La Metro aseguró sus piernas por valor de cinco millones de dólares, convirtiéndolas en las más valiosas de la historia del cine. No era ninguna excentricidad. Cyd Charisse se hizo famosa en todo el mundo gracias a sus largas y esculturales piernas que además se movían con una elegancia sin par cuando la actriz bailaba. Además de piernas Cyd Charisse puede presumir de otra cosa:  ser una de las seis actrices, junto a Judy Garland, Rita Hayworth, Vera-Ellen, Debbie Reynolds y Leslie Caron, que han bailado con Fred Astaire y Gene Kelly, los dos mejores bailarines de la historia del cine. Y eso que llegó al mundo del baile y del espectáculo de casualidad.

De pequeña Cyd Charisse tuvo una grave enfermedad y los médicos recomendaron a sus padres que la matricularan en una escuela de ballet cásico. Allí conoció a un profesor, Nico Charisse, que se convirtió en su protector y marido. De él adoptó el apellido que la hizo famosa. Su nombre, Cyd, era una variante del apodo familiar con el que la llamaba su hermano: Syd, que provenía de sister, hermana en inglés.

Cyd Charisse formó parte del famoso ballet ruso de Sergei Diaghilev, con el que realizó giras por toda Europa antes de que estallara la Segunda Guerra Mundial. A su vuelta a Estados Unidos decidió probar fortuna en Hollywood y en 1943 debutó como bailarina en la película “Misión a Moscú”. En 1951 el productor Arthur Freed la eligió para que participara en “Cantando bajo la lluvia”. Era tan solo uno de los números musicales que jalonaban la película pero lo hacía al lado de Gene Kelly y, naturalmente, no pasó desapercibida. A partir de entonces Gene Kelly la eligió como pareja en otras muchas películas como “Brigadoon” o “Siempre hace buen tiempo” y Cyd Charisse se coinvirtió en una gran estrella.

Con Fred Astaire trabajó en “Melodías de Broadway 1955” y “La Bella de Moscú”. Con él Cyd usó siempre zapato plano para que no se notara tanto la diferencia de altura que había entre los dos. Si como bailarina era insuperable, la Metro pensaba que como cantante dejaba mucho que desear y por eso la dobló en casi todas las películas en las que intervino. A finales de los años 60 se retiró del cine para dedicarse a su familia. De su primer marido, Nico Charisse, se había divorciado en 1947 y se había vuelto a casar con el cantante Tony Martin, con el que estuvo sesenta años. Cyd Charisse murió de un ataque al corazón el 16 de junio de 2008 con 86 años y aunque, según ella, el pedestal en el que la pusieron era demasiado alto, es una de las figuras más recordadas del cine musical.

Este fin de semana se estrena en los cines “Seis puntos sobre Emma”. Está protagonizada por Verónica Echegui y cuenta la historia de una chica ciega que desea, a toda costa, convertirse en madre. Hemos charlado con su director Roberto Pérez Toledo de su banda sonora compuesta por David Cordero y Carlos Guajardo que forman Úrsula, y también de las canciones del grupo Magnética que se oyen a lo largo del film.

Otra banda sonora también estará presente en nuestro programa. Se trata de la de “W.E.”, dirigida por Madonna. La película cuenta la historia de amor entre Wallis Simpson y el rey Eduardo VIII de Inglaterra y la de una mujer que, más de medio siglo después, se obsesiona con ese idilio. El film se presentó en la última edición de la Mostra de Venecia cosechando unas  críticas nefastas. Sin embargo su banda sonora sí que llamó, y mucho, la atención. Es obra del compositor polaco Abel Korzeniowski y obtuvo una nominación en la pasada edición de los Globos de Oro. En la misma ceremonia Madonna ganó el galardón correspondiente a la mejor canción original por el tema “Masterpiece” que se escucha en los títulos de crédito al final del largometraje.

La película musical que os traemos hoy es “Oliver” basada en la famosa novela de Charles Dickens. Fue dirigida en 1968 por Carol Reed y protagonizada por los niños Mark Lester y Jack Wild y por Ron Moody y Oliver Reed. “Oliver” fue el último musical del siglo XX que ganó el Oscar a la mejor película y está repleta de fantásticos números musicales como “Consider Yourself”,  “You’ve Got to Pick a Pocket or Two” o “I’d Do Anything”. La música y las canciones son obra de Lionel Bart.

Y en nuestro repaso a la programación de la semana de los canales TCM hoy nos vamos a detener en “Alguien voló sobre el nido del Cuco” de Milos Forman y que también hizo historia en los Oscar ganando lo que podemos llamar el “grand slam” de estos premios: mejor película, director. actriz y actor protagonista y guión. Algo que solo han conseguido “Sucedió una noche” en la década de los treinta y “El silencio de los corderos” en la de los noventa.

Como todas las semanas nos encontraremos en directo a las 5 de la madrugada del domingo. Un saludo y hasta la semana que viene.

Un productor mítico, Arthur Freed, el padre de musicales como “Cantando bajo la lluvia” y “Un día en Nueva York” encabeza el reparto del programa de esta semana. Freed estuvo durante décadas al frente de la división de musicales de la Metro y fue el verdadero cerebro gris que ideó algunas de las películas que hoy consideramos grandes clásicos.

Arthur Fred descendía de una familia vinculada al mundo de la música. Su padre era tenor y él comenzó su carrera bailando claqué en espectáculos de vodevil. Lo que de verdad le gustaba era escribir canciones y poco a poco fue introduciéndose en ese mundo haciendo tándem con el músico Nacio Herb Brown. A finales de los años veinte, con la llegada del sonoro, se instaló en Hollywood y trabajó en las primeras películas musicales, convirtiéndose en uno de los compositores habituales de la Metro. Para ese ese estudio creó diversos temas como “Una noche en la ópera”, “San Francisco” o “Melodías de Broadway 1936”. De ahí dio el salto a la producción. Convenció a Louis B. Mayer para que comprara los derechos de “El Mago de Oz” y él se encargó de concebir el diseño general del film. Contrató a Harold Arlen y a Yip Harburg para que escribieran las canciones de la banda sonora y gracias a su empeño se eligió a Judy Garland como protagonista. Su perseverancia hizo que se mantuviera en el montaje final el mítico “Over the rainbow” que Mayer quería eliminar.

Su consagración como productor llegó en 1943 con otro gran éxito de Judy Garland, “Cita en St. Louis”. En ella, además, se podía escuchar su voz en una canción que él mismo había compuesto: “You and I”. Gracias a su trabajo como productor consiguió que los números musicales se integraran cada vez más en las historias y dejaran de ser un mero interludio. En “Un día en Nueva York” decidió, junto al director del film, Stanley Donen, algo que hasta entonces era impensable: salir de los estudios y rodar en plena calle. Arthur Freed tenía una virtud: sabía rodearse de los mejores colaboradores y además no interfería en el trabajo del director. Lo suyo era aportar ideas y concebir el estilo general que debía tener toda la película. Así fueron naciendo títulos como “Brigadoon”, “Gigi”, “Magnolia”, “Un americano en París” o “Cantando Bajo la lluvia” que es, en buena parte, una película autobiográfica ya que se nutre de muchas anécdotas que él mismo vivió en los comienzos del cine sonoro.

