatra y Dean Martin, actores con los que repetiría de compañera en otras películas como “La cuadrilla de los once”, “Los ambiciosos” o “Todo en una noche”. Se hicieron muy amigos y Shirley pasó a formar parte del llamado Rat Pack, compartiendo juergas con ellos dos, Sammy Davis Jr. y Peter Lawford.

Con Sinatra rodó también uno de los musicales más famosos de su carrera: “Can-Can”. En otras películas como “Un yankee en el harén”, “Mi dulce Geisha” o “Ella y sus maridos” tuvo ocasión de cantar y bailar aunque no se tratan de musicales propiamente dichos.

Pero su mejor papel dentro del género se lo regaló el director y coreógrafo Bob Fosse al hacerle protagonista de “Noches en la ciudad” uno de los grandes musicales de la historia del cine.

En los años 70 Shirley se apartó bastante del cine y montó varios espectáculos de variedades con los que recorrió el mundo entero con gran éxito. A pesar de que ya superaba los 40 años seguía siendo una bailarina incansable.

Estos espectáculos grabados para la televisión le reportaron un par de Emmys. El Oscar cinematográfico llegaría tras cinco nominaciones en 1983 por su papel de madre posesiva y entrañable en “La fuerza del cariño”.

En las últimas décadas hemos seguido admirando a Shirley MacLaine en películas como “Magnolias de acero”, “Postales desde el filo” o “Embrujada” pero en el reportaje de “Notas de cine” hemos querido recordar otras facetas suyas al margen del mundo del espectáculo de las que merece la pena hablar. Por ejemplo, su activismo político a favor de los derechos de las mujeres. Es también una viajera incansable. Incluso en los años 70 tuvo su propio programa de viajes en televisión, “El mundo de Shirley” en el que cada semana visitaba un país diferente.

Y no podemos olvidarnos de esa parte espiritual y esotérica a la que ha dedicado la mayor parte de sus esfuerzos en las últimas décadas. Shirley MacLaine ha escrito varios libros y se ha prodigado en conferencias sobre la reencarnación, creencia de la que es una de las mas activas propagandistas a nivel mundial. Es una mujer que vive su espiritualidad de forma pública. Hace unos años vino a España a hacer el camino de Santiago y reflejó sus experiencias en otro libro.

Dentro de unos días, el 24 de abril, Shirley MacLaine cumplirá 79 años. El año pasado recibió el premio del American Film Institute a toda una carrera. En su agradecimiento recordó que todavía no piensa jubilarse y que tiene proyectos para rodar nuevas películas. Porque como decía en la canción “I’m still here” que cantaba en “Postales desde el filo”, puede que sea una leyenda del cine, pero aún sigue estando aquí.

Esta semana conversamos con el director Santiago Zannou que acaba de estrenar la película “Alacrán enamorado” protagonizada por Carlos y Javier Bardem, Alex González y Miguel Angel Silvestre y que cuenta la historia de un joven neonazi que se introduce en el mundo del boxeo. Santiago Zannou es un director que cuida mucho las bandas sonoras de sus películas, trabajo que realiza junto a su hermano, el músico Woulfrank Zannou. En “El truco del manco”, por ejemplo, mezclaban hip hop con música clásica y en “La puerta de no retorno” música africana y europea. Para esta nueva película buscaban un sonido más actual y energético. Todos los temas de la banda sonora son originales, compuestos por Woulfrank y grabados junto al grupo Reptilians.

Ya lo cantaban hace años Alaska y Dinarama y ahora lo podemos ver en el cine en la película “Memorias de un zombie adolescente”, una historia de amor entre una viva y un muerto viviente. La banda sonora es cosa de Marco Beltrami, un compositor que a lo largo de su carrera ha creado numerosos scores de terror y ciencia-ficción pero que aquí nos presenta una partitura más divertida y desenfadada que terrorífica. La firma junto a Buck Sanders, su ayudante habitual. Sanders es un programador de sintetizadores y autor de música adicional que lleva trabajando con el compositor desde casi los comienzos de su carrera. Dado que Beltrami no es muy amante de la música electrónica y de los sintetizadores, suele delegar esas partes en Buck Sanders y en esta banda sonora están muy presentes, de ahí que firmen la banda conjuntamente.

