Una vez más las cámaras se alejan del cine de autor y se centran en un atraco de película en el corazón del festival de Cannes. La noche del pasado jueves al viernes fueron robadas joyas valoradas en un millón de euros y cedidas por la joyería Choppard para que las estrellas las luciesen en la alfombra roja del festival. El robo se produjo en el poco glamuroso hotel Novotel, donde estaban custodiadas por guardias de seguridad de la joyería. Y la noticia salta cuando ayer mismo desfilaron las protagonistas de ‘The Bling Ring’, la película de Sofia Coppola que cuenta la historia real de una banda de adolescentes americanas que robaron 3 millones de dólares entre joyas y ropa a estrellas como Paris Hilton y Orlando Bloom.

Esta es la comidilla de Cannes, en un día en el que el director iraní Asghar Farhadi – el realizador de la multipremiada ‘Nader y Simin, una separación’- presenta otro drama familiar titulado ‘Le Passé’ y rodado en francés, que no llega a la altura aquella, pero hace alarde de su dominio para narrar conflictos emocionales con una pasmosa naturalidad. La protagonista de ‘The Artist, Bérénice Bejo y el actor de ‘Un Profeta’, Tahar Rahim interpretan a una pareja a punto de casarse, cuya matrimonio peligra por la fragilidad de las relaciones con sus hijos y ex parejas.

‘Le Passé‘ es la segunda película rodada en francés por Farhadi, quien no habla una palabra de este idioma y utilizó un intérprete durante los meses de ensayos y rodaje, sin que ningún actor sintiera problemas de comunicación: “De hecho, Asghar es un director que increíblemente tranquilo y seguro de sí mismo. Tiene toda la película en la cabeza. Nunca tuvimos ninguna duda”, asegura Bejo.

‘Le Passé’ es la primera película de la sección oficial que tiene posibilidades de premio. El hecho de que Steven Spielberg sea presidente del jurado hace que a la salida de todas las proyecciones los corrillos de periodistas se pregunten si ésta o aquella película pudiera gustarle. Sin duda, Le Passé es un drama intimista que emociona y se acerca a la piel y a las contradicciones de todos los personajes. A Farhadi no le importa reconocer que sus películas siempre son sobre la familia. “No hay nada más cercano al espectador. No se necesita explicar nada sobre los sentimientos de las familias. Todos los conocemos”.

Sin embargo, a pesar de su portentosa maestría para meter su cámara literalmente en la cotidianidad de una familia en crisis, Farhadi se ha quedado lejos del milagro sobriedad sentimental que desplegó en la multipremiada ‘Nader y Simin: una separación’.

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‘El gran Gatsby’. Gatsby acharolado / María Guerra

Se veía venir que al exuberante estilo del director australiano Baz Lurhmann no le pegaba nada a una novela tan sutil, intimista y amarga como ‘El Gran Gatsby‘. El director australiano ha hecho una adaptación visualmente apabullante en 3D: un tiovivo de canciones, juergas y borracheras que han asfixiado literalmente el correcto trabajo de los protagonistas Leonardo Di Caprio y Carey Mulligan. Con razón Leonardo Di Caprio ha exhibido su cara más tensa y malhumorada estos días en Cannes.

Es el precio de traer un producto con vocación exclusivamente comercial al templo del cine de autor. La promoción gratis no sale tan barata cuando se reúne a toda la crítica mundial: el garrotazo colectivo duele más. Y quizá no hubiera sido tan unánime si Lurhmann se hubiera limitado a escribir un guión original, como hizo con ‘Moulin Rouge’, y hubiese disparado allí sus fuegos artificiales sin masacrar a un mito de la literatura como Gatsby.

Di Caprio, en un intento de defender lo indefendible aseguraba que Lurhmann era un soñador, una suerte de Gatsby. Es cierto, pero la megalomanía del proyecto, y sobretodo la magnitud de la cáscara y el volumen de los decibelios ha aplastado el alma de los personajes, a pesar de que Carey Mulligan haya compuesto la mejor Daisy del cine, muy por encima de Mia Farrow en la versión de 1974.  Y una vez en la voluntariosa carrera de Di Caprio, el actor se esfuerza con ahínco pero se queda en los límites de lo correcto pero no llega a lo sublime.

‘Marea letal’. La mujer que susurraba a los tiburones / Pepa Blanes

La propia Kate Mathieson, personaje que interpreta Halle Berry, se describe a sí misma, en medio de la cinta, como una mujer que susurra a los tiburones. Más quisiera tener algo en común con el personaje de Robert Redford en ‘El hombre que susurraba a los caballos’ (1998). El caso es que esta susurradora de tiburones es la protagonista de ‘Marea letal‘, una historia que queda a mitad de camino de muchas cosas.

Y es que no puede decirse que sea una cinta de acción acción, a pesar de las tormentas -imperfectas-, los tiburones hambrientos y esos robos de no sé sabe qué debajo del mar. Su dirección es un amante de la acción acuática, por lo menos así lo reflejan anteriores trabajos de John Stockwell como ‘Inmersión Letal’, ‘En el filo de las olas’ o ‘Turista’. Y esa maestría es lo único destacable, esa y la hazaña de rodar en la mismísima Sudáfrica donde está ambientada la cinta.

Si no es una película de acción, tampoco lo es de amor, ni siquiera hay química entre Halle Berry y Olivier Martínez, puede que la haya fuera de la gran pantalla, pero dentro hay más con los tiburones. Vamos, una mezcla de ‘Tiburón’ y ‘La tormenta perfecta’ con dos actores fuera de lugar.

