La actriz de los 500 taconeos por minuto

Por Antonio Martínez

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Ese era su récord. Ann Miller era la más rápida bailando, capaz de realizar 500 taconeos de claqué por minuto. Quizá haya sido, junto a Eleanor Powell y Cyd Charisse, una de las mejores bailarinas del cine musical clásico, razón más que suficiente para que la incluyamos en nuestro “libro gordo de la música de cine”. Pocas veces en su carrera fue la protagonista principal de una película pero sus números musicales aparecen siempre en las antologías de lo mejor del género.

Ann Miller nació en Houston, Texas, en 1923. Era hija de un famoso abogado, el hombre que defendió a Bonnie y Clyde o el gánster “Cara de niño Nelson”. Empezó a bailar desde muy pequeña para fortalecer las piernas ya que padecía raquitismo y así se convirtió en una niña prodigio de la danza. Gracias al cómico Benny Rubin comenzó a trabajar en la RKO.

Intervino en títulos como “Damas del teatro”, “El Hotel de los líos” junto a los Hermanos Marx o “Vive como quieras” de Frank Capra.  Además Ann Miller pudo demostrar lo bien que bailaba en numerosos musicales de serie B que rodó para la Columbia en la primera mitad de los años 40. Películas como “La cantinera del batallón” o “La canción del amanecer”. Su mejor época llegaría a partir de 1946 cuando fue fichada por la Metro, el estudio por excelencia de los musicales. Su primer gran éxito fue “Desfile de Pascua” donde pudo bailar al lado de Fred Astaire. Después vendría “Un día en Nueva York” en donde interpretaba a una de las tres chicas que seducían a los marineros en su día de permiso en la ciudad. Ella era esa antropóloga que trabajaba en el museo de Ciencias Naturales y que cantaba uno de los temas más conocidos del film: Prehistoric Man.

Su etapa en la Metro le proporcionaría otros muchos éxitos como “El amor nació en Paris” o “Luces de Broadway” pero su película favorita era, sin duda, “Bésame Kate” en la que cantaba y bailaba canciones de Cole Porter. Con el declive del cine musical clásico su carrera se vio muy afectada. Podía haber intentado otro tipo de papeles cómicos o dramáticos ya que era una excelente actriz, pero ella siempre se vio vinculada al cine musical y decidió abandonar el cine. Siguió trabajando regularmente tanto en televisión como en el teatro musical. Su carrera sobre los escenarios fue larga. En 1979 por ejemplo, con 56 años de edad, obtuvo un gran éxito con el musical “Sugar Babies” al lado de Mickey Rooney.

En el año 2001, después de más de 40 años apartada del cine, aceptó la oferta de David Lynch para interpretar un papel en la película “Mullholland Drive”. Daba vida a la casera del piso donde vive Naomi Watts. Tres años después Ann Miller fallecía de un cáncer de pulmón. Desaparecía una actriz muy querida por el público y que se sentía orgullosa de haber formado parte del Hollywood dorado. Sus zapatos de baile, a los que ella llamaba cariñosamente Moe y Joe, se pueden ver dentro de una vitrina de honor en el Museo de la Fundación Smithsonian de Washington.

Esta semana hemos invitado a hablar de música de cine a la directora Gracia Querejeta. Hace una semana se estrenó “15 años y un día”, su última película que está protagonizada por Maribel Verdú y Tito Valverde. La música de este film está compuesta por el malagueño Pablo Salinas que por este trabajo ganó el premio a la mejor banda sonora en el pasado Festival de Málaga.

Hemos aprovechado esta charla para hablar de la música que ha acompañado a otras de sus películas como “Cuando vuelvas a mi lado” o “El último viaje de Robert Rylands” compuestas por Angel Illarramendi.

Dentro de unas semanas llegará a nuestras carteleras “Star Trek, en la oscuridad”, la nueva película de la famosa saga galáctica que J.J. Abrahams reinició hace unos años. Nosotros como pequeño anticipo de este esperado film os vamos a hablar y a poner algunos temas de la banda sonora que ha sido compuesta por Michael Giacchino.