En cuanto a las películas en las que nos detenemos esta semana en el programa tenemos dos clásicos inolvidables. Por un lado, “Ocho y medio”, la película que destacamos de la programación de los canales TCM. De la filmografía de Federico Fellini probablemente sea su película más aclamada y discutida. Una obra maestra en donde se puede apreciar toda la imaginación y el mundo creativo del director italiano. Aunque Fellini lo negaba o lo afirmaba según le convenía lo cierto es que “Ocho y medio” es una película autobiográfica que aborda muchas de las obsesiones que le acompañaron a lo largo de su vida: el peso de la religión, la carga que conlleva la fama, la dificultad del proceso creativo para un artista… Todo ello adornado con melodías de clásicos como Wagner, Rossini o Tchaikovski y la nostálgica banda sonora que compuso Nino Rota.

Y dentro de nuestra sección dedicada a los musicales clásicos hoy recuperamos “Luces de Candilejas” dirigida en 1954 por Walter Lang.

La película cuenta la historia de una familia dedicada al vodebil y al espectáculo musical y aunque el principal reclamo del reparto es una exuberante Marilyn Monroe, en realidad ejerce de secundaria. Lo que ocurrió es que cuando Marilyn firmó el contrato para rodar “La tentación vive arriba” le obligaron también a aparecer en este film para intentar que tuviera mayor rendimiento en taquilla. De hecho su personaje está escrito a última hora especialmente para ella y algunas de las canciones que canta estaban reservadas para otros actores. Independientemente de todo ello se trata de un musical muy entretenido adornado con un buen puñado de canciones clásicas compuestas por el gran Irving Berlin.

Como os decimos siempre, si queréis ponerle música a todas estas imágenes y a todas estas historias, solo tenéis que sintonizar “Notas de cine”, la madrugada del sábado al domingo de 5 a 6, en la SER.

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Hoy, 13 de abril, cumple 89 años uno de los directores más grandes no sólo del género musical sino de toda la historia del cine: Stanley Donen. Por eso el capítulo del “Libro Gordo” de esta semana está dedicado a su figura y a su obra, un puñado de películas con las que han disfrutado millones de espectadores de todo el mundo a lo largo de siete décadas. Donen vive en Los Ángeles, retirado del cine como director, pero no como espectador, ya que acude regularmente a las salas y ve casi todo lo que se estrena.

La vida de Stanley Donen cambió para siempre en 1933, cuando tenía tan solo nueve años. Un día entró en un cine de su ciudad y allí vio a Fred Astaire en la película “Volando hacia Río”. Gracias a él descubrió el baile. Fred Astaire no sólo fue el principio sino también la inspiración de toda la carrera de Donen.

Con 17 años consiguió un contrato en Broadway para trabajar en el musical “Pal Joey” como miembro del cuerpo de baile. La estrella de aquella producción era otro joven actor: Gene Kelly. Pronto se hicieron amigos y cuando Kelly fue contratado en Hollywood por la Metro, enseguida reclamó a Donen para que trabajara con él como ayudante de coreografía. En 1944 tuvieron su primera oportunidad de trabajar juntos en “Las Modelos”, película que Gene protagonizaba con Rita Hayworth.

A partir de ese momento la fama como coreógrafo de Stanley Donen empezó a crecer y durante los años 40 creó los bailes de muchas producciones de la Metro. El siguiente paso, siempre de la mano de Gene Kelly, era ponerse tras las cámaras. Se ha destacado muchas veces que Orson Welles hizo Ciudadano Kane con sólo 25 años. Stanley Donen tenía 24 cuando dirigió “Un día en Nueva York”. Además se trata de una película que hizo historia. Era la primera vez que un musical salía a la calle para rodar en exteriores naturales. Gene Kelly y Stanley Donen firmaron la película como co-directores y volverían a hacerlo tres años después con el que hoy en día se considera el musical por excelencia: “Cantando bajo la lluvia”.

