El Festival de Cannes ha abierto sus puertas por todo lo alto este miércoles con la primera película que compite por vencer en la sección oficial. ‘Moonrise Kingdom’, de Wes Anderson, ha llenado de estrellas La Croisette en el comienzo de la edición número 65 de la muestra. Por el stand oficial de fotografía -y después por la rueda de prensa- han pasado Bruce Willis, Bill Murray, Edward Norton y Tilda Swinton, para presentar una película que está recibiendo los adjetivos de ‘refrescante’ y ‘divertida’ por parte de la prensa acreditada. La cinta cuenta la historia de un amor preadolescente, enmarcado en una remota isla de los Estados Unidos en 1965, con todo lo que eso conlleva en materia de estética, de música -compuesta por Alexander Desplat-, de emociones contenidas.

En rueda de prensa, Bruce Willis ha alabado lo que supone evocar “la memoria de la emoción de enamorarse durante la niñez”, y ha asegurado encontrar “realmente refrescante” el trabajo en una película en la que se ensaya -“está bien que te digan cómo actuar”. Junto al mítico protagonista de ‘La jungla de cristal’ -Bill Murray ha bromeado con esa referencia en alguna ocasión de la comparecencia- se sentaba el director de la película. Wes Anderson -’Fantástico Sr. Fox’ o ‘Viaje a Darjeeling’- ha jugado con la idea de que sus cintas son el trabajo conjunto de una especie de compañía teatral, una familia que se ha ensanchado con ‘Moonrise Kingdom’.

Dice Anderson que el descubrimiento de la sexualidad preadolescente “es parte del origen del guión de la película”, pero el amor no solo ataca a los dos jóvenes protagonistas de una fuga campestre. “Todo el mundo necesita ser amado, incluso los policías“, ha dicho Willis con media sonrisa. En su turno de respuesta, Edward Norton -el monitor scout del grupo de niños de la cinta- ha dicho que Wes Anderson “hace el papel que hace mi personaje, guiándonos en la aventura. Nos dejaba hacer nuestros propios disfraces y maquillajes”. Para Tilda Swinton, que ya vino el año pasado a Cannes con ‘Tenemos que hablar de Kevin’, el rodaje fue como encontrarse con “una familia a la que tenía muchas ganas de unirme, fue como ir de campamento“. Tras alabar a Anderson, Bill Murray también ha calificado el trabajo como “una aventura divertida”.

El festival de cine más importante del mundo peina canas, pero ni se retira ni pierde energía. Hoy abre el escaparate con todo su poderío: estrellas y autores sesudos se ponen el smoking y suben juntos la alfombra roja del Gran Teatro Lumière, donde a partir de esta noche se proyectan las películas que serán noticia la próxima temporada. (Recordemos que The Artist fue la sorpresa del pasado festival, donde ganó el premio a mejor actor para Jean Dujardin y en febrero consiguió los 5 Oscar más importantes, incluyendo película y director).

Bruce Willis, Edward Norton y Frances Mc Dormand serán los protagonistas de la jornada inaugural con Moonrise Kingdom, una fábula sobre dos niños perdidos que dirige el americano Wes Anderson. Es la primera de las seis películas americanas que se presentan a una sección oficial cargada de grandes nombres del cine de autor: Ken Loach, Bernardo Bertolucci, Michael Haneke, David Cronemberg, Walter Salles o Matteo Garrone.

El certamen francés siempre ha sabido combinar cine y glamour. Las 22 películas que optan a la palma de oro tienen repartos cargados de estrellas como Nicole Kidman y Brad Pitt, que ahora comparten protagonismo con las promesas del cine americano – Robert Pattinson, Kirsten Stewart y Zac Efron- que se hicieron famosas con éxitos para adolescentes, Crepúsculo y High School Musical, y ahora trabajan con grandes directores como Cronemberg.

Cine español, fuera de concurso

El cine español se ha quedado fuera de la competición, algo habitual en los años en los que Pedro Almodóvar no tiene película. El catalán Jaime Rosales participa en la Quincena de Realizadores con su drama Sueño y silencio, la historia de una familia destrozada por la muerte de una hija. Julio Medem participa con el corto Miércoles del largometraje colectivo Siete días en la Habana, y el director madrileño, formado en Nueva York, Antonio Méndez Esparza debuta con Aquí y Allá, rodada en México y sobre un emigrante que se reencuentra con su familia después de años trabajando en Estados Unidos.

A pesar de la crisis, el festival francés sigue mostrando músculo. Tiene un presupuesto de 20 millones de euros, se proyectan 1.000 películas, que se distribuyen entre las secciones oficiales y fundamentalmente, en el mercado, un auténtico bazar internacional- con 10.000 agentes acreditados- donde se compran las novedades de la siguiente temporada.