Arthur Freed se retiró en 1960 coincidiendo con la progresiva decadencia del género y se apartó completamente del mundo del espectáculo. Murió en abril de 1973. Él fue, en palabras de Vincente Minnelli, el verdadero genio del musical.

En el sillón de las “conversaciones en clave de sol” sentamos esta semana al actor Lluis Homar, que ahora mismo está en las pantallas con la película “The Pelayos” y que ganó el Goya al mejor actor de reparto en la última edición de estos premios por su papel de robot en “Eva”. Como cada vez que tenemos a un actor como invitado en este espacio le hemos pedido que nos cuente sus gustos musicales y que recuerde los papeles que ha interpretado a lo largo de los años que tienen alguna relación con el mundo de la música. Por ejemplo el que hizo en “Pájaros de Papel” de Emilio Aragón. Lluis Homar nos ha confesado su afición por la ópera, la zarzuela y la música clásica, sobre todo por Beethoven.

El tercer nombre propio del programa es Lucas Vidal, el joven compositor español afincado en Los Ángeles. Él es el autor de la banda sonora de la que os hablamos hoy: “La fría luz del día”, un film protagonizada por Bruce Willis y Sigourney Weaver. La película ha pasado casi de puntillas por las pantallas pero es una buena oportunidad para escuchar la música de este compositor de tan solo 28 años que se está abriendo un hueco en la difícil industria musical del cine de Hollywood.

Y uno de los actores más queridos por los espectadores de todos los tiempos, Spencer Tracy, también estará presente en nuestro programa. Todos los sábados del mes de mayo los espectadores de TCM podrán recordar algunas de sus mejores y más famosas películas. Por ejemplo le podréis ver en comedias románticas al lado de Katharine Hepburn como  “La mujer del año” o “La Costilla de Adán” pero también protagonizando intensos dramas como “Furia” o “Conspiración de silencio”. Nosotros repasaremos su vida y su trayectoria profesional y, naturalmente, nos detendremos en su inolvidable historia de amor que vivió con Katharine Hepburn pero también le oiremos cantar, en concreto entonando el entrañable “Ay mi pescadito” de la inolvidable “Capitanes intrépidos”.

Y la película que destacamos de la programación de los canales TCM esta semana es “Jules et Jim” de François Truffaut, uno de los largometrajes  más significativos de la carrera de este director y de toda la Nouvelle Vague. “Jules et Jim” se realizó con pocos medios y con poco dinero. Tanto es así que su protagonista, Jean Moreau, puso parte de su capital para que la película pudiera terminarse e incluso prestó su propio coche para transportar el material y llevar a algunos miembros del equipo a las correspondientes localizaciones. El resultado final es una historia de amor y de amistad a tres bandas a medio camino entre la comedia y el drama.

Ya sabéis que nuestra cita es a las cinco de la madrugada del domingo pero también podéis descargaros el podcast para que lo escuchéis a la hora que os venga mejor. Un saludo y hasta la semana que viene.

NOTA: Si no encontráis el programa en la zona de podcast de cadenaser.com es que alguien ha vuelto a olvidar hacer su trabajo. Yo le he subido a sendspace y aquí podéis descargároslo:

Carmen Miranda apenas media metro y medio pero su corta estatura quedaba disimulada por los enormes zapatos de plataforma que llevaba y aquellos míticos turbantes y sombreros llenos de frutas que formaban parte de su atuendo. Maquillaje a raudales en el rostro y kilos de bisutería sobre un traje ajustado de vivos colores que, según la leyenda, ocultaba a duras penas la ausencia de ropa interior. El efecto se completaba con su particular estilo de actuar y cantar. El contoneo de sus caderas bailando, la picardía de su mirada, la gesticulación constante y una sonrisa luminosa. Con aquella imagen un tanto forzada Carmen Miranda representaba para los estadounidenses el exotismo de Sudamérica que en la primera mitad de los años 40 causó furor en Hollywood. Su estrella brilló poco tiempo pero tuvo una luz intensa. Rodó tan solo 14 películas en Estados Unidos pero fueron suficientes para convertirla en una de las grandes del género musical y en el primer referente global del tropicalismo.

Su ascensión en el cine americano se vio muy beneficiada por lo que entonces se llamó la política de buena vecindad del presidente Roosevelt hacia Latinoamérica. Hollywood se sumó enseguida a esa política ya que, al estar cerrado el mercado europeo por la Segunda Guerra Mundial, había decidido apuntar al mercado sudamericano para exportar su cine, y por lo tanto interesaba rodar películas con artistas latinos como Carmen Miranda.

Ya antes de llegar a Nueva York en 1939 Carmen era una gran estrella de la música en Brasil y había rodado allí seis películas. Sus espectáculos regulares en el Casino de la Urca de Río de Janeiro eran grandes acontecimientos y había sido la principal causante de que la samba, un ritmo nacido en las favelas negras, se convirtiera en el idioma musical de Brasil a partir de los años 30. Tras triunfar en Broadway fue contratada por la Fox que la hizo debutar en el cine con la película “Serenata Argentina” de 1940. En los trece años siguientes rodaría catorce películas en Hollywood, musicales de exotismo sudamericano en su mayoría, como “Aquella noche en Río”, “A La Habana me voy” o “Secretaria brasileña”. Carmen casi nunca era la protagonistas sino que solía aparecer como secundaria, eso sí, robando todas las escenas en las que intervenía. Canciones como “South American way”, “Chica chica boom chic”, “Mama eu Quero” o “Tico tico” se convirtieron en temas muy populares gracias a estas películas. Tanto es así que hicieron de Carmen Miranda la actriz mejor pagada de Hollywood en la primera mitad de los años 40. Y no solo eso, en el año 1945 fue la mujer que más dinero ganó en los Estados Unidos ese año, como así se puede ver en las cuentas de la Hacienda pública. A ello no solo contribuían la venta de sus discos o lo que cobraba por sus películas sino lo que ganaba con una compañía petrolera que montó en Texas asociándose con John Wayne.

En todas sus películas Carmen ejercía de latinoamericana según los cánones que se tenía en Estados Unidos, es decir, una mujer apasionada, sensual y de fuerte carácter, que sabía bailar y cantar con picardía. Era lo que al público le gustaba y por ello nunca quisieron que hablara bien inglés. El pésimo acento que gastaba la actriz era en parte fingido porque así se lo imponía la Fox. Carmen Miranda era muy consciente de su encasillamiento. Una vez le preguntaron en televisión si no le importaba y ella respondió: “Los plátanos son mi negocio”, porque sabía que el estereotipo que interpretaba era el que le proporcionaba el éxito.

Carmen Miranda murió prematuramente en 1955 de un ataque cardiaco. En el programa de esta semana vamos a repasar su fulgurante carrera y a escuchar sus canciones más conocidas.