‘Ali’. El indie también es español / Pepa Blanes

El sevillano Paco Baños deja claro con ‘Ali‘ que en España también puede hacerse cine indie. En su debut como director -antes se había dedicado a firmar guiones como ‘After’- ha elegido una historia sencilla que se adapta a ese estilo indie que tanto gusta en Sandance. Pero además, ‘Ali’ sigue la estela de películas españolas como ‘Barrio’, ‘Tapas’ o ‘Krámpack’, que cuentan historias de adolescentes y de los adultos que les rodean, sin hacer especialmente crítica social pero reflejando una ciudad anodina, en un barrio obrero y con unos personajes que viven buscando su sitio.

Es verdad que la idea no es original, tampoco el montaje, pero sí algunas propuestas que toma Baños, como ubicar una voz en off en algunos momentos de la cinta para jugar con una metáfora, como es la de conducir un coche, para mostrarnos qué siente la protagonista. El guion no es excesivo, ni artificial -algo que se agradece en este tipo de películas- pero le falta velocidad y ritmo. Aun así la historia conmueve y llega al espectador. Ayuda esa banda sonora de Julio de la Rosa (que también ha compuesto la de ‘Grupo 7′ de Alberto Rodríguez, otro sevillano.

Sin duda, uno de los aciertos es el cásting. Nadia de Santiago (Amar en tiempos revueltos) es la protagonista, la que lleva notablemente el peso de la película. Verónica Forqué es la madre excéntrica, papel que le va como anillo al dedo.Y el resto de actores (Julián Villagrán, Angy Fernández, Adrián Lamana o Luis Marco) mantienen el nivel interpretativo. En definitiva, no es perfecta pero su colorista sencillez se agradece.

‘Indignados’. Metáforas para el 15-M  / Pepa Blanes

El francés Tony Gatlif presenta, coincidiendo con el segundo aniversario del 15M, un documental sobre el movimiento de los indignados que sacudió a varios países europeos y del norte de África. El punto de vista que usa el realizador galo es original pero le acaba pasando factura al carecer de demasiada fuerza. Gatlif recorre esas movilizaciones desde la ingenua y dolida mirada de una joven inmigrante ilegal africana que llega a Grecia a buscarse un futuro y sólo encuentra hostilidad. De ahí irá viajando a otros países donde la revolución no violenta estalla.

Pocas imágenes de archivo y demasiadas metáforas llenan este documental que sirve, eso sí, para ver lo perverso de nuestro sistema, en el que vivimos y en el que dejamos morir de hambre y miseria a mucha gente. Sin duda, el momento más emotivo es ver la Puerta del Sol de Madrid llena de gente gritando al unísono.

Sin embargo, el filme se queda en lo superficial, en la imagen, en la metáfora, y no profundiza en el movimiento, ni en sus protagonistas, ni en los motivos. El recurso de la ficción le quita la fuerza de otros documentales como ‘Libre te quiero’ de Martín Patino, o los que se han hecho al seno del mismo movimiento del 15M.

‘La última isla’. Alicia en la isla de las maravillas  / María Mur

El punto que podría tener hacer un remake canario sobre el cuento de Lewis Carroll se pierde por la falta de ritmo, de magia y de historia. La andaluza Dácil Pérez de Guzmán, con más de 20 años de experiencia en el sector, debuta con ‘La última isla’, un cuento híbrido e insulso que desaprovecha una materia prima excelente.

Alicia es una insoportable niña de 12 años, repipi, consentida y malcriada, que no tiene con quien quedarse en verano (no se me escandalicen, pero la hacen falta un buen par de sopapos). Su madre (el padre es como una especie de presencia ausente) decide mandarla a una remota aldea en la isla de El Hierro con una tía lejana que no conoce y que encima es medio bruja medio santera. Como las consolas que lleva en la maleta dejan de funcionar, la niña emprende su particular viaje por la isla. El problema es que las aventuras en las que se enrola no dan mucho de sí. El emporrao histriónico, el loco del pueblo y la amiga muda se quedan en simples anécdotas. En un cuento tan mágico y hechizante como el de Alicia, se echa de menos precisamente eso, magia.

‘Kauwboy’. La sencillez de la infancia / Pepa Blanes

Estamos ante una de esas películas sencillas pero que llegan al corazón del espectador precisamente por despojarse de todo ornamento y defender la sencillez como reclamo. En ‘Kauwboy‘, el director de documentales Boudewijn Koole, nos cuenta cómo Jojó, un niño con una familia algo inestable, se vuelve en el cuidado de un pequeño pájaro. Esa relación con el pájaro le hace desahogarse de la fría relación que guarda con su padre y con su inexistente madre.

Tierna y conmovedora, la cinta holandesa reflexiona sobre la infancia, la familia, las relaciones y la vida adulta. Con referencias a los hermanos Dardene y también a esa niña de ‘El laberinto del fauno’, este holandés se ha marcado una opera prima que sorprendió en los premios de Cine Europeo y también en el Festival de Berlín. Sin embargo, Koole aporta más sencillez que los filmes mencionados. Quizá gracias a esos planos cortos y a pegar la cámara cerca de ese niño protagonista, Rick Lens, sin duda, un actor que dará mucho que hablar.

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El sesudo festival de Cannes le ha dedicado la jornada a ver las perversiones de la nueva generación de burguesitas adolescentes: la francesa Jeune & Jolie de François Ozon es la historia de una estudiante que se prostituye porque sí. Y Sofia Coppola- tantas veces acusada de vivir en una burbuja de cinco estrellas- ha presentado The Bling Ring: basada en una banda real de niñas bien de Los Angeles que en 2008 robaron 3 millones de dólares en joyas y ropa a estrellas como Paris Hilton, Orlando Bloom o Lindsay Lohan. Al frente de la banda de ladronas cool ha puesto a la Hermione de Harry Potter, Emma Watson, que estaba encantada de haber dejado atrás el mundo de Hogwarts.