“Star Trek, en la oscuridad”  es una banda sonora de corte clásico en la que se mezcla la música de aventuras, intensa y energética, con temas más oscuros y emotivos en consonancia con la historia, en la que el balance entre el drama y la acción está muy equilibrado. Michael Giacchino ha resuelto de manera sobresaliente el compromiso de ambientar la nueva aventura de Star Trek. Y si ya estaba bien situado para ser el compositor de las nuevas entregas de “La Guerra de las Galaxias”, que también dirigirá Abrahams, con esta “Star Trek, en la oscuridad” aumentan aún más sus posibilidades.

La película musical de esta semana es “Magnolia” (Show Boat), la versión que en 1951 dirigió George Sidney basándose en la obra de Jerome Kern y Oscar Hammerstein II y que cuenta la historia de los miembros de un teatro flotante que surca el río Mississippi a lo largo de los años.  Está protagonizada por Howard Keel, Kathryn Grayson y Ava Gadner. Ava se preparó a fondo para el papel dando clases de canto ya que tenía que interpretar un par de números musicales. Llegó a grabar las canciones pero, al final, sin que ella lo supiera, fue doblada por la cantante Anne Warren, algo que la actriz nunca perdonó al director George Sidney. La canción más recordada del musical es el famoso “Old Man River” que interpreta el barítono William Warfield.

El pasado viernes, 14 de junio, se cumplieron 85 años del nacimiento del “Che” Guevara y el canal TCM Autor ha querido recordar este aniversario emitiendo la tarde del domingo las dos partes del “biopic” que el director Steven Soderbergh realizó en 2008, “Che: el argentino” y “Che: guerrilla”, protagonizadas por Benicio del Toro. La primera parte de esta biografía filmada se centra en el encuentro del “Che” en México con los hermanos Castro y su lucha en Cuba. La segunda cuenta la última etapa de su vida, su estancia en Bolivia y su muerte.

Siete años tardó el director Steven Soderbergh en desarrollar todo el proyecto al que puso música el compositor Alberto Iglesias. Por su este papel Benicio del Toro ganó el Goya al mejor actor y el premio de interpretación en el Festival de Cannes.

Esto solo es un resumen de los contenidos. El programa, como siempre, lo podéis escuchar en la madrugada del domingo, a partir de las cinco, y desde el lunes lo tenéis colgado en las páginas web cadenaser.com y canaltcm.com

Un saludo y hasta la semana que viene

Adiós a la sirena del cine musical

Por Antonio Martínez

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Esta semana se nos ha ido Esther Williams y aunque hace tiempo ya le dedicamos un capítulo especial en nuestro programa, hemos querido volver a recordar su figura y trayectoria a modo de homenaje. Esther Williams fue la única estrella de la historia que por si misma creó un estilo cinematográfico: el musical acuático. Un subgénero del cine musical del que fue protagonista exclusiva y que, de hecho, desapareció el día en que ella abandonó las pantallas. Su escenario natural era la piscina donde Esther era el centro de fastuosas coreografías acuáticas de las cuales emergía siempre espléndida, como una diosa de las aguas.

Desde muy pequeña se sintió atraída por el agua. Como su familia era muy modesta y no podía inscribirla en un club de natación, su padre le buscó un trabajo en el servicio de toallas de una piscina. A cambio de trabajar podía entrenar allí y en poco tiempo se convirtió en una auténtica campeona. Antes de cumplir los dieciséis ya había ganado tres campeonatos nacionales y batido varios récords. Fue seleccionada como parte del equipo estadounidense que debía acudir a los Juegos Olímpicos de Helsinki de 1940 pero, al estallar la Segunda Guerra Mundial, la cita olímpica fue cancelada y su sueño de ser una gran nadadora quedó frustrado.