Esta semana se ha estrenado “The Pelayos”, una película española sobre la historia real de una familia mítica en el mundo del juego y los casinos. Hemos charlado con su director, Eduard Cortés, para que nos hable de la banda sonora de la película. En ella podemos escuchar a Daniel Brühl cantando el “Hit the road Jack” de Ray Charles, temas de los Pulp, Eels o los Yeah Yeah Yeahs, además de una banda sonora de aire jazzistico muy sugerente que ha compuesto el músico Micka Luna. Y es que Eduard Cortés se nos ha revelado como un director con un excelente gusto musical.

La película musical de la que os hablamos esta semana gira en torno a un coche algo destartalado y ruidoso pero que es capaz de viajar por tierra, mar y aire: “Chitty Chitty Bang Bang”. La película estaba basada en un cuento de Ian Fleming, el creador de las aventuras de James Bond, y fue idea del productor de la saga 007, Albert Broccoli, llevarlo a las pantallas convertido en un musical. Para ello contaron con un guión escrito por Roald Dahl, el creador de libros infantiles como “Charlie y la fábrica de chocolate” o “James y el melocotón gigante”. Contaron también con las canciones compuestas por los hermanos Sherman, los mismos que habían compuesto las bandas sonoras de “Mary Poppins” o “El libro de la selva” y con un actor relacionado asimismo con la compañía Disney: Dick Van Dyke. Y es que el empeño de Broccoli para que el espectador viera “Chitty Chitty Bang Bang” como un producción cercana a las películas del estudio del ratón Mickey era más que evidente. Por ejemplo, la última parte del film transcurre en el castillo de Luis II de Baviera, que no es otro que el mismo que sirvió de modelo para el de “La bella durmiente” y que acabaría convirtiéndose en el símbolo de Disneylandia.

Vamos a escuchar también en el programa la banda sonora de “La pesca del salmón en Yemen”, la película de Lasse Halstrom que tenéis ahora mismo en las pantallas y cuya música corre a cargo del italiano Darío Marianelli. El compositor de “Expiación” o “Jane Eyre” nos ofrecer ahora  una banda sonora que crea un ambiente plácido y optimista muy acorde al tono que tiene la película de Hallstrom. Además participa también del espíritu del film, esto es, el encuentro honesto entre la cultura occidental y la oriental. Marianelli ha querido fusionar en su partitura la geografía sonora y de esta forma las flautas escocesas se mezclan con el laúd árabe o el kaval en diversos temas.

Y la película que destacamos esta semana de la programación de los canales TCM es “Man on the moon” de Milos Forman. En ella Jim Carrey se metió en la piel de Andy Kaufman, para algunos el mejor cómico que ha dado Estados Unidos; para otros, un provocador que se dedicaba a crear todo tipo de escándalos con tal de salir en los periódicos o en la televisión.

El título de la película viene de una canción del grupo Rem en la que se menciona una idea que ha circulado como leyenda urbana: Que Andy Kaufman no murió en realidad sino que sigue vivo y que su enfermedad y fallecimiento no fue sino una broma más de este legendario cómico estadounidense.

Podéis escuchar “Notas de cine” en la madrugada del sábado al domingo de 5 a 6 en la Cadena SER y, si la cosa va bien, alguien no olvida subir el audio o el archivo no está dañado y funciona, también lo podréis oír en los podcast de cadenaser.com a partir del lunes.

Fue uno de los artistas franceses más prolíficos del siglo XX pero por encima de todo Serge Gainsbourg era un personaje en si mismo que hizo de su vida su más importante forma de expresión: pintor, actor, director, fotógrafo, músico, cantante y también compositor de cine. Todo lo hacía en exceso. En poco más de treinta años de carrera Gainsbourg grabó 26 álbumes a nombre propio aunque el grueso de sus derechos de autor corresponde sobre todo a canciones que compuso para decenas de vocalistas. Pero hay una parte importante de esos derechos que provienen también de las cerca de 40 bandas sonoras que compuso para el cine.

En el cine Gainsbourg encontró el instrumento ideal en el que desembocar toda su fuerza interior. Solía decir que el cine mostraba su lado artístico mientras que la música el profesional. Su primer trabajo cinematográfico llegó como actor. En 1959 hizo un pequeño papel en “¿Quiere usted bailar conmigo?”, una película una película protagonizada por Brigitte Bardot, la que años después se convertiría en su amante y musa. Luego rodó una serie de peplums italianos en los que casi siempre hacía de romano despiadado. Su aspecto solía encasillarle en papeles de villano o de macarra y así, a lo largo de su vida, Serge Gainsbourg interpretó 45 películas. Además fue responsable de otras 4 como director.

Su relación con la música de cine también comenzó pronto. En 1960 compuso su primera banda sonora para la película “L’eau a la bouche”, con la que iniciaba una carrera cinematográfica de cuatro décadas, ya que su último trabajo musical fue precisamente una banda sonora, “Stan the Flasher” que compuso un año antes de su muerte en 1991. En sus bandas sonoras, la mayor parte de ellas para el cine francés, Gainsbourg experimentaba con todos los géneros: el jazz, el pop, la música sinfónica, los ritmos tropicales, la música disco… Solía componer y a menudo interpretar diversas canciones como parte de sus bandas sonoras y, de hecho, algunas de las mejores canciones que creó están en sus discos de cine. Es el caso de “Réquiem pour un con” de la película “Le Pacha”, de “Yesterday yes a day” de “Madame Claude” o de “Dieu fumeur de havanes” de “Os amo” que Gainsbourg cantaba a dúo con Catherine Deneuve. Incluso el famoso “Je t’aime moi non plus” que escandalizó al mundo no era más que una melodía reciclada que había compuesto previamente para la película “Les coeurs verts”. Eso sí, acompañada de una letra provocadora y una interpretación incendiaria a cargo de su compañera Jane Birkin.

Dicen que si solo se hubiera dedicado a la música de cine habría sido uno de los grandes pero esta faceta quedó diluida por sus otras actividades musicales. En el programa de esta semana vamos a escuchar muchas de estas melodías y a repasar con detalle la carrera cinematográfica de Serge Gainsbourg.

Nuestro invitado de esta semana en “Conversaciones en clave de sol” es el director Alberto Rodriguez que desde hace unas semanas tiene en las pantallas la muy recomendable “Grupo 7”. Hemos charlado con él sobre la banda sonora que ha compuesto para su película Julio de la Rosa, sobre Bambino o sobre sus gustos musicales, al tiempo que escuchamos la sugerente música que ha creado el ex guitarrista y cantante del grupo El Hombre Burbuja.

La película musical de esta semana nos lleva a un tradicional colegio británico en los años 30. Allí imparte sus clases de latín un profesor llamado Chipping pero al que todo el mundo llama Chips. “Adios Mr. Chips” fue la versión musical de otra famosa película de similar título de los años 30 por la que Robert Donat ganó el Oscar al mejor actor. La nueva versión llegó en 1969 de la mano del director Herbert Ross y protagonizada por Peter O’toole y la cantante británica Petula Clark. Entre canción y canción nos contaban un argumento que ha marcado las pautas de todo un género cinematográfico: el de los maestros que poco a poco se van ganando la confianza de sus alumnos y a los que enseñan, no solo una asignatura, sino sobre todo una forma de enfrentarse a la vida.