La hijísima de Francis Ford Coppola ha vuelto a Cannes fuera de competición, después del revolcón de la crítica que recibió en 2006 con María Antonieta. Dice Sofia Coppola que le obsesionan los personajes que buscan su identidad y que el caso de las mujeres jóvenes es muy fructífero. Para ella es un filón argumental.

The Bling Ring es su película menos poética y más didáctica: una suerte de reality que reproduce los meses locos en los que un grupo de cinco adolescentes de 16 años obsesionados con la moda empiezan a robar en casa de estrellas con la ligereza del que va a una fiesta. Con estética de videoclip- como siempre, Sofia Coppola es impecable en lo visual- The Bling Ring tiene bajones de ritmo y los personajes se quedan en lo esquemático. Es casi un ejercicio para escolares, con escenas sonrojantes de estupidez humana y buenas dosis de morbo: Paris Hilton, además de ser víctima de los robos abrió las puertas de mansión a las cámaras de Sofia Coppola que decía casi con vergüenza: “Rodamos en la casa de Paris, incluso más de lo que suponía que podíamos grabar. Paris nos enseñó los videos de seguridad donde se ve a las niñas robar. Y la verdad, su casa es muy exótica, nunca había visto nada igual”. Ni ella ni nadie: Paris Hilton tiene su salón tapizado con cojines con su cara y vestidores con cientos de zapatos. Además tiene una habitación que sirve únicamente de joyero. Normal que las crías se volvieran locas. Pero cotilleos aparte, resulta decepcionante la bajada de escalones de la carrera de Sofia Coppola que desde Lost in Translation no ha salido del territorio de lo banal.

Tampoco François Ozon ha presentado su película más acertada. Jeune & Jolie es una suerte de Belle de tour con toques de soft porn, que no rasca en los personajes sino que se queda en la mera contemplación de una adolescente y sus penosos escarceos con novios y clientes. Otra loa al lolitismo.

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La cara de Leonardo Di Caprio lo dice todo. No ha sido una sorpresa que El Gran Gatsby se podría dar de bruces con Cannes. Se veía venir que al exuberante estilo del director australiano Baz Lurhmann no le pegaba nada a una novela tan sutil como El Gran Gatsby. El director australiano ha hecho una adaptación visualmente apabullante en 3D: un tiovivo de canciones, juergas y borracheras que han asfixiado literalmente el trabajo de los protagonistas Leonardo Di cario y Carey Mulligan.

La primera jornada de Cannes ha estado pasada por agua. Lluvia para el común de los mortales y un jarro de agua fría para el equipo de esta superproducción que ha defendido su apuesta con rígida profesionalidad. Salvo el director australiano que ha contado emocionado cómo la mismísima nieta del Francis Scott Fitzgerald le dio las bendiciones a su película en el estreno americano: “Se me acercó una señora muy distinguida, que se parecía a Katharine Hepburb en El estanque dorado, y me dijo que había venido de Vermont para decirme a su abuelo le habría gustado mi Gatsby”.

Di Caprio – serio, algo distante y con perilla- se ha limitado a decir que Luhrmann es un hombre apasionado y que siempre sueña “a lo grande”. Es cierto, pero la magnitud de la cáscara y el volumen de los decibelios ha aplastado el alma de los personajes, a pesar de que Carey Mulligan ha compuesto una magnífica y frágil Daisy, superando a un más que correcto de Di Caprio.

Pero que nadie se inquiete porque El Gran Gatsby, está fuera de concurso, y solo ha venido a Cannes a hacer promoción para su estreno planetario de mañana. Y ahora vamos con los miembros del jurado.

SPEILBERG FOR PRESIDENT

Se lo han pedido en muchas ocasiones, pero esta es la primera vez que Steven Spielberg acepta ser presidente del jurado: “Bueno, no me lo han pedido mil veces, algunas sí, pero siempre estoy muy ocupado rodando en primavera y esta es la primera vez que puedo venir. Es un honor y un placer”, ha dicho el director de ET rodeado de sus compañeros de misión como Nicole Kidman o el taiwanés Ang Lee.

Spielberg nunca ha presentado una de sus películas a la sección oficial de este festival, y por tanto, no tiene Palma de Oro: “Las películas compiten siempre por tener más público, más audiencia. En este caso, me tomo este festival como la oportunidad de ver el cine de varias culturas”.

A su lado, Nicole Kidman ha confesado que ella quería compartir dos semanas con Spielberg y se ha reído cuando le han preguntado por los consejos que le ha dado su marido, Keith Urban, que en unos días termina su trabajo como jurado del concurso American Idol: “Nos gusta lo que hacemos” ha justificado la australiana, escurriendo el bulto a una pregunta con mucha retranca.

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Con este cartel de un inolvidable beso de tornillo entre Paul Newman y Joanne Woodward, hoy se pone en marcha la 66ª edición el mayor escaparate del mundo del cine: un festival de 13 días en el que el Gobierno francés y los ayuntamientos de la Costa Azul invierten 20 millones de euros. Entre el mercado y las diferentes secciones oficiales se proyectan 1100 películas y 3.500 periodistas cubren el certamen del que saldrán las grandes películas de la próxima temporada: Amour de Haneke fue la Palma de la pasada edición, consiguió 5 nominaciones al Oscar, y ganó el premio a la mejor película extranjera. Pero claro, el glamour también tiene su cara b, sus líos de organización y desmadres que han alcanzado la categoría de clásico.