Como cada año, la Cadena SER viaja hasta el Festival de Cannes para ofrecer a sus oyentes la actualidad de la muestra cinematógrafica más importante y prestigiosa del mundo. Este año, y como novedad, la cobertura de María Guerra estará enmarcada en ‘La Script’, el programa de cine y series de la SER… tanto en su vertiente radiofónica como digital. A partir del miércoles 16 de mayo, los oyentes podrán disfrutar de miniprogramas especiales diarios -disponibles en CadenaSER.com- con toda la actualidad que genere La Croisette. El sábado 19 de mayo, como siempre, ‘La Script’ será fiel a su cita de las 16:00 -las 15:00 en Canarias-, abordando los estrenos de la semana y los testimonios de las estrellas en la Costa Azul. La principal novedad llegará el domingo 20, con un programa especial dedicado a Cannes 2012, en la antena de la SER, a partir de las 17:00 de la tarde, las 16:00 en Canarias. Desde ese día y hasta el final del festival, continuarán los miniprogramas diarios.

Además, este blog de ‘La Script’ dará buena cuenta de la actualidad diaria, con información sobre las principales películas de la sección oficial, a cargo de David Martos, y la opinión de María Guerra en el comienzo de cada jornada. Como siempre, el mejor cine se asomará a los principales programas de la SER y a los servicios informativos, y en redes sociales, la cuenta de ‘La Script’ -tanto en Twitter como en Facebook- dará buena cuenta de todo nuestro trabajo. Comienza el espectáculo.

‘Sombras tenebrosas’. Sin salir del planeta Burton / María Guerra

Tim Burton abre una vez más la puerta chirriante de su peculiar universo. Son muchos años viviendo en su planeta privado, y ya va acusando una cierta vagancia tanto a la hora de elegir la historia y dirigir a los actores. Ésta es la octava vez que trabaja con Johny Depp, que repite con desgana su excéntrico personaje.

En realidad, da igual que sea el sombrerero loco de Alicia o Sweeney Todd. Desde ‘Eduardo Manostijeras’ (1990) y ‘Ed Wood’ (1994), Depp no se ha molestado en variar el gesto ni en interpretar nada nuevo bajo la batuta de Tim Burton. La suya es una pareja bien avenida pero sin tensión dramática. Es un feliz matrimonio que ya no sorprende al público que busque en el universo de Tim Burton algo diferente a su eterna normalización de la excentricidad.

‘Sombras tenebrosas’ vuelve a ser otra reflexión sobre el tema favorito de Burton: la familia. Según el autor de ‘Big Fish’, todas las familias son extrañas, y él se limita a reflejarlo en espejos distorsionados. Es la adaptación de la serie de televisión de los años 60 protagonizada por Jonathan Frid -que encarnaba al vampiro, Barnabas Collins, miembro de una familia adinerada a la que no dejan de pasarle cosas extrañas. Rodada íntegramente en los estudios Pinewood de Londres y sin recurrir a las técnicas digitales, la película resulta visualmente primorosa y algo aburrida. Tras una brillante entrada, en la que zambulle a un vampiro amanerado, procedente del siglo XVIII, en la sociedad hippie americana de los años 70, ‘Sombras tenebrosas’ tarda poco en perderse en un guion tedioso y lento.

Como es habitual en Burton, el reparto está muy bien compenetrado. Es un placer volver a ver a Michelle Pfeiffer, como pez en el agua, haciendo de matriarca de la familia Collins, y también produce regocijo ver a Eva Green de villana sofisticada, aunque su atuendo y peinado recuerde demasiado a la primera mujer y musa de Burton, Lisa Marie. Puede ser tediosa para los que esperen sorpresas; sin embargo, para los adictos de la enrarecida atmósfera Burton, ‘Sombras tenebrosas’ será una deliciosa tarde en una vieja mansión, de sobra conocida.

‘Un lugar donde quedarse’. Placer oscuro / David Martos

Paolo Sorrentino es uno de los ‘niños mimados’ del Festival de Cannes. Cuatro de los cinco largometrajes del director italiano han sido incluidos en la sección oficial que compite por la Palma de Oro. De hecho, ahora hace justamente un año que ‘This must be the place’ [traducida como 'Un lugar donde quedarse'] compitió por el galardón en La Croisette, marchándose de vacío. Por el sur de Francia apareció discretamente Sean Penn, quizá no demasiado orgulloso de una cinta que se exhibió en la última jornada de la muestra junto a ‘Drive’, una de las sorpresas del último Cannes [y recordemos su limitada presencia en 'El árbol de la vida', su otra película en competición]. Y sin embargo, Penn debería haber sacado pecho en el festival… porque firma en ‘This must be the place’ una de sus interpretaciones más memorables, de esas que se incluirán en su biografía cuando fallezca. Esa estrella de rock crepuscular y niño mimado del siglo XXI que lleva por nombre Cheyenne será recordado por su voz atiplada, su violencia contenida y esa sonrisilla cómplice que lanza por doquier.