Vamos a escuchar también la banda sonora del nuevo rompetaquillas adolescente: “Los juegos del hambre”. Una banda sonora que se ha editado por partida doble. Por un lado la música incidental compuesta por James Newton Howard. Por otro, las canciones que suenan en la película y que incluye temas creados especialmente para el film por grupos y solistas como The Arcade Fire, Neko Case, The Decemberits o Tylor Swift.

Y la película que destacamos de la programación de TCM es esta semana “Barry Lyndon” de Stanley Kubrick, protagonizada por Ryan O’Neil y Marisa Berenson. “Barry Lyndon” es la historia de un arribista irlandés con una vida llena de aventuras que le llevará a alistarse en ejército, combatir en la Guerra de los Siete Años, desertar, caer prisionero de los prusianos, servirles como espía, llevar una vida como jugador de cartas por media Europa y finalmente casarse con una viuda. Todo ello contado con el estilo y virtuosismo de Kubrick que hace que la película parezca un fragmento de la historia arrancada del pasado, trasladando al espectador al mismísimo siglo XVIII. La meticulosidad del director era tal que exigió que la película se rodara con luz natural. Los interiores debían estar iluminados únicamente con velas, por lo que el director de fotografía John Alcott tuvo que modificar la cámara y utilizar unos objetivos que habían sido especialmente diseñados para la NASA.

La cita con Notas de cine es en las madrugadas del sábado al domingo de 5 a 6 y a partir del lunes podéis descargaros el audio del programa en la sección de podcast de cadenaser.com

En el programa de esta semana nos ponemos un poco en plan “cine de barrio” porque vamos a repasar la historia de una de las grandes estrellas de la historia del cine musical español: Joselito. Admirado por unos, rechazado por otros que le consideran un tanto grimoso, lo cierto es que el niño cantor fue un ídolo de las pantallas y la música española durante las décadas de los 50 y los 60 del siglo XX.

Joselito nació en un pueblo de Jaén hace 69 años en una familia muy pobre de campesinos. Para él cantar no solo era algo que se le daba bien sino una oportunidad muy cierta de salir de la miseria. El cantante Luis Mariano le escuchó en una audición y decidió llevárselo con él para actuar en París, donde el niño causó auténtica sensación. De cantar por las tabernas de los pueblos y en concursos locales, Joselito pasó en un abrir y cerrar de ojos a actuar en la radio y la televisión galas junto a figuras como Edith Piaff o Maurice Chevalier. Incluso antes de hacer su primera película el niño ya era una estrella muy popular en el país vecino. Y ésta, la película, llegó en 1956 de la mano del director Antonio del Amo. “El pequeño ruiseñor” fue un taquillazo no sólo en España sino también en Latinoamérica y varios países de Europa. Un guión escrito a la medida del niño en el que el principal atractivo era la docena de canciones que cantaba, entre ellas la popular “Campanera”.

Tras “El pequeño ruiseñor” vendrían otras muchas películas de similar corte: “Saeta del ruiseñor”, “Escucha mi canción”, “Los dos golfillos”, “El pequeño Coronel”… Joselito hizo también las Américas y rodó varios títulos en Méjico. Pero a mediados de los 60 el filón se agotó. El actor rondaba los 20 años y ya no se le podía seguir haciéndole pasar por niño, pese a que su baja estatura siempre había sido su gran aliada, interpretando papeles de cuatro o cinco años menos de los que en realidad tenía. Además estaba lo del cambio de voz. Aunque seguía sabiendo entonar bastante bien los gorgoritos que le habían hecho ser considerado la mejor voz infantil del mundo desaparecieron y el niño prodigioso se convirtió en una especie de galán juvenil retaco y de aspecto extraño. Le cambiaron el repertorio de canciones para darle un toque más pop y en vez de buscar a sus progenitores, como hacía en casi todas sus películas de niño, se dedicó a buscar los amores de la jovencita de turno. Finalmente el propio Joselito decidió retirarse tras 18 películas y dos décadas de éxito.

En los años siguientes desapareció del mundo del espectáculo. A finales de los 80 volvió a reaparecer con escandalosas noticias en torno a él. Que si había sido mercenario en la guerra civil de Angola, que si traficante de drogas o armas, que si adicto a la cocaína… Aunque algunas de aquellas historias no eran totalmente verdad,  lo cierto es que Joselito acabó pasando cinco años en prisión por un episodio relacionado con sustancias prohibidas y una persecución policial en coche.

De la cárcel salió completamente rehabilitado. En los últimos años le hemos visto bastante en televisión en programas nostálgicos y del corazón. Fue, por ejemplo, uno de los supervivientes en el reality show de Telecinco y en el cine ha intervenido en pequeños papeles en películas como “Spanish movie” o “Torrente 4”. El cine y la música ya no son para él una profesión sino algo anecdótico. De vez en cuando canta en algún festival benéfico o en algún programa de televisión pero sabe que su época de gloria pasó hace ya varias décadas. Y esa sí, esa le pertenece por completo.

En nuestras “Conversaciones en clave de sol” charlamos con otro actor y cantante español: Fran Pera. Esta misma semana acaba de estrenar una nueva serie de televisión titulada “Luna, el misterio de Calenda”. También le hemos visto recientemente en la película “De tu ventana a la mía” y ha estado representando hasta hace unos meses por toda España la obra de teatro “Todos eran mis hijos”. Pero Fran Perea es también músico y cantante y este mes ha comenzado una gira por varias ciudades de nuestro país presentando su último disco: “Viejos conocidos”. De todo esto hablamos con él mientras escuchamos algunas de sus canciones.

Y no dejamos de hacer patria porque la banda sonora que os proponemos hoy corre a cargo también de un compositor español. Se trata de “Ira de titanes” de Javier Navarrete. Poco podía imaginar el compositor hace unos años cuando escribía bandas sonoras para las películas de Agustí Villaronga o Antonio Chavarrías, sus dos directores más habituales, que acabaría poniéndole música a una de las grandes superproducciones de Hollywood de este año. El punto de inflexión en la carrera de Navarrete llegó con su asociación con el director Guillermo del Toro con la música de “El espinazo del diablo” primero y de “El laberinto del fauno” después, partitura que le valió una nominación al Oscar. Tras ésta le empezaron a llegar muchas ofertas internacionales y en 2007 Navarrete decidió trasladar su residencia a Los Ángeles para trabajar allí. Desde entonces ha compuesto una decena de bandas sonoras para películas como “El camino del guerrero”, “The Hole 3D” o “Reflejos”, la mayoría de ellas películas relacionadas con el género fantástico. Quizá por ello, por haberse convertido en un especialista en estas lides, el director de “Ira de Titanes” le encargó este trabajo que significa el proyecto más importante, en cuanto a repercusión popular, de la carrera de Navarrete.