Rauuuuuuuuuuuuuuuuuuúl et ….  je suis désolé

El festival vivido dentro la limusina de las estrellas es un trajín de alfombras rojas, cámaras y guardias de seguridad que protegen a Leonardo di Caprio de la chusma de la prensa. Pero si uno es chusma, es decir, si eres prensa, no hay alfombra roja ni limusina que valga. Esta ciudad de ricos – donde los hoteles más cutres cobran 200 euros la noche y un café cuesta 5 – es un laberinto dominado por una férrea organización que da más acreditaciones de la cuenta y deja fuera de las ruedas de prensa a un 20 % de periodistas. Por toda respuesta uno se encuentra la cara cuadrada de un guardia de seguridad king size que masculla: “je suis désolé”. Y te fastidias.

Otra tortura de Cannes para los plumillas son los madrugones: las proyecciones de las películas más importantes son a las ocho y media de la mañana, pero como aquí hay más colas que en tiempos de la URSS, hay que hacer cola desde las 7:45 para asegurarse ver la película de Polanski o los Coen.
Pero no todo es maltrato y humillaciones en Cannes: hay una ancestral y simpática costumbre que se mantiene con los años. Al comienzo de las proyecciones, o en el momento más tedioso de la película turca de turno – esa que siempre gana premio- alguien grita en la oscuridad Rauuuuuuuuuuuuuuuúl a pleno pulmón. Hay risas y luego se vuelve a la seriedad del festival más importante del mundo. No hay explicación: “Je suis désolé”.

Leo de Caprio y la apisonadora de Hollywood

Los franceses son los grandes vendedores de su cine y anfitriones perfectos para el cine americano que desembarca en Cannes con un apabullante poderío. Cinco de las veinte películas que optan a la Palma de Oro son americanas: los hermanos Coen, Jim Jarmusch, Alexander Payne, James Grey y Steven Soderbergh presentan sus últimos trabajos con el consiguiente desembarco de estrellas como Michael Douglas, Matt Damon y Ryan Gosling. Pero también el jurado lleva bandera americana: Steven Spielberg es el presidente de un jurado compuesto por nombres de estrellas aupadas por Hollywood como Nicole Kidman, Ang Lee y Christoph Waltz. Y por si fuera poco, Leonardo Di Caprio llega hoy con la apisonadora de ‘El Gran Gatsby’: una superproducción dirigida por el colorista Baz Luhrmann que abre inaugura el festival a bombo y platillo. Apabullante, auque ya veremos si hay aplausos o abucheos.

Los anfitriones franceses, con su clásica habilidad de barrer para casa, también han colocado otras cinco películas suyas en la competición, incluyendo al venerado Polanski, François Ozon, Arnaud des Palliéres, Arnaud de Desplechin, Valeria Bruni Tedeschi y han producido otras tantas obras de directores consagrados como el danés Nicolas Winding Refn que repite en Only God Forvides el reparto de Drive (Gosling/ Mulligan) tras su éxito en Cannes. El resto de la sección oficial la componen grandes nombres del cine oriental y árabe desde Asghar Farhadi, Abdellatif Kechiche y el japonés Kore-eda Hirokazu.

El cine español: “Con la pata quebrada” y en casa

Otro clásico que se repite este año es la ausencia de cine español en Cannes. Si Almodóvar no trae película, no hay director español que entre en la preciada veintena de la sección oficial. Después de una década sin faltar a la cita francesa, Pedro Almodóvar – a pesar de que fue invitado- ha declinado la invitación de participar con la alocada comedia Los Amantes pasajeros. Tan sólo dos directores de nuestro país han entrado en las selectas secciones del festival: Diego Galán con su documental, montado con escenas de películas, sobre las mujeres españolas y su imagen en el cine español titulado ‘Con la pata quebrada’ y el burgalés Diego Quemada-Díez presenta su ópera prima ‘La Jaula de Oro’, de producción y ambientada en México, que participa en la sección Una cierta mirada y compite por el premio a las óperas primas, la Cámara de Oro.

La única película en castellano de la sección oficial es ‘Heli’ de Amat Escalante, nacido en Barcelona y formado en México, que trae una historia rodada y producida en ese país.

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‘La mula’: Nace el actor por encima del sex symbol / María Guerra

El estreno final de esta agridulce historia de un mulero en la Guerra Civil se ha estirado más incluso que la propia contienda. Se rodó en 2009 y cuatro días antes de acabarla, el director británico Michael Radford cogió los rollos de su película y abandonó el rodaje por desavenencias con la productora española Gheko Films. Terminó la faena un director anónimo y lo que se estrena ahora es el montaje final del material que legalmente posee la productora de Alejandra Frade, que en algunas secuencias tiene una pésima calidad visual ya que no todos son los rollos originales sino provienen de copias de trabajo.

Dejando las querellas y el conflicto jurídico aparte, lo que queda en la pantalla es una correcta adaptación de la novela de Juan Eslava Galán que narra los avatares de un campesino andaluz (Mario Casas) del bando nacional en los últimos meses de la Guerra Civil. Con un tono amable y un humor popular, el personaje de Casas impone su ingenua visión de buen hombre que solo quiere casarse con la chica guapa del pueblo (María Valverde) y llevarse una mula blanca del ejercito a su pueblo. Y es aquí donde Mario Casas sorprende desplegando una ternura y humildad propia de un chiquillo de pueblo que se ve superado por el torbellino de la guerra. Desde luego, Radford supo sacar de él auténtico talento, poniendo así de manifiesto que detrás de su cuerpazo de sex symbol había un gran actor que por culpa de un conflicto legal podría haber quedado inédito.