La película comienza introduciéndonos en la rutinaria y casi depresiva vida de esa estrella de antaño, que hoy reside en una mansión irlandesa. Junto a su mujer -Frances McDormand- bombera por afición, vive de las rentas de una época que no volverá. Sin embargo, un fallecimiento trastoca su rutina y lo obliga a viajar a su Estados Unidos natal, donde se embarca en la búsqueda alocada, tipo ‘road movie’, de un criminal nazi. A pesar de que la línea troncal del argumento es lo más endeble de la cinta, las estampas que Sorrentino [también coautor del guión] va componiendo por el camino se quedan en la retina. Las secuencias del inventor de la maleta rodante, el niño con miedo al agua o cierto propietario de un coche… son difíciles de olvidar. Muchos críticos encasillaron la actuación de Sean Penn -y, en general, la historia de Sorrentino- en la casilla del ridículo, pero muy bien puede ser percibida como una historia que habla de la ausencia, de la paternidad austera… y de la conservación de la niñez. En cualquier caso, una joya de la cartelera.

‘Seis puntos sobre Emma’. Lo mejor de Echegui / David Martos

En las notas sobre la película que la distribuidora facilita a la prensa, el director de ‘Seis puntos sobre Emma’, Roberto Pérez Toledo, dice lo siguiente: “Con la experiencia que me aporta mi propia silla de ruedas, la discapacidad se encuentra en la espina dorsal misma de lo que cuenta ‘Seis puntos sobre Emma’, pero siempre desde una naturalidad nada condescendiente“. Para qué buscar otras palabras si él lo ha resumido perfectamente. Al contrario que en aquellos clásicos del cine en los que la discapacidad se traduce de inmediato en una historia de superación, la Emma de la película es ciega… como podría ser pelirroja. Se ha adaptado a esa situación. Punto. Ahora preguntémonos, ¿qué le ocurre al personaje? Al personaje que tan bien interpreta Verónica Echegui -quizá lo mejor que ha hecho en su corta pero intensa carrera- le afectan la misma soledad y la misma inseguridad que viven los veinteañeros reales de su quinta. Se enfrenta al amor, se relaciona con sus iguales y vive estos tiempos apocalípticos con sorna.

El título ‘Seis puntos sobre Emma’ responde a la estructura con la que se componen los caracteres en braille, y se traduce en seis partes diferenciadas del guión que nos cuentan cómo es la vida de la protagonista. Ese guión, escrito con finura y rodado con elegancia -sin grandes hallazgos, pero con mano firme-, nos muestra la vida de una chica que vive en Tenerife y que está obsesionada con ser madre. Tanto que trata a los hombres que la rodean prácticamente como meros depositantes de esperma. En su roce con los compañeros de un grupo de terapia, en su trabajo como asesora en el Teléfono de la Esperanza, o incluso en la mera convivencia con sus vecinos, Emma despliega toda una filosofía de vida que encandila… incluso a medida que se percibe el peligro que esa actitud encierra. Roberto Pérez Toledo, director de cortos como el magnífico ‘Los gritones’ da un buen primer paso en el terreno del largo.

‘Miss Bala’. Sueños rotos a balazos / María Guerra

Entre 2006 y 2011, los carteles de la droga han causado en México la muerte de 36.000 personas. Este negocio mueve 25.000 millones de dólares anuales, según el rotulo final de la película que dirige Gerardo Naranjo. Es una historia de realismo sucio y de violencia sin coreografía, que cuenta los avatares de una joven aspirante a un concurso de belleza, que acaba siendo secuestrada y utilizada como cebo de una banda de traficantes.

El director utiliza la técnica del documental, con cámara al hombro y luz natural, para seguir los pasos de ‘Miss Bala’ (Stephanie Sigman). Despoja al personaje de todo sentimentalismo y describe a una mujer paralizada por el miedo que avanza hacia el abismo, participando cada vez más en los golpes de los narcos. Se trata de un retrato crudo y desnudo de la violencia y la corrupción que devora México. Se agradece la ausencia de moralina y mensajes grandilocuentes en torno a esta tragedia que se ceba con personajes anónimos como esta Miss Bala, que interpreta con hondura la actriz Stephanie Sigman.

‘Infiltrados en clase’. Antigualla juvenil / María Guerra

A los cinco minutos de película, ‘Infiltrados en clase’ ya huele a viejo. Es una adaptación innecesaria de la serie de los ochenta, Jóvenes Policías, en la que Jonhy Depp se rodó como actor y se convirtió en sex symbol. Jonah Hill (Moneyball, Supersalidos) y Channing Tatum (Indomable, La legión del águila) retoman los personajes de dos jóvenes agentes de policía, que gracias a su cortedad mental y aspecto aniñado, se infiltran en un instituto para desarticular una red de tráfico de drogas.

En lugar de aprovechar su magnífico personaje de asesor pitagorín de Brad Pitt en Moneyball por el que fue candidato al Oscar y salirse del carril de la comedia juvenil, Jonah Hill regresa a sus papeles de gordo atontado para los que ya se está pasado de años. Lo peor de todo es que él mismo es productor y promotor de la idea de esta comedia tontorrona, que no aporta nada al género.