Era la película favorita de Wall-E, el robot solitario de la factoría Pixar que la ponía una y otra vez cuando volvía a casa después de recoger chatarra y hoy protagoniza nuestra sección “Los musicales”. Nos referimos a “Hello Dolly”. Ganó tres Oscar en 1969 y fue una de las películas más taquilleras de aquellos años. Tiene números musicales que han pasado a la historia, canciones que todo el mundo conoce, grandes decorados, un vestuario espectacular pero, sin embargo, lo que mas se recuerda cuando se habla de “Hello Dolly” son las peleas y discusiones que mantuvieron durante todo el rodaje sus principales protagonistas: Walter Matthau y Barbra Streisand. Os hemos preparado un reportaje en el que os lo contamos todo.

Y el estreno que destacamos esta semana de la programación de los canales TCM es “La pianista” de Michael Haneke, una cinta desasosegante e intensa sobre la relación entre una profesora de piano y un alumno suyo. “La pianista” habla de comportamientos neuróticos y de sadomasoquismo y de cómo por debajo de la dulzura de las notas musicales de Schumann o Schubert se esconden otro tipo de conductas más inquietantes. Sus protagonistas Isabelle Huppert y Benoit Maginel ganaron los premios de interpretación del festival de Cannes de 2001 y el film se llevó también el Gran Premio del Jurado.

Si os apetece ponerles música y sonido a todos estos contenidos la cita es la madrugada del sábado al domingo de 5 a 6 en Notas de cine de la Cadena SER

Richard Rodgers y Oscar Hammerstein son los más grandes autores del musical americano, tanto en los teatros de Broadway como en el cine. La revista Time Magazine los incluyó entre los 20 artistas más influyentes del siglo XX. Cada uno de ellos compuso a lo largo de su vida más de 900 canciones y su obra conjunta ha sido reconocida con 34 premios Tony; 15 Oscar y 2 Pulitzer. Casi nada. Comenzaron a  colaborar en 1943 en “Oklahoma”, un musical donde las canciones servían para hacer avanzar el argumento y no como una mera excusa entre diálogo y diálogo. Después vendrían arrolladores éxitos como “Carrusel”, “Al Sur del Pacífico”,  “Sonrisas y Lágrimas” o “El Rey yo”.

Oscar Hammerstein murió en 1960. La última canción que compuso fue “Edelweiss” que se incluyó a última hora en el montaje teatral de “Sonrisas y lágrimas”. Richard Rodgers falleció en 1979. Estos dos colosos de la música, del teatro y del cine son los protagonistas de nuestro “Libro Gordo” de esta semana. Sus obras se siguen representando año a año y sus canciones se siguen cantando, y no solo en teatros o en las pantallas de cine o de televisión, sino en lugares aparentemente tan alejados del género como un campo de fútbol. Así es el “You’ll never walk alone” que los seguidores del Liverpool entonan al comienzo de cada partido en su estadio fue compuesta por estos dos autores para “Carrusel”.

Esta semana las “Conversaciones en clave de Sol” están teñidas de sangre y vísceras. Nos visita Paco Plaza, el director de “REC3, Génesis” que se estrenó hace unas semanas con gran éxito. La Banda Sonora del film es obra de Mikel Salas pero En REC3 Paco Plaza también ha querido rendir un pequeño homenaje a grandes nombres del rock y del pop español. La acción de REC3 comienza en una boda, y en la celebración se escuchan canciones de Loquillo, M-Clan, o Coque Malla. También suena el “Eloise” de Tino Casal en una divertida escena en la que Leticia Dolera, la chica protagonista, agarra una sierra mecánica y se enfrenta a los “zombis” que han arruinado su “gran día”. La película además incluye un tema original de Iván Ferreiro, “Canción de Amor y muerte”, y en los títulos de crédito iniciales se oye el “Gavilán o Paloma” de Pablo Abraira. Un guiño que Paco Plaza ha querido tener con su colega de la saga REC, Jaume Balagueró, todo un experto en interpretar esta canción en los karaokes.

La banda sonora que os presentamos esta semana pertenece a John Carter, una superproducción que se acaba de estrenar y que se ha convertido en uno de los grandes fiascos de la temporada. Está basada en una serie de relatos escritos hace un siglo por Edgar Rice Burroughs, el creador de Tarzán y cuenta las aventuras de un veterano soldado de la Guerra Civil americana que es teletrasportado a Marte. La música corre a cargo de Michael Giacchino y no está nada mal.

El próximo 16 de abril se cumplirán 123 años del nacimiento de Charles Chaplin y para celebrar este aniversario, las noches de los sábados de este mes, TCM Autor va a emitir los 33 cortos y el largometraje que el genial cómico protagonizó y dirigió para la compañía Keystone en 1914 y que han sido restaurados por el British Film Institute. Títulos como “Charlot, periodista”; “Charlot hace cine”; “Charlot en el cabaret” o “Charlot, falso dentista”. En el programa de hoy os hablaremos de este inmortal vagabundo creado por Chaplin, un personaje que nació en 1914, mientras el actor trabajaba en la factoría de Mack Sennett. El cómico entró en el vestuario del estudio y cogió unos grandes pantalones, un viejo chaleco, un bombín y unas botas enormes. Por último se plantó en la cara un bigotillo y acompañó su andar con un bastón de caña. Charlot protagonizó más de setenta películas mudas pero cuando comenzaron las sonoras Chaplin comprendió que su vagabundo desaparecería junto con ese cine condenado también a morir. Y así fue.

Y de la programación semanal de TCM hoy destacamos “Vías Cruzadas” de Thomas McCarthy, una entrañable película, a medio camino entre el drama y la comedia, protagonizada por Peter Linklage, famoso ahora por su papel de Lord Tyrion Lannister en “Juego de Tronos”. En el film también podemos ver a Patricia Clarkson y a una joven Michelle Williams. “Vías Cruzadas” o “The Station Agent”, que es su título original, es la historia de un hombre que sufre enanismo y que está obsesionado con el mundo de los trenes. Un día un amigo le deja en herencia una vieja estación de ferrocarril abandonada que está en un pequeño pueblo de New Jersey.

Pues este es el resumen del programa. Nos podéis escuchar la próxima madrugada, de 5 a 6, o bajándoos el podcast. Esperamos que os guste. Hasta la semana que viene.

Con sabor y con acento. El capítulo de esta semana de nuestro enciclopédico “libro gordo de la música de cine” está dedicado a uno de las grandes estrellas de la canción francesa de todos los tiempos: Maurice Chevalier. Su voz era un poco áspera y como actor era más bien limitado pero poco a poco consiguió ser una de las figuras más famosas y queridas por el público galo hasta convertirse en todo un símbolo, un icono de la música popular del siglo XX.

Con su sombrero canotier, su bastón y su eterna sonrisa representaba la alegría de vivir, la diversión y también una cierta picardía y frivolidad. En el cine le recordamos sobre todo por papeles secundarios en comedias, musicales e incluso en el género de aventuras, reservándose siempre, eso sí, un pequeño hueco para interpretar alguna canción.