La mula tiene momentos brillantes y conmovedores chispazos de verdad. El desapego ideológico del protagonista y su terca obsesión con la mula humanizan esta historia bélica mucho más que otras tantas películas aleccionadoras. Sin embargo, hay bandazos narrativos, trompicones en el montaje y algunos personajes forzados -como el de María Valverde- que la convierten en una película irregular que se mantiene en pie el gran trabajo de Mario Casas.

‘Stoker’: Una Lolita más bella y malsana / María Guerra

La primera película en inglés del coreano Chan-wook Park  (Oldboy, 2003) es el equivalente a un menú degustación de 28 platos. Es un apabullante despliegue de belleza y detallismo que hipnotiza sin remedio. La fuerza visual envuelve una desasosegante historia familiar que abunda en el lolitismo: Mia Wasikowska es una adolescente atormentada por la repentina muerte de su padre y la súbita aparición de su desconocido tío Charlie, interpretado por el apolíneo Mattew Goode. La presencia de Nicole Kidman – con el Botox recién aplicado- como la madre odiosa y lasciva  completa el explosivo triángulo inspirado en novela de Vladimir Nabocov.

‘Stoker’ es un película para amantes del refinamiento visual y las atmósferas crueles y opresivas. Tiene un regusto a pesadilla infantil al estilo ‘Alicia en el país de las maravillas’ y un cruce con la manipulación del suspense a lo Hitckcock. Su guión estuvo rodando por Hollywood durante un tiempo hasta que el fallecido Tony Scott decidió apadrinarlo. También ha habido multitud de cambios en el reparto. Inicialmente el trío protagonista iba a ser Jodie Foster, Colin Firth y Carey Mulligan, un grupo que resulta desvaído con respecto al equipo final que establece una relación asfixiante y muy convincente, en especial, Wasikowska que se está especializando en personajes morbosos. Y quizá es una película tan impecable que resulte empalagosa, su envoltorio barroco ahoga la humanidad de los personajes.

‘Objetivo: la Casa Blanca’. Qué dios bendiga américa… otra vez / Pepa Blanes

El cine de Hollywood no había osado destruir monumento alguno por atentados terroristas desde los fatídicos atentados del 11 de septiembre -sí se había atrevido a hacerlo por catástrofes naturales, ahí está ’2012′ o ‘El día de mañana’-. Sin embargo, este año hay dos películas que se cargan parte de la Casa Blanca -icono del poder estadounidense y, por ende, mundial- tras un ataque terrorista. Una de ellas, ‘Asalto a la Casa Blanca’, la firma el señor Ronald Emmerich y todavía no se ha estrenado. La segunda -y ojo con confundirlas- es ‘Objetivo: la Casa Blanca‘ (que responde por su título original a ‘Olympus has fallen’) dirigida por Antoine Fuqua, artesano que nos ha brindado cintas como ‘Training Day’ o ‘El rey Arturo’.

Fuqua firma una película de acción pura y dura que regresa al terreno del patriotismo de aquellas películas de los ochenta donde Estados Unidos era atacado por el peor de los enemigos (veáse los rusos, los japoneses, los árabes). Y cuando pensábamos que ya no había enemigo posible, llega una cinta con ese patrón pero mucho más sangriento, más tópico y menos inteligente, tanto que se echa de menos la finura de ‘Independence day‘ (dirigida precisamente por Emmerich). Adrenalina y más adrenalina en la historia -presidente secuestrado en el mismísimo búnker de la mansión presidencial y agente secreto, adrenalínico también, que desafía todos los peligros para salvar a la patria- que protagoniza Gerad Butler -el fornido espartano de ’300′- y que sitúa como el enemigo a un comando terrorista de Corea del Norte -justo cuando la tensión entre ambos países ha alcanzado su momento más álgido-.

Aunque Butler no ayuda mucho, el verdadero daño no lo hacen ni el protagonista ni mucho menos los coreanos, el mayor problema son los efectos especiales. Quizá en este apartado haya ganado la batalla la cinta de Emmerich que cuenta con mayor presupuesto (recuerden la de Emmerich es ‘Asalto a la Casa Blanca’). Eso sí, en el marcador final ambas han empatado, ya que ‘Objetivo: la Casa Blanca’ (la de Fuqua), ha ganado la batalla de llegar primero a la cartelera. Ahora solo falta esperar a ver cuál de las dos gana la guerra.

‘Díaz. No limpiés esta sangre’. Para evitar que la historia se repita / Pepa Blanes

‘Díaz. No limpiés esta sangre‘ -título atípico donde los haya- se enmarca dentro de ese cine político y militante de los setenta y principios de los ochenta, que reflejaba en la gran pantalla hechos políticos y sociales pero contándolos desde la ficción, como ejemplo ‘7 días de enero’ (1979) de Juan Antonio Bardem. En ‘Díaz, no limpiés esta sangre’, su director Daniele Vicari ha preferido quedarse en los mandamientos más clásicos de este tipo de cine para recrear cómo fue el desalojo de uno de los centros sociales que albergaba a los activistas de la cumbre antiglobalización en Génova en 2001.