Basada en el chiste fácil, y en los contrastes de empollón feo (Hill) y macizo tonto (Tatum), Infiltrados se convierte en una sarta de gags flojitos. Tan solo destaca un cameo sorprendente que pone de manifiesto que la pareja protagonista no tiene química ni carisma. Se podían haber ahorrado la película y nadie la hubiera echado en falta.

Werner Herzog le da igual hacer ficción o documental. Para él no hay diferencia entre una película como Fiztcarraldo (1982) o documentales como La Cueva de los Sueños Olvidados que ha presentado hoy en Madrid y que se estrenará en España el 15 de junio: “La curiosidad es mi motor, solo me interesa profundizar en los temas”.

Saltando del alemán al inglés (y entiende español perfectamente), Herzog ha explicado los detalles del rodaje de La Cueva de los Sueños Olvidados, un documental rodado en 3D en el interior de la cueva francesa de Chauvet, donde se encuentran las pinturas rupestres más antiguas del mundo, de más de 30.000 años.

Herzog consiguió los permisos necesarios del gobierno francés para meter las cámaras de 3D en este santuario del tamaño de un campo de futbol, donde se encuentran en perfecto estado centenares de pinturas de animales y 4.000 huesos petrificados de grandes mamíferos de la Edad de Hielo: “Mi intención es transmitir el milagro de Chauvet. Las pinturas rupestres y el cine comparten el objetivo que es maravillar”.

El paleontólogo español Juan Luis Arsuaga ha acompañado a Herzog en la presentación ante la prensa, y juntos han reflexionado sobre la condición humana: “Esta película nos plantea la pregunta de qué nos hace humanos. Y el comienzo del arte nos habla del alma humana. El arte nos abre al mundo mágico y espiritual”.

Entre risas, cineasta y científico han charlado sobre los pecados de la humanidad. Herzog lo tiene claro:”El primer pecado mortal fue criar un cerdo y dejar de cazar. El segundo es el turismo. A mis alumnos de cine siempre les aconsejo andar, de Madrid a Kiev, por ejemplo. Y uno de ellos lo hizo”.

‘American Pie. El reencuentro’. Humor de 1999 / David Martos

Ya han pasado 13 años -casi nada- desde que los chicos de ‘American Pie’ se asomaron por primera vez a la gran pantalla. En aquel momento, en plenos estertores del siglo XX, la chabacanería y el sexo más o menos explícito encandilaron a toda una generación de adolescentes, que mantiene grabadas en su retina imágenes como la de Jason Biggs difundiendo sus artes amatorias por Internet. Muchas películas con la misma marca se han realizado desde entonces. Algunas han contado con los protagonistas originales; otras, con el mercado del vídeo como objetivo, han aprovechado la marca para hacer caja. Pero desde 2003 no veíamos al reparto original, y es que los productores de la saga han tardado años en convencer a Universal de que era necesaria una cuarta entrega, que no ha sido posible hasta que todo el reparto original ha dado el ‘sí’.

La historia cuenta el reencuentro de los miembros de la promoción de 1999 del instituto East Great Falls, que viajan a su ciudad natal para recordar viejos tiempos. Ahora, personajes como Jim o Stiffler [productores ejecutivos de la cinta] están más preocupados de que el sexo funcione dentro del matrimonio que de perseguir a sus compañeras de clase. La película refleja la crisis de la madurez con torpeza, y se ha quedado anclada en un humor y un lenguaje visual válido para 1999, pero no para la manera de hacer cine -incluso el cine más comercial y simple- del año 2012. ‘American Pie. El reencuentro’ será un producto agradable para los nostálgicos de la saga; los neófitos pueden estar tranquilos si no lanzan demasiadas carcajadas.

‘El sexo de los ángeles’. Morbo con chispa / David Martos

En el mundo de las estrellas juveniles de la televisión, el tabú de la homosexualidad ya había comenzado a romperse. Fue el caso, sin ir más lejos, de Fer y David -la pareja gay de la serie ‘Física o Química’. Pero en esta película estamos hablando de algo mucho más complejo. No son chicos que descubren que se sienten atraídos por otros chicos. No. Hablamos de jóvenes que viven su sexualidad de una manera tan arrolladoramente libre que los lleva a desear a quien tienen enfrente… sin importar su sexo. Y hay otro detalle revelador: Aquí no son dos personajes secundarios los que apuntan una trama homosexual, sino que es el protagonista -el conocido ídolo televisivo Álvaro Cervantes- quien da rienda suelta a esa libertad sexual en pantalla. El morbo está servido.

En ‘El sexo de los ángeles’ Cervantes interpreta a Rai, un chico que vive en una casa okupa y que baila en la calle. Un día, durante uno de sus espectáculos, un espectador -Bruno, Llorenç González- sufre un robo y Rai se lo lleva a casa para confortarlo. Aquí comienza a construirse un triángulo amoroso y sexual que tiene su tercera punta en Carla -Astrid Bergès-, la novia de Bruno, y que supondrá para los jóvenes un camino de descubrimiento [del amor para unos, de las fronteras del sexo para otros]. Aunque la película de Xavier Villaverde peca de ingenua en el dibujo de los personajes, la naturalidad de las interpretaciones de los protagonistas -sobre todo la de un canalla y seductor Álvaro Cervantes, Biznaga de Plata en Málaga- llenan la cinta de interés para un público no solo adolescente. Para dejarse llevar con media sonrisa.