Consagrado ya como un maestro del género Donen también pudo cumplir su sueño de trabajar junto a su admirado Fred Astaire. En “Bodas Reales” Donen filmó otro de los grandes momentos de la historia del musical cuando hizo que Fred Astaire bailara por el techo y las paredes de una habitación. A continuación rodaría dos excelentes musicales: “Tres chicas con suerte” y “Siete novias para siete hermanos”, un film lleno de alegría y dinamismo que se ha convertido en otro de los grandes clásicos del género.

En 1955 Stanley Donen volvería a codirigir con Gene Kelly otra nueva película: “Siempre hace buen tiempo”. Fue la última vez que trabajaron juntos. La relación se deterioró cuando Gene comenzó a mantener relaciones sentimentales con Jeanne Coyne, la primera esposa de Donen.  Ya como agente libre aceptaría la oferta de la Paramount para rodar otro de sus grandes clásicos musicales, “Una cara con ángel”, de nuevo con Fred Astaire y la maravillosa Audrey Hepburn.

A partir de los años 60 Stanley Donen decidió cambiar de rumbo. Ya había demostrado que era un maestro haciendo musicales pero también iba a revelarse también como un eficaz director de comedias. Comedias sofisticadas y románticas como “Indiscreta” o “Una página en blanco”. Comedias con suspense al estilo Hitchcock, como “Arabesco” o “Charada” o salvajemente críticas como la que muchos consideran su mejor película: “Dos en la carretera”, uno de los mejores estudios cinematográficos que se hayan hecho sobre el matrimonio y por la que ganó la Concha de Oro del festival de San Sebastián.

Al musical no regresaría hasta 1974 con “El Principito”, adaptación de la obra de Antoine de Saint-Exupery. Su amigo Bob Fosse diseñó la coreografía y además interpretó el personaje de la serpiente.  La película fue un fracaso en taquilla, como también lo fue su incursión en el género de ciencia-ficción con “Saturno 3”. Poco a poco Stanley Donen se fue desencantando del cine. En 1984 dirigió su última película, “Lío en Río”. En ella, el protagonista, Michael Caine, viajaba a Río de Janeiro y en el vuelo soñaba con aquellas imágenes de Fred Astaire bailando y cantando en la película “Volando hacia Río”, las mismas que a los nueve años dejaron a Donen fascinado ante la pantalla. El director cerraba así su carrera regresando a aquel momento mágico.

Resulta difícil entender que siendo uno de los más grandes directores del Hollywood clásico Stanley Donen nunca ganara un Oscar por sus películas. Ni siquiera fue nominado para ese premio en sus casi 40 años de carrera. Afortunadamente en 1998 esa injusticia quedó parcialmente reparada cuando le concedieron uno honorífico en reconocimiento a toda una carrera marcada por la elegancia, el ingenio y la innovación visual.  Para nosotros que hemos hablado de tantas de sus películas en el programa es casi alguien de la casa. Por eso no podemos más que decirle: ¡Feliz cumpleaños Stanley!

Hoy nos sentamos a charlar con el compositor Sergio Moure, un joven músico gallego que desde hace varios años está pisando fuerte en el mundo de las bandas sonoras. Suya es la música que se escucha, por ejemplo, en “El Cuerpo”, “Todo es silencio” o “Tesis sobre un homicidio”, la película protagonizada por Ricardo Darín o Alberto Ammann que acaba de estrenarse en España el pasado fin de semana. Sergio Moure nos ha contado que desde los ocho años, cuando cayó una guitarra en sus manos, tenía muy claro que quería dedicarse a la música. “Si no me dedico a la música voy a ser un desgraciado toda mi vida”, le decía a su padre. A los veinte años se marchó a estudiar música a Barcelona. Allí conoció a Joaquín Oristrell quien le dio la oportunidad de debutar en el mundo de las bandas sonoras con “Inconscientes”, por la que fue nominado al Goya.