O a lo mejor es que el destino le tenía reservado otro papel estelar en la vida. Ese año se celebraba en San Francisco la Feria Mundial Acuática y Esther Williams fue contratada para participar en un espectáculo. En él coincidió con el también nadador olímpico Johnny Weissmuller, muy famoso por entonces gracias a su personaje de Tarzán en las pantallas. Y fue entonces cuando un ejecutivo de la Metro, que había ido a saludarle, se fijó en la chica y propuso al estudio su fichaje.

Antes de ponerla frente a las cámaras la Metro empezó a prepararla con clases de interpretación, baile y canto y la lanzó como pin-up. Su imagen en bañador se hizo célebre en calendarios, anuncios y revistas. En 1942, por fin, la hicieron debutar en el cine en una de las películas de la saga de “Andrés Harvey” que protagonizaba Mickey Rooney. Era un papel minúsculo pero resultaba difícil pasar por alto a aquella belleza en bañador que se lanzaba a la piscina y besaba bajo el agua a Mickey, en la que habría de ser la primera de muchas escenas submarinas de la actriz.

Con su tercera película los ejecutivos decidieron que había llegado el momento de lanzarla como gran estrella. “Escuela de sirenas” fue el primer musical rodado en tecnicolor, una comedia romántica en la que ella interpretaba a una profesora y el cómico Red Skelton a un compositor de canciones. La película fue un éxito apoteósico colocándose como el segundo film más taquillero de la historia de la Metro hasta entonces, tras “Lo que el viento se llevó”. El público se volvió loco con la nueva estrella y fue su compañero de estudio Clark Gable quien la bautizó con su apodo: La sirena de América, así sería conocida a partir de entonces Esther Williams.

En los años siguientes la actriz protagonizaría más de 20 películas, la mayoría de ellas comedias musicales con escenas acuáticas: “La hija de Neptuno”, “La primera sirena”, “Fiesta brava”, “En una isla contigo”… eran películas de evasión que hoy en día resultan bastante bobaliconas, casi siempre en torno a un conflicto amoroso con el galán de turno y en escenarios coloristas.

También participó en algunas películas sin agua como “Llévame al partido” junto a Gene Kelly. Pero lo suyo de verdad era la piscina. Espectaculares ballets acuáticos llenaban sus films. Escenas submarinas, saltos de trampolín o esquí acuático entre fuegos artificiales, luces de colores y cascadas. La Metro no escatimaba presupuesto en crear los escenarios más sugerentes y las coreografías más deslumbrantes. Si Gene Kelly había bailado con Tom y Jerry en “Levando anclas”, Esther nadaría con ellos bajo el agua en “Peligrosa cuando se moja”.

La propia Esther Williams diseñaba muchos de sus ballets. Era un trabajo duro que le obligaba a pasar muchas horas del día ensayando. El público nada sabía de los percances que a veces sufría la estrella. Tímpanos dañados, lesiones, accidentes… o aquella vez que incluso estuvo a punto de morir ahogada durante el rodaje de una escena submarina.

Además, la actriz se esforzaba mucho para ofrecer algo más que sus habilidades acuáticas. Bailaba razonablemente bien y también cantaba. Con su segundo marido, el cantante Ben Gage, grabó incluso algún disco. Pero la parte musical de sus películas solía recaer en sus compañeros de reparto. Van Johnson y Ricardo Montalbán fueron sus parejas más habituales. Una canción que cantaba con este último, Baby it’s cold outside, de la película “La hija de Neptuno”, ganó el Oscar en 1949.

A mediados de los años 50 la actriz se sentía cansada del musical acuático. Abandonó la Metro e intentó, como actriz independiente, hacer otro tipo de películas lejos del agua. Rodó varios títulos pero ninguno tuvo éxito y a comienzos de los 60 decidió abandonar el cine. En esa decisión tuvo mucho que ver el cantante y actor argentino Fernando Lamas con el que se había casado. Según contaba la actriz en su autobiografía fue él quien le convenció para que dejara las pantallas porque en su opinión (bastante machista, por cierto) “con una estrella de cine en la familia era suficiente”. Pero Esther Williams no se resignó a ser un ama de casa sino que se convirtió en una mujer de negocios. Abrió las “Piscinas Esther Williams”, varios restaurantes y creó una empresa de bañadores en la que ella misma diseñaba los modelos.

