La Voz de Blancanieves

Por Antonio Martínez

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Macarena García es la Blancanieves muda que ha dirigido Pablo Berger y que podemos ver estos días en las pantallas españolas. Por este trabajo, lleno de expresividad y de emoción, esta joven actriz madrileña ganó la Concha de Plata a la mejor actriz en el pasado Festival de Cine de San Sebastián. Hoy en nuestro programa, Macarena García deja a un lado su obligado silencio para sentarse en el sofá de las “conversaciones” y charlar de su vida y de su carrera.

Nos ha contado, por ejemplo, que la música y el baile fueron, desde niña, sus dos grandes aficiones y que se conoce prácticamente entero el repertorio de Mecano gracias a que su madre ponía sus discos a todas horas. Con trece años participó en un musical titulado “En nombre de la Infanta Carlota” y tiempo después en una versión teatral del famoso “High School Musical”. Metida ya de lleno en el mundo de la actuación la hemos podido ver en series de televisión como “Luna, el misterio de Calenda”, “Amar en tiempos revueltos”, “Hospital Central” y varias otras más.

De su papel en “Blancanieves” nos ha dicho que la banda sonora del film es la auténtica voz de los protagonistas. “No es realmente una película muda. Las melodías son muy descriptivas e ilustran perfectamente cuáles son nuestros estados de ánimo. De hecho la música se compuso una vez que la película estuviera ya montada”, nos ha explicado.

Durante los rodajes Macarena García utiliza la música para llegar al preciso estado de ánimo que necesita su personaje en cada escena. Se pone distintos temas en su reproductor y se concentra hasta tal punto que, en más de una ocasión, le han tenido que gritar para que salga de su ensimismamiento, se quite los cascos, y se incorpore a la grabación.

En casa le gusta escuchar grupos como 84, Pereza, The Jayhawks o solistas como Julieta Venegas y Norah Jones. Confiesa que su sueño es poder hacer algún día una film musical como “Moulin Rouge!” en donde pueda cantar, bailar y actuar. Pero a sus 24 años no tiene prisa, le queda toda una carrera por delante y muchas cosas aún que aprender.

Abrimos esta semana el “libro gordo de la música de cine” por el capítulo dedicado a Evángelos Odiseas Papathanassiou, o sea, Vangelis, el músico griego que después de Giorgio Moroder impulsó definitivamente el sintetizador en la música de cine. Es cierto que Vangelis no ha compuesto demasiadas bandas sonoras a lo largo de su carrera pero su influencia ha sido decisiva precisamente porque gracias a este instrumento ha creado toda una serie de melodías envolventes y sugerentes que han quedado grabadas en la mente de los espectadores.

Vangelis es un hombre introvertido y un poco enigmático. No concede muchas entrevistas y trabaja solo. Él mismo compone, arregla e interpreta con sus instrumentos la mayoría de sus obras. No lee los guiones de las películas que le encargan musicalizar sino que va improvisando en su teclado, viendo las imágenes que le manda el director.

Reconoce que nunca ha estudiado en conservatorios o escuelas de música. Aprendió a tocar el piano de forma autodidacta a los cuatro años y con dieciocho, a mediados de los sesenta, formó un grupo pop llamado The Forminx con el que consiguió varios éxitos en su país natal. Tras el golpe de estado de “los coroneles” se exilió en París en donde junto a otro ilustre griego, Demis Roussos, formó otra banda llamada The Aphrodite’s Child con la que grabó tres álbumes hasta 1970.

A partir de entonces comenzó una carrera en solitario, experimentando con música electrónica y sintetizadores, un camino que le llevaría poco a poco al mundo del cine. Y así, en 1981 llegó su gran éxito, “Carros de Fuego”, por la que ganó el Oscar a la mejor banda sonora. Después vendrían algunos de sus mejores trabajos como “Blade Runner” o “Missing”. Poco a poco su trabajo en las pantallas se fue espaciando hasta que a comienzos de los años 90 Ridley Scott volvió a llamarle para que compusiera la música de “1492, la conquista del paraíso”.

Vangelis, con su música atmosférica que intenta transportar a los oyentes a otros mundos, ha dejado una profunda huella en la música de cine los últimos treinta años. Una estela que puede encontrarse incluso en el espacio exterior porque la Unión Astronómica Internacional puso su nombre a un asteroide.

Escucharemos la banda sonora que el músico Javier Navarrete compuso para el film televisivo “Hemingway & Gellhorn”, por la que ganó hace unas semanas un premio Emmy. Se trata de una película, protagonizada por Clive Owen y Nicvole Kidman, que cuenta la tormentosa relación entre el famoso escritor norteamericano Ernst Hemingway y su segunda esposa, la reportera Martha Gellhorn. La historia transcurre durante los años de nuestra Guerra Civil por lo que a lo largo del largometraje nos encontramos con muchos temas de inspiración española.

Javier Navarrete comenzó su carrera hace unas décadas componiendo fundamentalmente para dos directores: Agustí Villaronga y Antonio Chavarrías. Más tarde, recomendado por Alberto Iglesias, inició su relación con Guillermo del Toro con el que trabajó en El espinazo del diablo y El Laberinto del fauno. Esta última banda sonora fue un punto de inflexión en su trayectoria. Consiguió una nominación al Oscar que le abrió de par en par las puertas del cine de Hollywood. Este año, sin ir más lejos, hemos podido escuchar su música en el film “Ira de Titanes”.

El largometraje musical que hoy recordamos es uno de los grandes hitos del género. Se trata de “West Side Story”, dirigido en 1961 por Robert Wise y protagonizado por Natalie Wood y Richard Beymer. El film está basado en la obra de Broadway del mismo título de la que son autores el compositor Leonard Bernstein y el coreógrafo Jerome Robbins, con libreto de Stephen Sondheim, Es una versión del inmortal “Romeo y Julieta” de William Shakespeare pero trasladado a las calles de Manhattan en los años 50 con las peleas entre bandas de blancos y portorriqueños como telón de fondo. La película ganó 10 Oscar, entre ellos dos para sus actores de reparto, Rita Moreno y George Chakiris.

“West Side Story”, con números románticos como “María” o “Tonight” y otros llenos de vibrantes ritmos latinos como “América”, ha cautivado a lo largo de medio siglo a varias generaciones y sin duda seguirá haciéndolo durante muchos años más. Es lo que tienen las obras maestras.

Y la película que destacamos de la programación de TCM también se hizo célebre por su música. Se trata de “Orfeo Negro” que el director francés Marcel Camus dirigió en 1959. Se trata de una versión del mito griego de Orfeo y Eurídice pero trasladado a la ciudad brasileña de Río de Janeiro en plena fiestas de carnaval, una historia basada en una obra teatral escrita por el poeta y músico Vinícius de Moraes.

“Orfeo Negro” fue un film muy popular en su tiempo y contribuyó a que la música brasileña se hiciera famosa en todo el mundo. Antonio Carlos Jobim y Luis Bonfá son los autores respectivos de los dos temas principales de la banda sonora: “A felicidade” y “Manhã de Carnaval”, que se han convertido en clásicos de la bossa nova. Además la película ganó la Palma de Oro en el Festival de Cannes de 1959 y el Oscar a la mejor película extranjera un año después.

Esto es todo. Os recordamos que Notas de cine comienza a las cinco de la madrugada pero que el lunes, si no podéis oírlo, os podéis descargar el programa de las páginas web cadenaser.com y canaltcm.com.

Esperamos que os guste.  Hasta la semana que viene.