La semana pasada se estrenó  “Posesión Infernal, Evil Dead”, el remake de una de las películas de culto del cine de terror de los 80 con la que debutó el director Sam Raimi. El propio Raimi ejerce de productor de esta nueva versión y ha encargado la dirección a un debutante, el uruguayo Fede Álvarez. La banda sonora ha sido compuesta por Roque Baños lo que significa su puerta de entrada al todopoderoso cine norteamericano. Un camino que parece va a tener continuidad ya que dentro de unos meses estrenará también la banda sonora de un thriller titulado “Guthot Straight”, protagonizado por George Eads, uno de los actores de la serie CSI, y en el que también interviene Steven Seagal.

“Posesión infernal, Evil Dead” es una banda sonora de género con todos los recursos y códigos de la música de cine de terror. Clima inquietante, crescendos terroríficos, golpes de efecto que remarcan el sobresalto. Notas musicales que van capturando el horror al que asistimos. Además de los instrumentos habituales de la orquesta se han incorporado otros poco frecuentes como sirenas, ramas de árboles agitadas o percusiones metálicas. Roque Baños dirigió a la London Pro Arte Orchestra y al piano contó con la colaboración del propio director de la película Fede Álvarez. En la parte final destaca la utilización de los coros. Como hacía Jerry Goldsmith en la Profecía, las voces humanas consiguen que la música se convierta en la mismísima encarnación del mal.

El musical que recordamos esta semana es el biopic de uno de los grandes de la música norteamericana del siglo XX: Glenn Miller. De su vida se hizo un film en 1954 titulado en español “Música y lágrimas” con James Stewart y June Allyson y dirigido por Anthony Mann, el primer marido de la recientemente fallecida Sara Montiel. La película es un recorrido bastante edulcorado y melodramático de la vida de este músico. En ella se ven sus difíciles comienzos cuando tocaba el trombón en pequeñas bandas y orquestas y su intento de encontrar un sonido nuevo, distinto y muy personal. Un éxito que le llegó con temas como “Serenata a la luz de la Luna”, “In The Mood”, “American Patrol” y que le convirtieron en uno de los favoritos del público americano. En 1942, durante la II Guerra Mundial, Glenn Miller se alistó en las Fuerzas Aéreas. Su orquesta se dedicaba a tocar para las tropas. El 15 de diciembre de 1944 se subió a un pequeño avión para ir a París. Sin embargo no llegó a su destino. El aparato desapareció en pleno vuelo.

El jueves pasado 11 de abril se cumplieron 30 años del Oscar que ganó José Luis Garci por su película “Volver a Empezar” y TCM le dedica hoy domingo una programación especial. El director recordará todo lo que ocurrió en esa fecha tan señalada en una entrevista en exclusiva que concedió al canal. A continuación se podrá ver de nuevo este film, el primero que logró la dorada estatuilla para nuestro cine. Nosotros, en el programa, también hablaremos de esta efeméride.

Y ya sabéis, el programa se emite de 5 a 6 en la madrugada del domingo y desde el lunes os podéis descargar el audio de las páginas cadenaser.com y canaltcm.com. Hasta la semana que viene

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Se llamaba Nannerl y era hermana del famoso compositor Wolfgang Amadeus Mozart. De ella se han hecho películas y escrito varios libros pero muy pocos la conocen. Como su hermano, también ella fue niña prodigio de la música y se decía que poseía tanto talento como él. Sin embargo, debido a su condición de mujer, no pudo darlo a conocer al mundo. Ninguna de sus composiciones ha llegado hasta nuestros días.