Dirigió también cursos para enseñar a nadar a los niños por todo Estados Unidos y se convirtió en una de las mayores promotoras de la natación sincronizada. Probablemente este deporte nunca habría llegado a ser tan conocido hoy en día de no ser por Esther Williams y, en reconocimiento a su trabajo, fue la estrella invitada del estadio de natación de Los Ángeles durante los Juegos Olímpicos de 1984, en el estreno de la natación sincronizada como disciplina olímpica.

El jueves pasado nos llegó la noticia del fallecimiento de la actriz. Según explicaron las personas de su entorno murió mientras dormía sin llegar a despertarse. Aunque su salud se había deteriorado bastante en los últimos tiempos, según contaba hace un par de años su último marido, el actor Edward Bell, Esther nadaba un rato todos los días en la piscina de su casa. Y es que el agua siempre fue su elemento natural, el olor a cloro y a sal marina. Por eso para los amantes del cine siempre será recordada como La Sirena de América, una de las estrellas más rutilantes del musical de los años 40 y 50.

En el programa de esta semana charlamos de música y cine con el actor Secun de la Rosa, al que podemos ver ahora mismo en las pantallas en su última película, “La mula”. Secun entró en el cine de forma muy musical ya que en su primer papel destacado le pusieron a cantar. Era la película “El otro lado de la cama”. Y él feliz porque a Secun le encanta la música y admira sobre todo cuando las canciones se meten con gusto e intención en una película.

Vamos a darle una escucha a la banda sonora de “La mejor oferta” la última película del italiano Giuseppe Tornatore, director de “Cinema Paradiso” o “Malena”, que llegará a nuestras pantallas dentro de unas semanas. La película ha sido un gran éxito de público y crítica en Italia y en ella el director cambia radicalmente de estilo ya que se trata de un thriller de suspense rodado en inglés y con un reparto internacional, con actores como Geoffrey Rush o Donald Sutherland. La historia está ambientada en el mundo de los marchantes de arte y las subastas. Como es habitual en la obra de Tornatore la música corre a cargo del gran Ennio Morricone que a sus 84 años es, junto a John Williams, el mayor mito viviente con el que cuenta la música de cine. Morricone ha vuelto a regalarle a su amigo un trabajo excelente, probablemente el mejor que ha firmado en los últimos años el compositor. Una partitura muy dramática que parece penetrar en la psicología atormentada de los personajes con gran presencia de cuerdas y un uso magistral de las voces.

El musical clásico que recordamos esta semana es “Bodas reales”, dirigido  en 1951 por Stanley Donen y protagonizado por Fred Astaire y Jane Powell. La acción transcurre durante los esponsales de la hoy reina de Inglaterra, Isabel II, con Felipe de Edimburgo y Fred Astaire da vida a un artista norteamericano contratado para actuar en uno de los espectáculos que se organizan como motivo de esa ceremonia. La película contiene algunos números verdaderamente antológicos. El baile de los protagonistas en el barco que les lleva hacia Inglaterra, en medio de una tormenta que hace balancearse de un lado al otro el salón. El baile también de Fred Astaire con un perchero en el gimnasio o quizá la escena más conocida de todas, aquella en la que el protagonista baila por las paredes y el techo de una habitación.

Y en nuestro repaso a la programación de TCM nos detenemos en “Primera plana” de Billy Wilder, tercera versión cinematográfica que se hizo de la obra teatral que escribieron Charles MacArthur y Ben Hetch “The Front Page”, y que Howard Hawks llevó también al cine en “Luna Nueva”. Para esta versión Wilder recurrió a dos de sus actores fetiche, Jack Lemmon y Walter Matthau que dan vida, respectivamente, a ese periodista que quiere abandonar la profesión para casarse y a su manipulador director del periódico.