‘Los diarios del ron’. Otro viaje embriagador de Depp / Daniel de la Fuente

14 años después de llevar a la gran pantalla ‘Miedo y asco en Las Vegas’ y después de una década detrás de este proyecto, el carismático Johnny Depp se daba por satisfecho: ha conseguido convencer a Bruce Robinson de adaptar otra novela de su amigo y admirado Hunter S. Thompson: ‘Los Diarios del Ron’ (http://www.imdb.com/title/tt0376136/). Hunter es uno de los escritores más importantes del siglo XX para Depp y, desde luego, sí que tiene el mérito de haber inventado el ‘periodismo gonzo’, donde los límites entre ficción y no-ficción no están definidos y en el que no importa el destino del protagonista, sino el camino que recorre. Es lo que pasa en esta historia, ambientada en el Puerto Rico de mitad de siglo. Paul Kemp es un periodista que consigue trabajo en un periódico de San Juan y se embarca en un proyecto especulativo.

Pero es el ambiente, el contexto lo que realmente importa y arrastra al espectador: mucho alcohol, mujeres, coches, vicios, calor, peleas de gallos… se incluyen en un guión que firma el director, “siempre respetando el personal y especial punto de vista de Hunter” y que destroza el sueño americano: dura crítica a los bancos, controlando los periódicos. Feroz retrato de esas empresas de comunicación en ruina que tratan de evitar indemnizar a sus empleados, Estados Unidos vendiendo la isla a intereses comerciales, el problema de la inmigración… ¡Quién diría que estamos en los 60! Robinson tenía pocas ganas de rodar esta cinta y se nota, todo el peso recae sobre un Johnny Depp haciendo de Johnny Depp y acompañado de un buen reparto.

‘Adiós a la reina’. Mugre y belleza / María Guerra

Benoît Jacquot adapta con detallismo y sutileza la novela de Chantal Thomas que cuenta la confusión que vivió Versalles durante los primeros días de la revolución Francesa. Léa Seudoux (‘Midnight in Paris’) es una joven lectora enamorada de la caprichosa reina Maria Antonieta (Diane Kruger), que resulta vapuleada por el caos reinante en la corte de Luis XVI. La mayor virtud de esta película es una realista ambientación, que mezcla el lujo extremo y la mugre que convivían en la corte. La cámara de Jacquot se mueve febrilmente siguiendo a la angustiada lectora que ve cómo se desploma un orden que parecía inamovible y eterno.

‘Adiós a la Reina’ es una historia cortesana despojada de grandilocuencias, detrás de las riqueza y los caprichos de la reina asoma una creíble personalidad con altibajos emocionales. Ese enfoque miniaturista y la sobria interpretación de las actrices sostiene la película, pero sólo hasta un punto, porque su detallismo se convierte en tedioso por repetitivo. La pequeña historia de la lectora enamorada resulta minúscula y acaba derivando en falta de emoción y aburrimiento.

‘Wilaya’. Buenas intenciones, sin aristas / María Guerra

Coincidiendo con la celebración de la IX edición del festival FiSáhara se estrena ‘Wilaya’, del director Pedro Pérez Rosado, la historia de dos hermanas saharauis que se reencuentran cuando a la muerte de la madre, una de ellas, criada en España, tiene que regresar de España a los campos de refugiados para cuidar de la otra que tiene polio.
Se trata de una película sencilla, sin grandes aspiraciones más allá de mostrar el drama y la culpa que sienten los jóvenes saharauis residentes en España. Se agradece que el director deje a un lado el discurso de reivindicación política para centrarse los pliegues del dolor humano que sufren las familias saharauis condenadas a separarse y a vivir la eterna pesadilla del desarriago.

Las actrices no profesionales -Nadira Mohamed, Memona Mohamed y Aziza Brahim- defienden con dignidad la historia sentimental de estas hermanas divididas entre su lealtad a la tradición y sus deseos de emanciparse. ‘Wilaya’ plantea con sutileza temas candentes como los matrimonios por conveniencia y la sumisión de las mujeres a los varones. Demasiada sutileza, tanta, que la convierte en una película bienintencionada, pero sin aristas. En el pasado Festival de Málaga, la compositora y actriz debutante, Aziza Brahim, consiguió el premio a la banda sonora.

[Escucha el programa de 'La Script' con el balance del Festival de Málaga]

Desde el principio del certamen se hablaba de la superioridad de Los Niños Salvajes de Patricia Ferreira, justa ganadora de la Biznaga de Oro- junto a mejor guion, mejor actriz de reparto para Aina Clotet y actor de reparto para Álex Monner- por la sobria película de tres adolescentes abandonados en su confusión por unos padres, supuestamente normales, pero que están igualmente confusos.