Como Nannerl otras muchas mujeres fueron silenciadas en el mundo de la música clásica. Algunas tuvieron que firmar sus obras con seudónimos masculinos y solo unas pocas como Hildegarda de Bingen, Clara Schumann, Maria Esther Park o Amy Beach consiguieron algo de reconocimiento en su tiempo.

Ya la Biblia nos da algunas pistas del silencio impuesto a la mujer en la música. En un episodio, Adán le pide a Eva que se calle cuando ésta está soplando por una caña hueca a modo de flauta y además añade que si a alguien le corresponde crear sonido es a él y no a ella. “Que las mujeres callen en las iglesias”, se dice en Corintios 14.34 y el Eclesiastés 12.4 advierte: “Es necesario someter a todas las hijas de la música”. Así las cosas, no es extraño que tradicionalmente la composición musical estuviera en manos de los hombres casi de forma exclusiva. En el mundo de la banda sonora pasa algo parecido y son pocas las representantes del género femenino que han podido destacar como compositoras cinematográficas.

En el programa de esta semana vamos a recordar a unas cuantas mujeres que han conseguido asomar la cabeza en el androcéntrico mundo de la música cinematográfica. En la actualidad Rachel Portman parece ser la única capaz de medirse en términos de igualdad a sus colegas masculinos. La autora de bandas sonoras como “Chocolat”, “Las normas de la casa de la sidra”, “La duquesa” o “Bel Ami” fue también la primera mujer de la historia en ganar un Oscar a la mejor partitura. Lo consiguió en 1997 por la música de “Enma”, una película basada en una obra de Jane Austen, escritora que también sabía bastante lo que cuesta destacar siendo mujer en el mundo de la creación artística.

Al año siguiente, en 1998, otra compositora británica, Anne Dudley, ganó también la estatuilla de Hollywood por la banda sonora de “Full Monty”. Anne fue miembro del grupo techno Art of Noise y fundamentalmente trabaja para series de la BBC, aunque también ha compuesto algunas bandas sonoras notables como “Juego de lágrimas”, “American History X” o “El libro negro”. Pero antes de que Rachel Portman y Anne Dudley ganaran sus estatuillas, ya en los 70 hubo otra mujer que fue nominada al premio, en dos ocasiones además, por las bandas sonoras de “El principito” y “La zapatilla y la rosa”. Nos referimos a Angela Morley aunque su caso es un poco especial.

Había nacido hombre y como Wally Scott, que era su verdadero nombre, trabajó para el cine británico durante los años 50 y 60 del siglo XX componiendo numerosas bandas sonoras. Sin embargo en 1972 se sometió a una operación de cambio de sexo y a partir de entonces firmó sus trabajos como Angela Morley. Lo mismo ocurre con Wendy Carlos, otra compositora británica considerada una de las grandes innovadoras en la técnica del sintetizador. Cuando Stanley Kubrick le hizo debutar en el cine encargándole la banda sonora de “La naranja mecánica” todavía se llamaba Walter Carlos. Tras una operación de sexo poco después cambiaría su nombre por el de Wendy y como tal compuso otras bandas sonoras como “Tron” o “El resplandor”, de nuevo a las órdenes de Kubrick

Dar cancha a las mujeres en el terreno de la banda sonora parece que se le daba bien al director norteamericano ya que su hija Vivian compuso la música de “La chaqueta metálica”, con el seudónimo de Abigail Mead, y a Jocelyn Pook le encargó el soundtrack de su última película “Eyes Wide shut”. Jocelyn ha trabajado posteriormente con otros directores entre ellos el español Julio Medem que encontró en ella a la sustituta de Alberto Iglesias que durante muchos años fue su compositor habitual. Jocelyn Pook ha compuesto la banda sonora de las dos últimas películas de Medem: “Caótica Ana” y “Habitación en Roma”.