Como os decimos siempre, si queréis ponerle sonido a todas estas imágenes e historias la cita con “Notas de cine” es en la madrugada del sábado al domingo de 5 a 6 y, a partir del lunes, encontraréis el audio del programa en las webs de cadenaser.com y canaltcm.com

Del rock al cine

Por Antonio Martínez

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La relación entre el mundo del rock y el de la música de cine ha sido siempre muy estrecha. Canciones compuestas especialmente para una  película, así como otras ya existentes, forman parte de cientos de bandas sonoras pero esta semana en el “Libro gordo” hemos querido recordar a algunas estrellas del rock que han hecho sus pinitos en el campo de la música cinematográfica componiendo scores.

Aunque algunos como Brian Jones de los Rolling Stones ya habían trabajado para el cine en los años 60, nuestra lista comienza en 1973. Ese año Bob Dylan aceptó la oferta de Sam Peckinpah para componer el score de la película “Pat Garrett y Billy the Kid”. Dylan, que además tenía también un pequeño papel en la película, abrió la veda y otras muchas estrellas del rock seguirían sus pasos. Sobre todo en la década de los 80.

David Byrne, cantante de los Talking Heads y Ryuichi Sakamoto, ex componente del grupo techno Yellow Magic Orchestra unieron sus talentos para crear la banda sonora de “El último emperador” por la que ganaron el Oscar a la mejor banda sonora. Peter Gabriel puso la música a “La última tentación de Cristo”, Mike Oldfield a “Los Gritos del Silencio” y David Bowie a “Dentro del laberinto” o “El buda de los suburbios”. John Cale, Joe Strummer, Dave Stewart y otros muchos, también visitarían el mundo de la música de cine.

Ry Cooder, desde que en 1980 debutó a las órdenes del director Walter Hill en “Forajidos de leyenda”, se ha vuelto un habitual de las bandas sonoras trabajando en películas como “Cruce de caminos”, “Bahía del Odio” o su composición más conocida: “Paris-Texas”. También ha compuesto un buen puñado de bandas sonoras Mark Knopfler, el que fuera guitarrista de los Dire Straits, como “La princesa prometida”, “Última salida a Brookling” o “Un tipo genial” con la que precisamente debutó en este mundillo en el año 1983.

En la actualidad cantantes como Nick Cave tienen una segunda carrera como músicos de cine. En su caso está ligada a la de su amigo, el director John Hillcoat, para el que ha compuesto las bandas sonoras de varias de sus películas como “La carretera” o la reciente “Sin ley”. Otras estrellas del rock como Eddie Vedder o Jonsi, de Sigur Ros, también han trabajado en el cine en los últimos años. Y no podemos olvidarnos de Trent Reznor líder del grupo Nine Inch Nails con sus bandas sonoras de electrónica ambiental para “Los hombres que no amaban a las mujeres” de David Fincher o “La red social” por la que ganó el Oscar hace un par de años. Entre las nuevas generaciones de músicos de cine también hay varios que provienen del rock. Clint Mansell era el guitarrista del grupo británico Pop Will Eat Itself y Cliff Martinez, el compositor de “Drive” o “Contagio”, tocaba la batería con los Red Hot Chili Peppers.

En España también encontramos casos. El más notorio es probablemente el del recientemente desaparecido Bernardo Bonezzi que después de hacer de Groenlandia con su grupo Zombies una de las canciones clásicas del pop español de los 80 se convirtió en compositor de las películas de Almodóvar primero y de otros muchos directores después, llegando a ganar un Goya con “Nadie hablará de nosotras cuando hayamos muerto”. Otros artistas como Mendo y Fuster, del grupo Suburbano, han compuesto numerosas bandas sonoras para cine y televisión y últimamente ha empezado a destacar Julio de la Rosa, al que vemos en la foto, antiguo miembro del grupo El hombre burbuja, que ha compuesto varias bandas sonoras como por ejemplo, la de la película “Grupo 7”.

El caso es que cada vez vemos a más rockeros componiendo para el cine. Algunas veces lo hacen para aceptar nuevos retos creativos al margen de su estilo habitual. En otras ocasiones quizá solo sea cuestión de ego o para añadir un buen puñado de dólares a su cuenta corriente. Sea como fuere la lista se hace cada más y más amplia.