Desde el thriller frío, Ferreira apuesta por una narración que marca distancia con los tres adolescentes a los que sigue en su rutina diaria: familia, instituto y botellón. Magníficamente interpretado por Marina Comas, Albert Baró y Àlex Monner, que jamás declaman nada sino que viven ante la cámara la pavorosa soledad que sienten ante un mundo adulto que, de pura inmadurez, no puede ayudar a sus propios hijos.

La estridencia del palmarés es la avalancha de premios para Carmina o revienta: premio especial del Jurado, premio del público y mejor actriz protagonista. Se trata de una rareza brillante de Paco León, que debuta como director con un falso documental basado en la arrolladora personalidad de su madre.

Carmina Barrios tiene una presencia y magnetismo escénico que deslumbra y llena la pantalla. Sin embargo, su hijo ha racaneado en guion. Carmina se abre en canal ante la cámara, incluso defeca en una escena francamente divertida, pero la historia se queda raquítica y es díficil que sobreviva como hizo El Desencanto (1976). Carmina o revienta se ha quedado más cerca del fugaz escándalo que se montó con la supuesta despedida de Joaquin Phoenix en I´m still here (2010).

El galardón más aplaudido (y muy merecido) ha sido para Antonio Dechent que apabulla con talento y oficio al interpretar a un comerciante borracho y hundido en A puerta Fría de Xavi Puebla, que también ha conseguido el premio de la Crítica por una historia sobra la esclavitud moderna que es el trabajo.

Ha habido carraspeos y malas caras al premio de mejor director para Imanol Uribe por Miel de Naranjas, un thriller ambientado en la posguerra que resulta correcto, pero insulso, y con garrafales errores de casting en los protagonistas. El de Uribe, se puede considerar un premio de consolación para un veterano que el Festival de Málaga necesita tener de su lado, aunque no le haya salido su mejor película. En definitiva, esta XV edición ha sido correcta y con un nivel mucho más digno que la desastrosa cosecha del año pasado.

La película ‘Los niños salvajes’, de Patricia Ferreira, ha ganado este sábado la edición número 15 del Festival de Málaga. Su historia de tres adolescentes, que oponen su mundo al de los adultos, ha convencido al jurado de la sección oficial… que, sin embargo, ha premiado de forma muy contundente a ‘Carmina o revienta’, la ópera prima de Paco León. Se lleva, entre otros, la Mención Especial del Jurado. Durante toda la semana, los miembros del jurado habían dejado caer que la historia de Carmina Barrios, fronteriza entre la ficción y la realidad, les había dejado impactados, y también se reconocía en ‘Los niños salvajes’ una gran solidez. Este es el palmarés con los galardones más destacados:

Biznaga de Oro – Mejor Película: ‘Los niños salvajes’

Biznaga de Plata – Premio Especial del Jurado: ‘Carmina o revienta’, con mención especial a ‘Kanimambo’

Biznaga de Plata – Premio de la Crítica: ‘A puerta fría’

Biznaga de Plata – Premio del Público: ‘Carmina o revienta’

Mejor Director: Imanol Uribe [‘Miel de naranjas']

Mejor Guión: Patricia Ferreira y Virginia Yagüe [‘Los niños salvajes']

Mejor Actor: Antonio Dechent [‘A puerta fría']

Mejor Actriz: Carmina Barrios [‘Carmina o revienta']

Mejor Actor de Reparto: Àlex Monner [‘Los niños salvajes'] y Álvaro Cervantes ['El sexo de los ángeles']

Mejor Actriz de Reparto: Aina Clotet [‘Los niños salvajes'] [mención especial para Ángela Molina por ‘Miel de naranjas']

Mejor Fotografía: Sergi Gallardo ['El sexo de los ángeles']

Mejor Banda Sonora: Aziza Brahim [‘Wilaya']

Mejor Montaje: Koldo Idigoras ['The Pelayos']

Mejor Guionista Novel: Remedios Crespo [‘Miel de naranjas']

Jorge Drexler: otorrino, músico y ahora… actor / María Guerra

El uruguayo Jorge Drexler es como una muñeca rusa. Con los años ha ido mudando de oficio: dejó la práctica de la medicina por la música y hoy, en Málaga, ha pasado con nota su debut como actor. Es el protagonista de la comedia del director argentino Daniel Burman ‘La suerte en tus manos’ en la que interpreta a un prestamista judío timorato con las mujeres. Se acaba de divorciar y no sabe cómo administrar su recién ganada libertad sexual, su adicción al póker y el cuidado de sus dos hijos.

Daniel Burman (‘El abrazo partido’) vuelve a con Una cuestión de suerte a tratar uno de sus temas favoritos: los lastres familiares, cicatrices sin cerrar que siguen paralizando a personajes adultos que se sienten bloqueados por el pasado. Burman vuelve a salir airoso con esta comedia romántica sentimental sobre el reencuentro de una pareja de ex novios (Drexler y Valeria Bertucelli), que coinciden en un momento de sendas crisis personales.