Podemos citar otras pocas mujeres compositoras. La griega Elena Karaindrou, autora de las bandas sonoras de las películas de Theo Angeopoulus; Yuki Kajiura, japonesa que compone para animés; Deborah Lurie habitual colaboradora de Danny Elfman y autora de bandas sonoras como “La cazarrecompensas”; o Debbie Wiseman, compositora en películas como “Tom y Viv” o “La verdad sobre el amor”. En España también contamos con una excelente compositora de cine, Eva Gancedo, que es también la única mujer que ha ganado un Goya a la mejor banda sonora gracias a su partitura para la película de Ricardo Franco “La buena estrella”.

Por último podemos recordar algunas aportaciones que vienen desde el mundo del pop. Tenemos a Wendy y Lisa, por ejemplo, un dúo de artistas y compositoras que saltaron a la fama por sus colaboraciones con Prince y que en los últimos años se han convertido en creadoras de bandas sonoras para numerosas series de televisión y películas como “Mentes peligrosas”. Y tenemos también a la cantante Carly Simon, autora de bandas sonoras como “Postales desde el filo”, “Primary colors” o “Armas de mujer”. Por esta última película, precisamente, Carly ganó también el Oscar, aunque en su caso no fue a la mejor partitura sino a la mejor canción por el tema “Let the river run”. De ella y de todas las mencionadas anteriormente hablamos en el programa esta semana.

En nuestra sección “Conversaciones en clave de sol” charlamos con José Coronado al que tenéis ahora mismo en las pantallas en la película “Los últimos días”. Jose, sin acento, como a él le gusta que le llamen, confiesa no ser demasiado aficionado a la música. Bien es cierto que le encanta el reggae o el jazz clásico de Louis Armstrong o Ella Fitzgerald, pero no utiliza la música para concentrarse o ponerse a tono emocionalmente ante una escena como hacen otros actores con los que hemos hablado.

Tampoco le hemos visto cantar en las pantallas. Y eso que no tiene mala voz e incluso hace unos años un sello discográfico intentó convencerle para que grabara un disco. Solo en una película intentó cantar, “Yo soy esa”, en la que la protagonista principal era Isabel Pantoja. Jose grabó una versión del “Soy un pobre presidiario” de Antonio Molina, pero al final Víctor Manuel, que era el productor de la banda sonora, le convenció para que se dejara doblar por alguien más “profesional”.

Vamos a darle una escucha a la banda sonora de “La Biblia”, la miniserie de televisión que emitió Antena 3 durante la Semana Santa y que ha sido un éxito de público tanto en Estados Unidos como en nuestro país. Los encargados de ponerle música  la palabra de Dios en esta versión televisiva han sido Hans Zimmer y su “alumno” de la factoría Remote Control, el escocés Lorne Balfe, que ya ha colaborado con Zimmer en otras muchas bandas sonoras. Además, cuentan con la colaboración en las voces y coros de Lisa Gerrard, la cantante de Dead Can Dance que ya trabajó con Zimmer en “Gladiator”.

También dedicaremos un tiempo en el programa a repasar musicalmente la programación de los canales TCM y TCM Autor. “El tercer hombre”, el clásico dirigido por Carol Reed y protagonizad por Orson Welles, Joseph Cotten y Alida Valli, es la película que destacamos esta semana y que se emite acompañada de un documental que desvela todos sus secretos. La música de cítara que creó Anton Karas para el film es una de las más famosas de la historia del cine.

Coincidiendo con el Salón del Cómic de Barcelona que se celebra del 11 al 14 de abril, el canal TCM Autor estrena tres de las películas más famosas del realizador Hayao Miyazi, el maestro del animé o cine de animación japonés: “La princesa Mononoke”, “Porco Rosso” y “Mi vecino Totoro”. Nosotros hemos aprovechado la ocasión para hablaros en el programa de este gran creador nipón, de su obra y de la música de Joe Hisiaishi que suele acompañar a sus films.

La cita con “Notas de cine” es, como siempre, en la madrugada del sábado al domingo de 5 a 6 de. Os esperamos.

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