Chevalier nació en 1888 y empezó a actuar de niño como acróbata en un circo. A los dieciocho años comenzó su carrera musical acompañando por casinos y salas de fiesta a la cantante Mistinguett, una de las estrellas de la música francesa en las primeras décadas del siglo XX. Cuando estalló la Primera Guerra Mundial fue reclutado y cayó prisionero de los alemanes. Gracias a la intervención del rey Alfonso XIII fue liberado y al terminar la contienda continuó con éxito su carrera.

A Hollywood llegó a finales de la década de los 20 llamado por Ernst Lubitsch para participar en “El desfile del amor”. Posteriormente, de la mano de este director, intervendría en varias películas más como “La viuda alegre” o “El Teniente seductor”, en las que casi siempre hacía el mismo papel: un galán simpático y conquistador. Después de la Segunda Guerra Mundial fue acusado de colaboracionismo con los nazis y se le prohibió la entrada en los Estados Unidos. En un juicio fue declarado inocente y pudo así retomar su carrera.

En 1958 estrenó una de sus películas más conocidas, “Gigi” de Vincente Minnelli. Murió en 1972 con 83 años y aunque ya llevaba retirado del cine algún tiempo, continuó actuando prácticamente hasta los últimos días de su vida.

En las “Conversaciones en clave de Sol” de esta semana sentamos a nuestro lado a Nacho Vigalondo que acaba de estrenar su segunda película como director, “Extraterrestre”, protagonizada por Michelle Jenner, Julián Villagrán y Carlos Areces. Hemos charlado con él de la música de esta película pero también de su corto “7.35 de la mañana” que fue nominado al Oscar y que, recordemos, es un pequeño y sorprendente musical.

Y es que siempre que puede a Vigalondo le gusta incorporar canciones y números musicales a sus películas, cortos o a sus trabajos como publicista y no descarta rodar un musical en el futuro. Y eso que no se considera un experto sino alguien que ha tenido una educación musical desordenada y anárquica.

La banda sonora que os presentamos esta semana es “Los idus de Marzo” la cuarta película de George Clooney como director, protagonizada por él mismo y por Ryan Gosling, y que ha sido compuesta por el prolífico Alexandre Desplat, un compositor inagotable que en el último año ha trabajado en títulos como “El árbol de la vida”, “Harry Potter y las reliquias de la muerte”, “Un dios salvaje”, “Tan fuerte, tan cerca” y alguna otra más.

Para “Los Idus de marzo”, una historia ambientada en las elecciones primarias norteamericanas, Desplat ha compuesto una banda sonora que va envolviendo las imágenes, eso sí sin hacerse notar demasiado, pero haciéndose cada vez más y más intensa cuando las intrigas políticas y personales de la trama se van agudizando.

La película musical de esta semana transcurre en el viejo oeste, en una ciudad que no tiene nombre pero en donde se ha encontrado oro. Es “La leyenda de la ciudad sin nombre” que Joshua Logan dirigió en 1969 protagonizada por Lee Marvin, Clint Eastwood y Jean Seberg.

“La Leyenda de la Ciudad sin Nombre” o “Paint your Wagon”, que ese es su título original, era un viejo musical que se estrenó en Broadway en 1951, un proyecto que tenía Louis B. Mayer y que no pudo llevarlo a las pantallas. Su tema más conocido es “Wand’rin Star” que cantaba, o más bien susurraba, la voz ronca,  cascada y personalísima de Lee Marvin.

Y de la programación de los canales TCM de esta semana destacamos “Caramel”, la primera película de la directora libanesa Nadine Labaki, que ahora mismo tiene en las pantallas su segundo film: “Y ahora adónde vamos”. Caramel es la historia de cinco amigas de distintas edades, religiones y condición social que se reúnen en un salón de belleza en Beirut.

Esperamos que el programa de esta semana os deje un sabor dulce, como el del caramelo al que se refiere el título de la película de Nadine Labaki. Ya sabéis que podéis escucharlo el próximo domingo, de cinco a seis de la mañana, o bajándolo en cualquier momento del correspondiente podcast.

Un saludo y hasta la semana que viene

John Williams: “Steven es, mucho más incluso que yo, un gran amante de la música. Alguna vez, cuando estoy grabando en el estudio, él viene y no importa qué música estemos tocando o de que película sea, suya o de otro director. Se sienta lo más cerca posible del podium y se deja invadir por el sonido de la orquesta. Le encanta. Es como si pagara una entrada para un concierto.”

Hace 40 años un joven director llamado Steven Spielberg que aún no había cumplido los treinta años le pidió al compositor John Williams que escribiera la música para su película “Loca evasión”. Williams era ya un músico de cine consagrado que incluso había ganado un Oscar y solía atender a proyectos mucho más importantes que el que aquel novato barbudo le proponía. Pero al compositor le gustó la forma de expresarse del director, vio la ilusión en sus ojos, adivinó su talento y decidió aceptar el trabajo. Comenzaba así una de las relaciones músico-director más fecundas y largas de la historia ya que abarca cuatro décadas y ha dado a la música cinematográfica un buen montón de obras inolvidables. “Creo que las películas de Steven tienen proporcionalmente mucha más música que las de la mayoría de sus colegas” – continúa Williams – “Y yo creo que fundamentalmente es porque Spielberg se siente muy a gusto con la música. Si tú ves las últimas películas de Martin Ritt, con el que yo trabajé, te das cuenta de que Martin era un hombre que venía del teatro y se sentía incómodo con el sonido de una orquesta por debajo de las escenas y por eso no utilizaba mucha música. Steven ama la música, como dije antes, confía en ella y eso me ha hecho a mí muy afortunado. Me ha dado la oportunidad de contribuir a su arte como cineasta, probablemente mucho más que a ninguna otra persona.”

En nuestras “Conversaciones en clave de sol” de esta semana resumimos un documental titulado “El arte de la colaboración: Steven Spielberg y John Williams” que el canal TCM emite en exclusiva este domingo y en el que se analiza el trabajo conjunto. En él podemos escuchar en la voz de sus dos protagonistas muchas anécdotas sobre la música de películas como la saga Indiana Jones, “ET el extraterrestre”, “Salvar al soldado Ryan”, “La lista de Schindler” o “Tiburón”: “John me invitó a su casa” – cuenta Spielberg – “me llevó al cuarto de estar y me sentó junto a su piano para que escuchara los primeros acordes de “Tiburón”. Empezó a tocar tan solo con dos dedos e hizo algo así como… tan-tan. Y se paró, mirándome sonriente. Yo trataba de sonreír también porque sabía que John tiene un gran sentido del humor y aquello parecía una broma. Luego continuó: tan-tan-tan-tan. Y se volvió a parar. Yo ya estaba nervioso, con el corazón a tope y de pronto siguió: tan-tan-tan-tan-tan-tan-tan… Era exactamente el tiburón acechando a su víctima.”

Además de a John Williams, en el programa de esta semana vamos a dedicar un amplio espació a otro compositor clásico, el francés Michel Legrand, protagonista del capítulo de nuestro “Libro gordo de la música de cine”. Acaba de cumplir 80 años y con tal motivo se han editado varios recopilatorios que recogen la esencia de su extensa carrera, no sólo como músico de cine sino en otras de sus muchas vertientes: la canción francesa, el pop, el jazz, la música sinfónica o las colaboraciones con toda clase de artistas.