Este fin de semana se estrena “Hijo de Caín”, un thriller protagonizado por José Coronado que trata sobre las complicadas relaciones que hay entre un padre y un hijo. Es la primera película que ha dirigido el realizador catalán Jesús Monllaó Plana y de la banda sonora se ha encargado el británico Ethan Lewis Maltby. Hemos pedido al director que nos hable de este músico y de la banda sonora del film. Nos ha contado que conoce al compositor desde que estudió cine en Gran Bretaña y que, con anterioridad, ha trabajado con él en todos sus cortos. Para “Hijo de Caín” Monllaó quería un score que al principio de la película sonora oscuro y frío, con mucho sonido ambiental y electrónico. Luego, a medida que avanza el metraje, se van incorporando vientos y cuerdas para dar una sensación más humana y cercana.

La semana que viene se estrenará “Trance”, la nueva película de Danny Boyle. Tras los paréntesis de “Slumdog Millionaire” y “127 horas” el director vuelve a los ambientes turbios con esta película que gira en torno al robo de un cuadro en una casa de subastas. La banda sonora ha sido compuesta por Rick Smith, el 50 por ciento del dúo Underworld. La música de “Trance” se convierte en parte del juego que propone la película con melodías hipnóticas, dulces y relajadas que, a veces, se transforman en inquietantes y claustrofóbicas. Como es habitual Danny Boyle ha escogido algunas canciones conocidas que suenan en escenas muy concretas de la película. Temas de Moby, Unkle o Art & Dotty Todd. La más destacada, compuesta por Rick Smith para la película, corre a cargo de Emelí Sandé, una de las nuevas estrellas de la música británica a la que el cantante y el director conocieron durante el montaje musical de la ceremonia de apertura de los pasados Juegos Olímpicos de Londres. El tema se titula Here it comes.

El próximo 28 de junio se celebrará un año más el Día del Orgullo Gay y el canal TCM quiere participar en esta jornada emitiendo “El celuloide oculto”, un documental dirigido por Rob Epstein y Jeffrey Friedman que analiza cómo el cine de Hollywood ha presentado a gais y lesbianas a lo largo de toda la historia, sobre todo a partir de 1934 cuando entraron en vigor las normas de autocensura. Además, ese día y también durante todo el mes, se van a poder ver en el canal diversas películas que abordan directa o indirectamente la temática homosexual. Títulos como “Juego de lágrimas”, “La gata sobre el tejado de zinc”, “Rebelde sin causa” o “De repente, el último verano”. Nosotros, en nuestro programa, también hemos querido hablaros de cómo el cine ha tratado el tema de la homosexualidad, sobre todo en aquéllos años en los que estaba prohibido hacer cualquier alusión directa sobre el tema.

Y la película que esta semana destacamos de la programación de TCM es “El hombre que nunca estuvo allí” de los hermanos Coen, protagonizada por Billy Bob Thornton. Una nueva aproximación al cine negro norteamericano que Joel y Ethan Coen estrenaron en 2001 con los habituales elementos característicos de su cine: historias enrevesadas, llenas de giros sorprendentes, diálogos surrealistas y con un regusto especial por el humor negro.

El programa, como siempre, lo podéis oír en directo en la madrugada del domingo de 5 a 6 y a partir del lunes os lo podéis bajar en el podcast de cadenaser.com y canaltcm.com. Esperamos que os guste. Hasta la semana que viene.

El hombre que hizo posible el cine musical

Por Antonio Martínez

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Ya desde la primera película sonora, “El cantor de jazz” en la que Al Jolson interpreta algunas canciones, se hizo evidente que el nuevo invento del cine parlante era ideal para hacer películas musicales. Los grandes estudios se lanzaron a rodar numerosos films de este género pero en estas primeras películas musicales los artistas cantaban y esbozaban algunos pequeños números de baile delante de una cámara estática, tal y como se podría haber visto en un teatro. Debido a ello tres años después de la llegada del sonoro este tipo de cine estaba totalmente agotado y el público le daba la espalda. Es probable que incluso hubiera acabado desapareciendo de no ser por la irrupción de un señor llamado Busby Berkeley y su nueva concepción del espectáculo musical en el cine.