‘La suerte en tus manos’ se ve con una sonrisa cómplice ante la torpeza emocional de los dos protagonistas, que casi rozando los 40 años -o rebasándolos-, se sienten fosilizados en sus respectivas adolescencias. La atmósfera de incomodidad y la tensión en las relaciones familiares está maravillosamente descrita e interpretada por Bertucelli y la gran Norma Aleandro, que hace de una madre asfixiantemente brillante.

Sin embargo, no está entre las grandes películas familiares de Burman como ‘El abrazo partido’, en la que recurriendo a su efectivo humor judío metía en dedo en la llaga del
dolor sentimental de un hijo. En esta ocasión, Burman se copia a sí mismo con una cierta desgana. Hay momentos brillantes, pero también muchos de ellos ya están repetidos.

‘O apóstolo’. Un acierto de la animación gallega / David Martos

La mañana del viernes comenzaba en Málaga comenzaba con la proyección del primer largometraje de animación que concursa en la sección oficial del festival. Se llama ‘O apóstolo’, está dirigido por Fernando Cortizo, y está realizado en ‘stop motion’ [esa técnica de animación que consiste en filmar figuras inanimadas con ligeras variaciones de posición para dar sensación de movimiento]. La historia de la película es la de dos presos que se fugan de la cárcel. Uno de ellos, durante su huida, se camufla como peregrino del Camino de Santiago, y va a parar a una aldea remota en lo más profundo de un siniestro bosque. Allí, una galería de personajes tenebrosos comienza a entablar con él una extrañísima relación… que culminará en una estancia de terror.

Uno de los grandes aciertos de la película es su elenco de voces. Carlos Blanco, Geraldine Chaplin, Celso Bugallo, Manuel Manquiña o Luis Tosar -en un pequeñísimo papel- fueron filmados por el director durante 15 días -al estilo ‘Dogville’-, y después fueron los muñecos los que adaptaron el movimiento de su boca a la dicción de los intérpretes, consiguiendo una articulación perfecta. Destaca también la presencia de Paul Naschy en el último papel de su carrera. Esto da idea de lo costoso que ha sido el proceso de elaboración. En la rueda de prensa, Cortizo ha asegurado que la producción de la película ha sido lentísima, “de tres o cuatro segundos cada día”. El otro gran acierto es que los personajes se parecen muchísimo físicamente a los actores que les ponen voz. El director ha recordado que es la película más larga que se ha hecho en España siguiendo esta técnica… y, la verdad, la espera ha merecido la pena. Esperan estrenar en otoño.

‘The Pelayos’. Salir del cine con ganas de asaltar la banca / María Guerra

‘The Pelayos’ tiene vocación popular y elige el camino de la campechanía con trazas de ‘Ocean´s Eleven’, en versión castiza. Cortes se ha esforzado por montar una familia de actores muy solventes y con química entre ellos: Lluis Homar es el patriarca; Daniel Bruhl, el capataz del equipo; Miguel Ángel Silvestre, el primo botarate y ligón, Vicente Romero, el miedoso y Oriol Vila, el empollón. Todos muy correctos, y especialmente cómico Silvestre, que encuentra un filón en su interpretación de macizo descerebrado.

Brilla, como siempre, con una credibilidad monumental Eduard Fernández, que se mete en el traje gris y la cara de perro del gerente del casino que descubre el método Pelayo. Sin embargo, la estética americanoide chirría en esta comedia agridulce y picaresca. Esta apuesta visual –ya muy trillada en el cine americano- hace perder fuerza a esta historia de soñadores de arrabal, que son más mucho más creíbles detrás de un botellín de cerveza que haciendo el paseíllo de entrada en un casino con gafas negras y fanfarria.

Se echa de menos una mirada más local, que posiblemente le hubiera dado más universalidad a la película, que por otro lado, resulta un largometraje correcto y divertido. ¿Estuvieron los Pelayos demasiado cerca? La realidad puede ser tan peligrosa como la literalidad de las novelas.

Sin embargo, tiene momentos mágicos y personajes delirantes, como la actriz china Hui Chi Chiu, que le contagian a uno la ilusión de que aún siendo diminutos, esta vez sí que vamos a ganar al gigante.

‘Los vengadores’. Vuelve la diversión Marvel / David Martos

El universo Marvel se expande y lleva hasta la cartelera ‘Los Vengadores’, la sexta película basada en los famosos cómics de superhéroes. Nick Furia [Samuel L. Jackson], el líder de la organización ficticia S.H.I.E.L.D, convoca a los seres más extraordinarios de la Tierra y los recluta para intentar frenar la amenaza bélica de un villano del espacio exterior [Loki, el malvado hermano de 'Thor' interpretado por Tom Hiddleston]. A la llamada, con más o menos reticencias, acuden el hilarante ‘Iron Man’ compuesto por Robert Downey Jr. [no pierde ni una pizca de humor con respecto a sus películas anteriores, si acaso gana cuerpo], un temido Hulk que encuentra la horma de su zapato con Mark Ruffalo o la Viuda Negra que interpreta Scarlett Johansson. A ellos se une un siempre sorprendido Capitán América, que ha pasado durmiendo un buen puñado de décadas desde la Segunda Guerra Mundial.