Vicari reconstruye los terribles hechos a modo de caleidoscopio y los reconstruye desde el punto de vista de la policía, los manifestantes, las victimas y los periodistas que se vieron atrapados en esa irradación de violencia absurda. Lo cierto es que anque haya varias aristas está claro desde el principio con quien está el director. Aunque haya quienes le acusen de maniqueismo -por posicionarse-, conviene esperar al final, justo antes de los créditos, y tomar nota de todas las sentencias judiciales que hubo, así ya no habrá dudas. Sin embargo, el único fallo que comete Vicari es el de no arriesgar más con el montaje, hacerlo más dinámico y menos convencional, ni con la música, que ayuda poco a contar la historia. Acierta con los actores y cuando mezcla las imágenes reales grabadas por los periodistas esos días con su recreación.

Ganadora del Premio del Público en la pasada Seminci, ‘Díaz no limpiés esta sangre‘ consigue su objetivo: contar al mundo algo que ocurrió en 2001 pero que puede vovler a pasar en cualquier momento  (no hace mucho un policía español se referían a los manifestantes como “el enemigo”). Ese es el problema de mirar para otro lado, algo que el cine combatiente busca solucionar, aunque sea tarde.

‘Rebelde’. Infancias rotas  / María Mur

La realidad da más miedo que cualquier película de terror. Por eso cada mañana al despertarse hay que dar gracias, a quien sea y como sea, por haber nacido en esta parte del globo terráqueo. ‘Rebelde’ es la película canadiense que ha desempolvado el conflicto de los niños soldados. Finalista en los pasados Oscar (galardón que al final se llevó el austríaco Haneke con ‘Amour’), la cinta no ha parado de cosechar premios a los largo y ancho del circuito cinematográfico: Berlín, Tribecca, Sitges…

Rodada en un tono cercano al documental, ‘Rebelde’ es la espeluznante historia de una ex niña soldado que, después de verse obligada a matar a sus padres, se enrola en una guerra que no es suya y que le roba la poca infancia que podría tener en un continente como África. “Las armas son tus nuevos papá y mamá”, le repite a la largo de toda la película uno de los rebeldes.  No hay datos oficiales, pero se cree que en todo el mundo hay alrededor de 300.000 niños soldados.

El canadiense Kim Nguyen construye una historia sobrecogedora y horripilante a partir de los testimonios que recogió en un centro de reinserción en Burundi. La crudeza de la realidad es obvia pero gracias a Rachel Mwanza, la actriz protagonista, los pelos se convierten en verdaderas escarpias.  Su interpretación le valió el Oso de Plata en el pasado Festival de Berlín. La intención de ‘Rebelde’ no es otra más que agitar conciencias y darle vida a un problema olvidado incluso en las hemerotecas. Cae en la lágrima fácil, sí, pero las lágrimas limpian y unos ojos limpios, para ver la realidad, son más eficaces que cualquier gafa.

‘El impostor’. Cuando la realidad supera la ficción / Pepa Blanes

Esa frase hecha tan utilizada nunca ha tenido tanto sentido como al aplicarla a este documental. ‘El impostor‘ juega con el espectador como lo hizo el protagonista de esta cinta, un tipo que se inventa una identidad tras otra, o más bien toma prestadas esas identidades. Así se siente el espectador ante este documental con alma de thriller y de cine negro, que no decae en ningún momento y que transita por mundos que es difícil ver en la no ficción -tanto en el fondo como en la forma-.

La historia comienza con el relato de una familia de Texas que ha sufrido la desaparición de un niño. De ahí, el debutante Bart Layton va contándonos cómo esa familia acepta a un impostor que se hace pasar por ese hijo desaparecido (el nuevo hijo es francés, mucho mayor que el desaparecido y moreno). Escenas recreadas (como si fuera un reportaje periodístico), entrevistas a cámara, imágenes de archivo… que Layton mezcla con sumo cuidado y con una intencionalidad clarísima, la de confundir al espectador mediante la especulación y una serie de hechos difíciles de digerir.

Igual que Jaime Chávarri desmontó la realidad de los Panero, Layton desmonta a esta familia, al impostor y a las autoridades con su juego narrativo. Eso esí, aquí el único detective es el espectador.

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‘La gran boda’. Cuando nadie quiere ir a la boda / Pepa Blanes

El cine de bodas podría ser un género en sí mismo. Ya van unas cuantas comedias que retratan los diferentes líos y entuertos que se suceden alrededor de la organización y celebración de una boda (Guerra de novias, Novia a la fuga, Mi gran boda griega…). Ante tal presentación, es normal que ‘La gran boda‘ tenga muy complicado sorprender a estas alturas, y más cuando se trata de un remake de la cinta francesa ‘Mon frère se marie’ (2006).

Lo más interesante de esta película es, por un lado, su reparto. Nada menos que cuatro actores oscarizados y queridos por el público. En el mismo papel de otras comedias tenemos a Robert de Niro, y Diane Keaton, que aquí están bastante mejor que en comedias anteriores de este estilo. A ellos, esta vez, se suma otra veterana, Susan Sarandon. El cura es Robin Williams. Y los novios: Amanda Seyfried y Ben Barnes.

A pesar de los pesares son el plato fuerte de esta comedia que más que divertir, entretiene a costa de reunir un puñado de situaciones incómodas, diálogos graciosos pero con un guion algo previsible. Aquellos que les encanten las bodas, estarán encantados con este bodorrio, eso sí, no busquen sorpresas, no las hallarán.

‘Scary movie 5′. Chistes sin gracia / Pepa Blanes

La saga de ‘Scary movie’, que tan bien se ha llevado con la taquilla, se ha ido desinflando poco a poco, de forma paralela a la aparición de cada una de las entregas. Ahora, con la película número cinco la cosa empeora todavía más. Como en las anteriores parodia una serie de películas de terror o de género fantástico. Esta vez les ha tocado a ‘Mamá’ (producida por Guillermo del Toro), ‘Posesión infernal’ (el remake de la cinta de Sam Raimi), ‘Cisne negro’ (de Darren Aronofsky), Paranormal activitu (de Oren Peli), Origen (Christopher Nolan) y ‘El origen del planeta de los simios (Rupert Wyatt). De todas, son las bromas sobre ‘Cisne negro’ las que más fuerza tienen, el resto pasan desapercibidas.