El trabajo de Berkeley durante los años 30, ya fuera como coreógrafo o director de películas, definió la forma en que la gente vería las películas musicales a partir de entonces y se puede decir incluso que hizo posible la existencia del propio género musical. Busby Berkeley creía que la cámara debía tener movimiento y comenzó a filmar desde ángulos absolutamente inusuales para la época: Travellings muy imaginativos, uso de grúas, colocación de la cámara en los lugares más inverosímiles… Años antes de que Orson Welles aprovechara todas las posibilidades de la angulación de cámara, Busby Berkeley ya daba lecciones sobre el tema con sus películas.

Sus conocimientos como coreógrafo no eran gran cosa. Jamás había recibido una lección de baile y lo poco que sabía sobre técnicas de danza lo aprendió observando a los bailarines. Su experiencia nacía más bien del tiempo en que ejerció como teniente de infantería durante la Primera Guerra Mundial. Busby manejaba a sus bailarines como soldados en un desfile haciéndoles ejecutar figuras escénicas y espectaculares movimientos de grupos.

Su especialidad eran los números corales e utilizaba una gran cantidad de bailarines en ellos con los que imitaba un efecto de caleidoscopio. Ayudado por espejos y escenografías colosales Berkeley creaba con el movimiento de los bailarines formas geométricas en movimiento que a menudo filmaba desde arriba para que pudieran apreciarse mejor.

Su imaginación no tenía límites, diseñaba sus fantasías sobre el papel y las realizaba sin trucajes de ningún tipo, rodándolas en el plató tal y como las veía el espectador.

Tras servir en el ejército Busby Berkeley empezó a trabajar en el teatro a principios de los años 20. Comenzó como director de danza pero pronto pasó a dirigir sus propias revistas en Broadway. Su salto al cine llegó de la mano del famoso empresario teatral Florenz Ziegfeld que se había asociado con la Warner para lanzar en la pantalla la carrera de la estrella de variedades Eddie Cantor. Ziegfeld encargó a Berkeley que diseñara los bailes de sus primeras películas y la Warner le firmó un contrato como coreógrafo. En 1933 logró el primer gran éxito del cine musical con la película “La calle 42”. Aunque el director que firmaba el film era Lloyd Bacon, nadie duda que Berkeley, autor de los números musicales, fue el auténtico responsable del éxito de la película.

A partir de 1935 Berkeley deja de ser responsable de coreografías y se convierte en director. Títulos como “Vampiresas 1935”, “Música y mujeres”, “El altar de la moda” o “Desfile de candilejas” tuvieron un gran éxito gracias a su talento como realizador. En aquellos años de depresión económica sus películas permitían a la gente soñar con el glamour y con el lujo que siempre estaban envolvían en sus fantasías musicales

Pero a finales de la década de los 30 la Warner decidió recortar los presupuestos de todas sus películas y eso afecto especialmente al cine de Berkeley, ya que sus films exigían elevados costes de producción. El director decidió cambiar entonces de estudio y se fue a la Metro, la compañía por excelencia del género musical. Allí le asignaron a las películas de sus dos estrellas juveniles, Judy Gardland y Mickey Roonie, con los que rodó películas de mucho éxito como “Armonías de juventud”, “Hijos de la farándula” o “Chicos de Broadway”.

La relación con la pareja se rompió en 1943 cuando Busby entró en conflicto con Judy Gardland durante el rodaje de la película “Girl Crazy” de la que fue sustituido como director. Berkeley volvió a cambiar de estudio y se fue a la Fox para trabajar con la estrella exótica Carmen Miranda. En “Toda la banda está aquí” la brasileña protagonizó uno de los números más famosos de la historia del musical, “The lady in the tutti-frutti hat”, con el famoso sombrero hecho a base de frutas.