Michel Legrand ha compuesto más de 200 bandas sonoras, ha ganado 3 Oscar y 5 Grammys, es autor de musicales clásicos de la historia del cine como “Yentl” o “Los paraguas de Cherburgo” y se le considera uno de los grandes melodistas del siglo XX. Aunque a lo largo de su carrera nos ha brindado partituras de toda clase su especialidad son los temas románticos con los que mejor ha conectado con el público. Bandas sonoras como “Verano del 42”, “El caso Thomas Crown” con el inolvidable tema “The windmills of your mind” o “El mensajero”. En el programa vamos a escuchar estas y otras muchas melodías suyas, al tiempo que repasamos su trayectoria.

Una buena porción del programa está dedicada a la música de Oriente Próximo. En primer lugar vamos a escuchar la banda sonora de la película libanesa “Y ahora a dónde vamos” que tenéis en las carteleras. Es el segundo film de la directora Nadine Labaki que hace unos años dejó muy buen sabor de boca con “Caramel”, el largometraje que marcó su debut. Esta vez nos cuenta una historia ambientada en un pueblo donde conviven musulmanes y cristianos y donde poco a poco va aumentando el clima de enfrentamiento entre ellos. La música trata de armonizar ese punto de encuentro entre culturas y religiones que propone la película y, como ya ocurriera en “Caramel”, es obra del músico libanés Khaled Mouzanar, compañero sentimental de la directora. Además de la música incidental Mouzanar ha compuesto una serie de canciones que se traducen en números musicales que dan a la película un tono más alegre y optimista.

El otro acercamiento a las músicas de Oriente Próximo lo hacemos a través de “El violinista en el tejado” la película que analizamos hoy en nuestra sección dedicada al cine musical. Aunque la acción del film transcurre en Rusia está llena de canciones y melodías de inspiración hebrea. La película fue un gran éxito en todo el mundo en el año 1971 y su banda sonora no le fue a la zaga. En especial el tema que cantaba el protagonista, Topol: “If I were a rich man”, aquél “si yo fuera rico” que todos hemos tarareado en alguna ocasión.

Y entre los clásicos que todas las semanas elegimos de la programación de los canales TCM hoy tenemos una de las mejores películas de todos los tiempos. Siempre que me han preguntado por mi película favorita he dicho que era ésta: “Vértigo” de Alfred Hitchcock. Probablemente hay guiones que me gustan más, interpretaciones de los protagonistas que son mejores o trabajo de dirección que la supera, pero el conjunto que forma “Vértigo” para mí es incomparable. Una auténtica película de suspense sin sobresaltos ni efectismos y una historia romántica turbadora como pocas. Y qué decir de la banda sonora que compuso Bernard Herrmann, uno de los grandes hitos de la música de cine que incluye el controvertido tema de amor que “The artist” ha utilizado este año provocando las iras de la buena de Kim Novak. Por cierto, nunca estuvo más guapa que en esta película ni Jimmy Stewart tan intenso como en este film dirigido por el genio del suspense.

La cita es como siempre, la madrugada del sábado al domingo de 5 a 6. A pesar del cambio de hora no nos afecta aunque, obviamente tendréis que trasnochar o dormir una hora menos ya que los relojes se adelantan a las 2. Si os viene mal ya sabéis que también os podéis descargar el audio en la web de cadenaser.com. A menos que a alguien se le olvide subirlo que también pasa.

El capítulo de esta semana de nuestro “Libro gordo de la música de cine” tiene un inconfundible olor a cloro porque es en las piscinas y en las aguas donde se desarrolló buena parte de la carrera de nuestra protagonista, la actriz Esther Williams, que con sus números y coreografías acuáticas se convirtió en la precursora de lo que hoy conocemos como natación sincronizada.

Esther Jane Williams nació en agosto de 1921 en Los Ángeles y desde pequeña fue una gran nadadora. Con 16 años fue campeona nacional en Estados Unidos y estuvo seleccionada para participar en los Juegos Olímpicos de 1940 que se iban a celebrar en Helsinki pero la Guerra Mundial lo impidió y Esther se retiró del deporte y se dedicó al mundo del espectáculo.

Su primera aparición en las pantallas, un pequeño papel en uno de los filmes de la serie de Andrés Harvey, protagonizada por Mickey Rooney,  no pasó desapercibida, y dos años después protagonizaría la película que la convirtió en estrella: “Escuela de siernas”, la primera que se hizo, además, en Technicolor. A partir de entonces recibiría el sobrenombre de “Sirena de América”, un mote que al parecer le puso el mismísimo Clark Gable.

En los años siguientes protagonizaría más de veinte títulos entre ellos “La hija de Neptuno”, “La primera sirena”, “Fiesta brava” o “En una isla contigo”. Esther Williams se convirtió en el centro de un mundo de fantasías acuáticas, incluso bailó con los personajes de animación Tom y Jerry en “Peligrosa cuando se moja”.

Otro de los invitados en el programa de esta semana es Emilio Martínez Lázaro que acaba de estrenar su última película, “La montaña rusa”, una comedia protagonizada por Ernesto Alterio, Verónica Sánchez y Alberto San Juan. En las películas de Emilio Martínez Lázaro siempre hay muchas referencias musicales. En “La montaña rusa”, por ejemplo, Verónica Sánchez interpreta a una violinista y Ara Malikian, uno de los más famosos violinistas del momento, tiene un papel secundario. Pero también nos encontramos esos momentos musicales en películas como “Lulú de noche”, “Los peores años de nuestra vida”, con Gabino Diego cantando a lo Frank Sinatra y, por descontado, en “El otro lado de la cama” y “Los Dos lados de la cama”. Hemos querido que Emilio Martínez Lázaro nos explicara todo esto y hemos descubierto que él mismo se define como un músico frustrado, que toca bastante bien la harmónica y la guitarra y que ahora mismo está aprendiendo a tocar el saxo. Y por supuesto nos ha hablado de su músico de cine preferido y con el que suele trabajar en las bandas sonoras de sus películas: el compositor Roque Baños, que ganó su primer Goya precisamente con un largometraje de Martínez Lázaro, “Las trece rosas”.

Escucharemos también la banda sonora de una película que acaba de llegar a las carteleras: “Intocable”, un film francés que ha sido todo un éxito en su país, llegando a ser el cuarto más taquillero de toda la historia del cine galo. Se trata de la relación entre un millonario que ha quedado parapléjico, papel que interpreta François Cluzzet, y la persona que le tiene que cuidar, al que da vida el actor Omar Sy. La música de la película refleja perfectamente su argumento: dos personajes totalmente opuestos en gustos y motivaciones, sin nada en común pero que, sin embargo, consiguen entenderse y aprender el uno del otro.