Es una pena porque material para parodiar había, y mucho, el problema es que la cinta se vuelve tediosa por culpa de un guion que parece escrito a la velocidad del rayo. Tampoco los chistes de ‘Scary movie 5‘ son para tirar cohetes, mucha broma escatológica, otro tanto de humor con toques clasistas y racistas, sobre todo hacia los latinos.

Pero lo peor de esta quinta entrega es que comienza demasiado bien y eso acaba creando unas expectativas que, ni de lejos, puede cubrir. Empieza con Charlie Sheen (que ya aparecía en la tercera y cuarta parte de esta misma saga) y Lindsay Lohan riéndose de sí mismos, de sus problemas con el sexo, con la policía o con las drogas.Tampoco esta vez los habituales cameos (el equivalente estadounidense a Torrente) tienen fuerza. Ni su protagonista, la ex chica Disney, Ashley Tisdale, consigue mantener la comicidad. En fin, parece que los ejecutivos de Hollywood hayan tomado al espectador por tonto.

’7 cajas’. Excelente thriller a bordo de una carretilla / María Guerra

El argumento es sencillo y la emoción es febril. Un pobre chaval de 17 años del Mercado 4 de Asunción recibe medio billete de 100 dólares por llevar en su carretilla siete cajas que no sabe que llevan dentro. Con la entrega recibirá la otra mitad y cumplirá el sueño de su vida: comprarse un teléfono móvil con cámara de vídeo. Sin imaginarse la dimensión del riesgo, el chico se lanza a una carrera desesperada sorteando delincuentes y asesinos que quieren las siete cajas y su pescuezo. Sus aliados son la suerte y un cuerpo de policías gordos y patosos que no se enteran de nada.

‘Siete cajas‘ es una película fresca, adrenálinica y sorprendente. La ópera prima de los directores paraguayos Juan Carlos Maneglia y Tana Schémbori es un thriller de hechuras americanas que, en lugar de coches, utiliza caretillas y el escenario es un mugriento mercado de Asunción poblado por maleantes y buscavidas. Además, los actores hablan a una disparatada velocidad mezclando indistintamente el español y el guaraní. La guinda es un toque de humor negro digno de Tarantino. El resultado: excelente.

‘Dos más dos’. Parodia inteligente de la nueva pareja / María Guerra

El director argentino Diego Kaplan ha sabido calar a los burgueses de hoy en día: son hedonistas y superficiales, como adolescentes cuarentones, a la busca constante de un nuevo juguete ya sea informático o sexual. Así son los protagonistas de esta eficaz comedia: dos médicos de alto nivel y sus respectivas esposas que se embarcan en el arriesgado terreno del cambio de parejas. Los reparos puritanos de uno de ellos y los desmelenados deseos de los demás crean situaciones tronchantes y bien resueltas, tanto en el argumento como en la puesta en escena y la interpretaciones del cuarteto compuesto por Adrián Suar, Carla Peterson, Julieta Díaz y Juan Menujín.

Sin grandes pretensiones, pero con un guión ágil y con chispa, Kaplan ridiculiza a sus a sus héroes de clase alta. Los nuevos triunfadores sociales se lanzan a la orgía sin librarse de tics conservadores y clasistas. ‘Dos más dos‘ es una comedia ácida pero no burra, que se aleja del humor grueso americano al estilo Apatow, y que se deleita –sobretodo- en la autoparodia costumbrista. Kaplan muestra en esta película oficio al manejar los hilos de la comedia y se agradece el colmillo retorcido de la historia que no trata al espectador con paternalismo intelectual, ni le somete al chiste zafio.

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Isabel Coixet y Gracia Querejeta se han llevado merecidamente los premios más importantes del palmarés malagueño. A pesar de la obsesión del jurado por encontrar nuevos talentos. El festival andaluz siempre busca nuevos cineastas: actores y directores que den buenas noticias y esperanza de futuro al maltrecho cine español. Sin embargo, este año no ha habido mirlos blancos entre los jóvenes y en lugar de aceptarlo, el jurado presidido por Joaquín Oristrell se ha empeñado en dar premio a mejor director a Rodrigo Sorogoyen por Stockholm, que tiene un brillante giro argumental en mitad de una película muy floja en el arranque y cuestionable en la dirección de actores, pese a que Aura Garrido (correcta) haya conseguido ex aequo el galardón de actriz protagonista con Candela Peña (inmensamente superior) en Ayer no termina nunca.

15 años y un día de Gracia Querejeta se lleva justicia la Biznaga de Oro, mejor guion y banda sonora por la hondura y la sobriedad de la historia de una “familia muy triste” –según la directora- cuyos secretos saltan por los aires por culpa de un adolescente conflictivo. El estallido de la falsa calma en la que vive la anómala familia – compuesta por la viuda Maribel Verdú, su hijo interpretado por Arón Piper y los abuelos Tito Valverde y Susi Sánchez- es un relato a fuego lento de los problemas de incomunicación, tan cercanos como espeluznantes. Otra vez más, Querejeta echa mano de su mirada reposada para meterse hasta el tuétano del dolor humano.