A mediados de los años 40, sin embargo, el estilo cinematográfico de Berkeley había entrado en decadencia. Se imponían otros musicales con los números más engarzados en la trama como los que hacían Minnelli o Donen y Berkeley dejó la dirección para volver al trabajo específico de coreógrafo. Le contrataban para montar algunos números en películas que podían incluir alguna secuencia a su estilo, normalmente vinculadas a sueños o fantasías. Por si fuera poco el director tenía serios problemas con el alcohol. Incluso fue llevado a los tribunales por un accidente de circulación en el que fallecieron varias personas y en el que presuntamente él conducía borracho, aunque finalmente en el juicio salió absuelto en una decisión bastante turbia. Comenzada la década de los 50 ya eran pocos los que le confiaban en él. La gran estrella del cine acuático Esther Williams fue una de las pocas que le dieron trabajo en esa época. Diseñó sus números musicales en dos películas, “La primera sirena” y “Fácil de amar”.

Poco después Busby Berkeley se retiró del cine y aunque en los años 60 regresó esporádicamente para trabajar en alguna película sus días de gloria habían pasado. El cine de Berkeley solo fue posible en un tiempo concreto, la década de los años 30 y principios de los 40, un espacio de tiempo breve pero suficiente para que su trabajo permitiera la existencia de un cine musical que quizá sin él nunca se habría desarrollado. Busby Berkeley murió en 1976 a la edad de 80 años.

En este programa conversamos con la actriz Ingrid Rubio que junto a Carmen Machi es la protagonista de uno de los estrenos de la semana: “La Estrella”. La película cuenta con canciones compuestas por Los Barrankillas y por Jairo Perera, el líder del grupo Muchachito Bombo Inferno, y la propia Ingrid tiene que lanzarse a cantar y bailar un poquito, algo que confiesa no se le da nada bien y que pocas veces ha intentado a lo largo de su carrera. De música, de cine y de bandas sonoras charlamos con la simpática actriz.

Otro de los estrenos de la semana es “Dead man down, la venganza del hombre muerto”, un thriller dirigido por el sueco Niels Arden Oplev autor de las tres películas que adaptan la popular saga literaria “Millenium”. En “Dead man down” Colin Farrell interpreta a un mafioso neoyorquino perseguido por un asesino que está acabando con todos los miembros de su banda. Le acompaña en la película Noomi Rapace la actriz que daba vida a Lisbeth Salander en la trilogía sueca. Nosotros en el programa vamos a escuchar su banda sonora compuesta también por el autor de la música de Millenium, Jacob Groth.

En nuestra sección de Los Musicales revisamos uno de los mejores títulos que ha dado el género a lo largo de su historia: “Melodías de Broadway 1955”, dirigido por Vincente Minnelli y protagonizado por Fred Astaire y Cyd Charisse.

A diferencia de otros musicales como “Cantando bajo la lluvia” en donde casi todo es alegría y optimismo, Melodías de Broadway 1955 tiene un tono un poco más triste y melancólico. Habla de la fugacidad del éxito y se centra en las vicisitudes que ha de pasar una producción teatral antes de llegar al día del estreno. La película está llena de números musicales realmente antológicos como por ejemplo el de los bebés trillizos que vemos en la foto.

Y en el repaso que hacemos de la programación de los canales TCM esta semana destacamos especialmente “Gandhi”, una superproducción de los años 80 dirigida por Richard Attemborough sobre la vida del famoso dirigente indio, el llamado “apostol de la no violencia”. La película ganó siete premios Oscar en 1982, entre ellos uno para su protagonista el actor Ben Kingsley.

La cita con “Notas de cine” es en la madrugada del sábado al domingo de 5 a 6 y a partir del lunes (esta vez el director de la web de la SER ha prometido que no van a fallar más) podréis encontrar el audio del programa en los podcast de cadenaser.com.

“Notas de cine” 19-05-2013 Audio del programa

Por Antonio Martínez

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Aquí está el enlace para descargarse el audio del programa:

http://www.sendspace.com/file/ewa4kw