El musical del que os hablamos hoy está protagonizado por el personaje más conocido de las letras españolas: Don Quijote. Se trata de “El Hombre de La Mancha” que se estrenó en Broadway en noviembre de 1965 con música de Mitch Leight y letras de Joe Daron y que dio su salto al cine en 1972, dirigido por Arthur Hiller, el de Love Story, y protagonizado por Peter O’Toole y Sophia Loren. Un musical que tiene números tan famosos como “The imposible dream” del que se han hecho decenas de versiones.

Y la película que destacamos esta semana de la programación de los canales TCM no puede estar más de actualidad, y eso que se estrenó en 1957. Se trata de “El príncipe y la corista” protagonizada por Laurence Olivier y Marilyn Monroe. Y decimos que está de actualidad porque el film “Mi semana con Marilyn”, protagonizado por Michelle Williams y de cuya banda sonora os hablamos hace algunas semanas, recrea su problemático rodaje y una historia de amor que la estrella mantuvo con un joven ayudante de producción.

Todo esto, como siempre, lo podéis encontrar en Notas de cine el domingo a las 5 de la mañana o bien en nuestro podcast. Esperamos que el programa os guste. Hasta la semana que viene.

El canadiense Howard Shore es, desde hace tres décadas, uno de los mayores talentos de la música cinematográfica actual. Algunos le identifican como el compositor fetiche del director David Cronenberg; otros como el músico de las últimas películas de Scorsese pero para casi todo el mundo siempre será el compositor de la trilogía de “El señor de los anillos”. El hombre que con su música contribuyó a hacer de esta saga una de las más premiadas y recordadas de la historia.

Howard Shore nació hace 65 años en Toronto. Sus primeros pasos como músico los dio tocando el saxo y la trompeta en la banda de jazz-rock Lighthouse. Entre 1975 y 1980 fue el director musical de uno de los programas de humor más famosos de la tele americana, el “Saturday night live” y, entre otras cosas, lanzó la carrera musical del dúo que formaban dos de los actores integrantes del programa: John Belushi y Dan Aykroid, a quienes él mismo sugirió el nombre de Blues Brothers.

Pero por aquellas fechas también, un amigo canadiense le propuso componer la banda sonora de su película y aquello acabó definiendo su vocación. La película era “Cromosoma 3” y el director David Cronenberg. Comenzaba así una asociación que llega hasta el presente y en la Shore ha compuesto todas las bandas sonoras del director excepto una. La buena mano para los temas oscuros del músico que ambientaban las truculentas historias del director hizo que los grandes estudios se fijaran en él para encargarle la música de “El silencio de los corderos”, lo que acabó lanzando definitivamente su carrera. Howard Shore creó para la película una banda sonora inquietante pero dotada además de un gran dramatismo. De hecho creó escuela en la música para los thrillers de psicópatas, hasta entonces dominada por los golpes de efecto y los sonidos chirriantes más que por la creación de ambientes angustiosos. Muchos siguieron su estela a partir de entonces y él mismo volvería a practicar ese estilo en otras películas como “Mujer blanca soltera busca” o “Seven”.

Pero el encasillamiento de Shore en películas de terror y suspense sólo era aparente. Durante los años 90 compuso bandas sonoras muy variadas. Comedias como “Señora Doubtfire” o “Una terapia peligrosa”, dramas como “Filadelfia” e incluso consiguió que el director Tim Burton abandonara por primera y única vez a su inseparable Danny Elfman para encargarle la banda sonora de “Ed Wood”.

Sin embargo, la cumbre de su carrera, hasta el momento, llegó el día en que Peter Jackson le propuso componer la música de su trilogía de “El señor de los anillos”, sorprendiendo a los aficionados a la banda sonora que pensaban que el director apostaría por compositores más épicos como John Williams o James Horner. Howard Shore no le defraudó. Inspirándose en Wagner en muchos pasajes, con una maravillosa utilización de los coros, ofreció una trilogía musical grandiosa en la que había de todo: acción y  épica pero también música ensoñadora y dulce. Gracias a la trilogía del anillo el músico ganó tres Oscar, dos a la mejor partitura y uno a la mejor canción por el tema “Into the West” de “El retorno del rey”.

Durante varios años realizaría una gira mundial interpretando en directo una adaptación sinfónica de la música de la trilogía pero en lo que va de siglo Howard Shore ha destacado también por sus colaboraciones con Martin Scorsese que le ha convertido en su compositor habitual, encargándole la música de sus cinco últimas películas. Gracias a “El aviador”, por ejemplo, ganó el Globo de Oro y hace unas semanas compitió por el Oscar con la música de la última del director neoyorquino, “La invención de Hugo”. En estos momentos trabaja en la banda sonora de “El hobbit”, la película que dirigirá Peter Jackson y que supondrá la vuelta de los dos al mundo de Tolkien. En el programa de esta semana repasamos con más detalle la carrera de Howard Shore y escuchamos algunas de sus melodías más conocidas.

Esta semana se ha estrenado la película española “De tu ventana a la mía” con Maribel Verdú, Leticia Dolera y Luisa Gavasa de protagonistas. Hemos charlado con su directora, la debutante Paula Ortiz, para que nos hable de las canciones del film que juegan en él un papel muy importante. En esa banda sonora hay curiosidades como cantos gregorianos de mujeres o el tema “Debajo del limón” que fue candidata este año al Goya a la mejor canción.

También curiosa resulta la banda sonora que os presentamos esta semana en nuestra sección “Música de estreno”. Y decimos curiosa porque ha sido compuesta para una película creada hace ahora 110 años. Se trata de “El viaje a la luna” del pionero del cine Georges Méliès, en torno al cual gira el argumento de “La invención de Hugo” de Scorsese. El francés Méliès fue primer cineasta que entendió las posibilidades creativas del nuevo arte llenando sus películas de trucajes y fantasías. Fue también el creador de la ciencia-ficción en el cine. En 1902 rodó “El viaje a la luna” cuya escena del cohete incrustado en el ojo del satélite se convirtió en la primera imagen clásica del Séptimo Arte. Hace unos años fue descubierta en la filmoteca de Cataluña una copia coloreada a mano de su película que todo el mundo creía perdida. La cinta fue restaurada y exhibida en el último festival de Cannes pero los productores creían que había que darle un toque especial a este tesoro cinematográfico y pensaron en añadirle una nueva banda sonora, trabajo que le fue encomendado al dúo francés de techno-pop Air.

Esta semana en nuestra sección “Los musicales” nos ocupamos de una de las mejores películas del género de todos los tiempos: “Cabaret” de Bob Fosse. Todos conocéis las canciones de este musical tan singular en el que se tratan temas serios muy poco habituales en el género como el ascenso del nazismo, la homosexualidad o el aborto. Volveremos a escuchar esas canciones y os explicaremos las curiosidades de la película y su rodaje.

Y en la película que destacamos de la programación de los canales TCM tenemos otro clásico: “Rebeca” de Alfred Hitchcock. En el programa de esta semana regresamos a Manderley para contaros todo lo que sabemos de esta película al tiempo que escuchamos la hermosa melodía que Franz Waxman compuso para su banda sonora.

La cita con “Notas de cine” es, como siempre, en la SER, en la madrugada del sábado al domingo de 5 a 6 y a partir del lunes en los podcast de cadenaser.com.