Con un estilo formal completamente opuesto, la maga de la cámara Isabel Coixet también recibe recompensa por Ayer no termina nunca: Premio del Jurado, mejor actriz Candela Peña, fotografía y montaje. A pesar del excesivo tono dramático de este reencuentro de una pareja, Candela Peña y Javier Cámara, la película conmueve por su osadía. El rostro y el cuerpo de Candela Peña es un portento de expresividad y de sinceridad. Esta actriz es una auténtica bestia de la interpretación, ya que consigue emocionar y desgarrarse ante la cámara. La artificialidad de los diálogos queda empequeñecida por la profundidad de su desgarro.
Y por último, sorpresa y respeto ante el premio a mejor actor para Mario Casas que humaniza y da matices de auténtica ternura al soldado de La Mula. Su trabajo por el papel de mulero andaluz en los meses finales de la guerra es un alarde de humildad, perseverancia y talento. Es una pena que La Mula se vaya estrenar con una pésima factura visual –una parte del metraje original pertenece al director Michael Radford que abandonó el rodaje por conflicto con los productores españoles. En definitiva, termina otra edición de Málaga con una sección de dignas películas en la sección oficial que confirma que los veteranos siguen el cine por méritos probados. La mala noticia es que no aparece en lontananza el nuevo gran cineasta que cada año se espera como agua de mayo.

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María M. Mur

‘Abierto hasta el amanecer’, ‘La matanza de Texas’, ‘Posesión Infernal’ y Robert Aldrich. En ‘Las brujas de Zugarramurdi’ no faltan referentes, es una y muchas películas a la vez. Es lo próximo de Álex de la Iglesia, una comedia llena de acción que “va sobre los problemas que tenemos los hombres para comportarnos de una manera decente delante de las mujeres”. Sin mostrar ni un ápice de duda, el director ha dicho que está rodando “la mejor película” que ha hecho. Mario Casas, Hugo Silva, Secun de la Rosa, Carmen Maura o Terele Pávez son algunos de los actores que protagonizan esta comedia coral: “De lo que más nos podemos sentir orgullosos en este país es de los actores que tenemos”.

Pero Álex de la Iglesia no ha estado hoy en Málaga solamente para hablar de la película, que no se estará lista hasta dentro de unos meses. El director ha venido al Festival a recoger el Premio Retrospectiva Málaga Hoy a toda su carrera cinematográfica: “Dadme unos años más para que me lo merezca. Os juro que voy a hacer más películas. Ya lo celebraremos con un par de obras maestras. Estoy en ello”.

Con 10 películas a sus espaldas (la undécima en proceso), un Goya, un León de Plata y dos años como presidente de la Academia de Cine, Álex de la Iglesia ya no se las puede dar de novato inexperto: “Me encantaría poder decir que estoy empezando, pero como joven promesa ya no se me recibe bien”.

El director debutó en 1993 con ‘Acción mutante’, pero se consagró dos años más tarde con ‘El día de la bestia’, la película a la que “le debe todo”. Con un lenguaje único e inimitable, Álex de la Iglesia es el reinventor de géneros por excelencia de este país: “Somos lo que hacemos, no lo que soñamos, ni lo que intentamos, ni lo que prometemos, ni lo que los demás piensan de nosotros”. Descubrió a Santiago Segura, a Carlos Areces  y trajo de vuelta a Terele Pávez y María Asquerino: “Yo no recupero a nadie, eso suena un poco prepotente. Ellas son actrices de una talla y una envergadura brutal. A mí me gusta contar con los mejores. Hubiera dado un brazo por trabajar con Lola Gaos”.

Álex de la Iglesia ha recordado hoy que Fernando Fernán Gómez decía siempre algo así como que, cuando uno deja ser un crío, la vida ya no es eso que se tiene por delante sino lo que se tiene alrededor. No sirve de nada lamentarse y fustigarse. Álex de la Iglesia lo tiene claro: “Estoy orgulloso de mis errores, de ser una persona irregular, pero sobre todo estoy contento de tener amigos que aprecian mis fallos”.

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Mario Casas ha desatado el fenómeno fan en esta penúltima jornada de festival, que ya va a acercándose a la recta final. El actor ha venido a presentar una de las cintas más esperadas, ‘La Mula’. Esperadas porque lleva muchos años en el cajón, después del que director Miachel Radford, abandonara el proyecto al final del rodaje (allá por 2009). Ahora se presenta en este certamen una de las copias que han quedado.

Se trata de una adaptación de la novela de Juan Eslava Galán sobre la guerra Civil, en tono de comedia agridulce. Su protagonista es Mario Casas que interpreta a un cabo, paletillo e inocentón, al que solo le importa salvar a una mula. El actor calca el acento de Jaen y borda un papel muy goloso de cara a posibles premios. “Le toca vivir donde le ha tocado durante la guerra, como a muchos otros, pero no se plantea en qué bando está”

La cinta tiene un tono berlanguiano y recrea con detalle la guerra civil en plena sierra y en pleno campo. Junto a Mario Casas, están en el reparto María Valverde -que no ha podido asistir al festival- y Secun de la Rosa. “Creo que es una cinta que el público adulto va a disfrutar mucho más que los jóvenes”, aseguraba Mario Casas.

También este jueves se ha presentado ‘Sola contigo‘, un thriller angustioso protagonizado por Leonardo Sbaraglia y Ariadna Gil. La historia desconcertante de una mujer alcohólica que ha perdido la custodia de sus hijas. La apariencia de ‘thriller’ me ayudaba a contar el drama de esta mujer. Como director, me planteo siempre el desafío de contar una historia lo mejor que puedo”, ha afirmado en rueda de prensa el director Alberto Lecchi.

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