La cinta, que se estrena antes en Europa que en Estados Unidos, ha sido convertida a 3D después del rodaje, que incluso llenó de escombros Park Avenue en plena isla de Manhattan [la escena de la batalla neoyorquina es divertida y espectacular]. La banda sonora de Alan Silvestri, quizá menos emblemática que la de ‘Capitán América’, acompaña con acierto las andanzas de estos superhéroes, que encuentran su mayor comodidad en las rítmicas peleas [salvo en el caso de Downey] y no en alguna larga escena de laboratorio en la que se especula con las intenciones de los invasores. En cualquier caso, la película es puro entretenimiento, y el director Joss Whedon consigue acoplar bien las atmósferas individuales de los personajes-planeta para agruparlos en un universo con sentido. Los productores anuncian secuela [están en el horno el tercer 'Iron Man', el nuevo 'Capitán América' y la segunda parte de 'Thor'] y, desde luego, si siguen componiendo películas tan disfrutable… dinero para llevarla a cabo no les faltará.

‘Martha Marcy May Marlene’. Pesadilla y desasosiego / María Guerra

Desde el primer plano la cámara del debutante Sean Durkin te mete en la pesadilla de Martha (Elizabeth Olsen): una joven que huye de una comuna liderada por un sádico de modales suaves (John Hawkes) y que se refugia en casa de su hermana, donde intenta olvidar la tortura y humillaciones de la secta.

Con rotundidad y afilado montaje, Durkin va llevando al espectador desde el presente de Martha –refugiada en casa de una hermana (Sarah Paulson) que se siente culpable por su desaparición- hacia el pasado y la amenaza permanente de los fanáticos con los que convivió.

Martha Marcy May Marlene desborda la película de terror psicológico y sirve de espejo a los miedos habituales. La mente de Martha está llena de grietas por las que se cuelan los recuerdos. Es un espejo de los terrores individuales que nos empujan al abismo de la locura. Las transiciones entre el presente y el pasado son espectaculares, de una suavidad magistral. Sencillamente brillante.

‘Las nieves del Kilimanjaro’. Elogio de la compasión / David Martos

Michel y Marie-Claire son un matrimonio en la cincuentena. Él trabaja en una naviera de Marsella, inmersa en un proceso de despidos a causa de la crisis. Como líder sindical, su puesto está blindado, pero decide incluir su nombre en el sorteo de quienes tendrán que abandonar la compañía. La suerte no le acompaña y se queda en la calle. Sus amigos y familiares organizan una fiesta para celebrar los 30 años juntos del matrimonio, en la que este recibe como regalo unos pasajes a África, para ver las nieves del monte Kilimanjaro. Con esta premisa comienza una historia que habla, básicamente, de la compasión; pero no de la que surge del sentimiento religioso, sino de la que se pone en práctica con otros seres humanos desde el igualitarismo [casi político].

Uno de los compañeros de Michel, afectado por el ERE, planea un asalto a su vivienda. Entre otras cosas, roba los pasajes y la ilusión que mantenía feliz a la pareja tras el despido. A partir de ahí, vamos descubriendo las circunstancias familiares que rodean al asaltante -no las desvelaremos-, que pondrán a prueba los sentimientos encontrados de los asaltados [¿tener piedad o no de quien te ha hecho daño?]. La cinta de Robert Guédiguian, que lanza una mirada optimista pero serenamente consciente a la crisis económica y moral de este siglo XXI, nos habla también de la madurez y del valor de la familia. Una cinta recomendable que ganó el premio del público en la Seminci de Valladolid y que concursó en la sección paralela ‘Una cierta mirada’ del Festival de Cannes.

‘La maldición de Rookford’. Una lenta fantasmada / Daniel de la Fuente

Entre 1914 y 1919 la gripe “española” y la primera Guerra Mundial arrebataron la vida de un millón de personas solo en Inglaterra. “Solo quedan fantasmas”. Así arranca ‘La Maldición de Roockford’, con una similutud con la última cinta de Rodrigo Cortés (‘Luces Rojas’). Florence Cathcart, Rebecca Hall (‘The Town. Ciudad de ladrones’, ‘Vicky Cristina Barcelona’), se encarga de desenmascarar a falsos videntes y casas encantadas en una sociedad entregada al oscurantismo. Hasta que Robert Mallory, Dominic West (‘The Wire’, ’300′) le pide que investigue las apariciones de un niño fantasma en un colegio de internos.

El tráiler promete mucho, sin embargo, aunque la película cuenta con algunos elementos originales, es muy previsible y extremadamente lenta, le cuesta mucho metraje hasta que se mete en cintura (la última media hora). Nick Murphy, escritor y director de series para la BBC, se estrena en la gran pantalla con un film rodado en Escocia y Reino Unido que, a pesar de sus giros y trampas, acaba siendo una fantasmada.